En el cine español anterior a los años 60 había un género definido y ramificado en subgéneros, la película con cantante; en los años 60 aparece, con una furia típicamente española, la película con cantante pop. "Los chicos con las chicas" pertenece a este último género, cultivado con especial intensidad en los años 1965-1970, y se define por tanto como una sucesión de canciones justificadas por una trama argumental dispuesta a tal fin. Supongo que, por ser un "fan" de Los Bravos, la película me gusta, y me gusta tanto como la posterior "Dame un poco de amooor..." (1968), de José María Forqué, aunque ni en un caso ni en el otro tenga razones objetivas para decir que se trata de buenas películas. Bueno, pero son películas simpáticas, que no es poco.

En la película de Aguirre aparece un asunto que es fundamental para entender el cine español de los años 60, y que es la confrontación entre tradición y modernidad, entre lo viejo y lo nuevo. Los Bravos, y su música, representan la modernidad, el afán de cambio, de ruptura con lo viejo; el colegio de señoritas, en el que todo está terriblemente anticuado (el tiempo allí parece haberse detenido 60 años antes, en 1907) es la tradición, repleta de absurdos y sinsentidos. Este colegio puede entenderse, en una lectura no demasiado rebuscada, como un símbolo de la España franquista, es decir, como un mundo encerrado en sí mismo, en sus tradiciones, que, de forma inevitable, entra en contacto con el mundo exterior y sus modas. Como cantaba Mike, "la Edad de Piedra ya pasó, al menos por aquí". La modernidad vence, en forma de grupo de música pop. Pero vence en una revolución pacífica, llena de amor y de ingenuidad.

Es necesario recordar y destacar los actores y actrices que, aunque secundarios, dignificaban el producto: José Luis Coll, Luis Sánchez Polack, Rafaela Aparicio, Manolo Gómez Bur, Lola Gaos, Enriqueta Carballeira, María Luisa Ponte, Guadalupe Muñoz Sampedro...Y también, recordar la aportación de Francisco Macián, desde el campo de la animación, en un film que oscila entre el "pop" y el "op art".

Merece ser mejor conocido, y revisado, y reivindicado, este "thriller" hecho en coproducción entre el Reino Unido y la RFA, con un actor norteamericano, James Coburn, como protagonista. La acción es muy ingeniosa, y te mantiene pegado al sillón de principio a fin; las interpretaciones son muy buenas, desde la de Coburn hasta la de los actores británicos que le secundan; y la banda sonora es soberbia.

Coburn es Robert Elliot, un prestigioso economista norteamericano, además de profesor universitario, y por otro lado posee oscuros intereses económicos en la empresa privada. Vamos, dicho claramente: lidera una red de tráfico de influencias muy bien montada en la ciudad de Londres. Para subir aún más en su carrera, debe eliminar a los cuatro miembros de esa red de tráfico de influencias: una prostituta de lujo, un masajista de un club de ejecutivos, un científico y un funcionario del Ministerio de Asuntos Exteriores británico. Si lo consigue, podrá acceder a un preciado cargo, el de asesor del Presidente de los Estados Unidos. ¿Lo conseguirá? La solución, en el "spoiler".

Son curiosas las referencias existentes en los diálogos a España.

James Coburn no es un antiguo agente secreto, como se dice en la sinopsis, y como dice la sinopsis de la edición en dvd: es un economista, de esos que salen en la tele, explicando la forma en que funciona la economía. En la conexión entre economía, tráfico de influencias, política, corrupción y crimen, la película de Hughes es hoy una obra más actual que nunca.

"El puente" es una película que quería ver desde hace mucho tiempo, y que por fin he visto, y que, afortunadamente, no sólo no me ha decepcionado, sino que me ha gustado mucho. Juan Antonio Bardem traza en este film un retrato agudo, certero, vigoroso y lleno de vida de la España de 1976, con sus contradicciones, tensiones, contrastes, mitos y violencias; y hace del viaje del protagonista, un mecánico llamado Juan (Alfredo Landa), un viaje iniciático de tomo y lomo. Un viaje iniciático en el que el protagonista pasa del egoísmo a la solidaridad, de la ignorancia a la concienciación social y política, por lo que es un viaje tanto físico como interior, o mental. Juan es un hombre que, de pronto, y sin haberlo planeado, se enfrenta al mundo, a lo que hay fuera, solo, con la única compañía de su moto, a la que llama "la poderosa".

Alfredo Landa, protagonista indiscutible, y un actor genial que literalmente llena la pantalla, compone aquí a un "easy rider" español, y, de hecho, por seguir con la comparación con el famoso largometraje dirigido por Dennis Hopper, "Easy Rider (Buscando mi destino)" (Easy Rider, 1969), en la película de Bardem no faltarán los "hippies", las drogas, la música, los rebeldes, y las fuerzas represoras. Como en "Easy Rider", cada curva del camino abre un nuevo interrogante, una nueva oportunidad, un nuevo peligro para el viajero.

Alfredo Landa está muy bien en su papel de proletario -esta palabra puede molestar a algún lector, algún lector que crea que la lucha de clases es cosa del pasado, y que el consumismo nos iguala a todos, ¿y si en vez de proletario digo currele?- aburrido en el comienzo del puente de la Virgen de Agosto, porque su chica, o su ligue, le da plantón. Su personaje es un poco autoparódico, en relación con los previos papeles de Landa como "macho ibérico", siempre a la caza de extranjeras. Torremolinos, la Ítaca de este peculiar Ulises perdido en un mundo confuso, es por eso un lugar mítico, un paraíso soñado del cine español del desarrollismo, que Bardem convierte, sin embargo, en una playa vacía al atardecer, en un espejismo. "El puente" es una excelente "road movie", un gran retrato de una época, y una de las mejores películas de su director.

Se trata de una de las mejores películas de Robert Siodmak, y también es una obra destacada del cine negro estadounidense de la segunda mitad de la década de los 40, cinco años que son claves en el género, entre otras cosas porque marcan su apogeo. El argumento y sus ingredientes (la mujer más o menos fatal que engatusa al protagonista masculino, la misoginia que se deriva del ingrediente anterior, la fatalidad, el final trágico, las fuerzas que se interponen en la consecución del amor y la felicidad, la ambigüedad y lo engañoso de las apariencias) ya eran, en 1949, bastante tópicos -de ahí que este film pueda recordar en mucho o en poco a "Perdición" (Double Indemnity, 1944), de Billy Wilder; a "Detour" (1945), de Edgar G. Ulmer; a "Forajidos" (The Killers, 1946), dirigida también por Siodmak; a "La dama de Shanghai" (The Lady from Shanghai, 1947), de Orson Wellles; o a "Retorno al pasado" (Out of the Past, 1947), de Jacques Tourneur, por citar sólo algunos títulos muy conocidos- pero la realización y el guión consiguen dar a la historia, y a sus personajes, una viveza, una frescura y una fuerza sorprendentes. La música de Miklos Rozsa (un compositor con un estilo propio, reconocible, como Bernard Herrmann) es muy buena. Tony Curtis aparece brevemente, en uno de sus primeros trabajos como actor, y volvería a coincidir con Burt Lancaster.

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Posiblemente una de las mejores películas de Robert Parrish, y desde luego una de las cimas de su filmografía de los años 50, junto con "Llanura roja" (The Purple Plain, 1954). Curiosamente, si en esta cinta bélica el protagonista era un hombre desarraigado, en este western el protagonista también lo es. Parrish aprovecha los géneros para llevarlos a su terreno. Con una música y una fotografía en color estupendas, "Más allá de Río Grande" es un western superior a la media de lo que este género ofrecía en los años 50, y hasta adelantado a su tiempo. Por desgracia, Parrish es un cineasta infravalorado.
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