El Woody Allen de ‘Delitos y Faltas’ y ‘Match Point’ nunca volverá. Pero de vez en cuando, sus películas contienen destellos de genialidad (antaño constantes, actualmente esporádicos) que justifican su visionado. ‘Irrational Man’ nos devuelve al Allen en el que el drama pesa mas que la comedia, retomando conceptos como la culpa, la infidelidad, y el deseo.

El hecho de que no estemos ante una obra significativa dentro de su filmografía, no impide reconocer sus numerosas virtudes: un ritmo ágil, el acertado empleo de las voces en off, los inesperados giros de guión, y unas interpretaciones convincentes. Como era de esperar, Joaquin Phoenix da la talla en su debut con el neoyorquino, mientras que Emma Stone se consolida como chica Allen.

Al contrario que en sus trabajos recientes, el guión contiene elementos más arriesgados que denotan una mayor dedicación en la escritura y en la concepción de sus situaciones. Superior a la media de las producciones actuales, pero, una vez mas, indigna de su inmenso talento.

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Pawel Pawlikowski demuestra una gran habilidad a la hora de crear atmósferas especiales, siempre acordes con el estilo de cada obra que realiza. La cámara del director polaco transmite una sensación de inquietud desde un premonitorio travelling lateral en los primeros compases del film, en el que todo parece difuso y sólo se entrevé cierta nitidez en una profundidad de campo distante y misteriosa; todo un anticipo de lo que vamos a encontrar según avance la narración.

"La Mujer del Quinto" mantiene la atención del espectador de una manera intensa y casi hipnótica, hasta que llegamos al tercio final del metraje, en el que todo se vuelve confuso y se multiplican los cabos sueltos por atar. Quizás Pawlikowski confía demasiado en la capacidad interpretativa del espectador, salpicando la película de metáforas fascinantes y lagunas argumentales de difícil explicación. Un misterio.

Sin embargo, estamos ante una propuesta sumamente interesante, que demuestra la sorprendente versatilidad de un cineasta que lleva más de una década demostrando que es uno de los grandes autores del cine europeo. Merece la pena dejarse envolver por este centrifugado mental titulado "La Mujer del Quinto".

Está claro que Carlos Vermut tiene las ideas claras. No necesita imitar a los americanos para bordar el cine de género, ni recurrir a las reglas básicas del thriller para complacer al espectador. Simplemente confía en su instinto y se mantiene fiel a su estilo, un estilo que parece haber conectado con un público ávido de cineastas con voz propia y cansado de lo de siempre.

"Magical Girl" sorprende por su planteamiento, sus personajes, sus caprichosos giros de guión, y su aplastante coherencia dentro dé un argumento que por momentos parece irreal e increíble. Sin embargo, llegados a ese momento el director se ha ganado la confianza del espectador y puede permitirse este tipo de lujos.

El reparto al completo resulta convincente en unos papeles que no responden a los patrones habituales del cine español, lo cual habla muy bien de la habilidad de Vermut en la dirección de actores. Por encima de todos, brilla un José Sacristán que parece haber encontrado ese estado de gracia que le impide errar en sus interpretaciones.

Una película brillantemente dirigida, que sorprenderá a los amantes del género y revelara nuevas vías para seguir construyendo un cine con personalidad propia.

‘Qué Difícil es ser Dios’ es una experiencia única, una película con vocación de obra minoritaria. Su escala de grises responde a la ausencia de buenos y malos en su narración, de moralejas, o de mensajes grandilocuentes que tanto gustan al espectador medio. Quién no esté dispuesto a mancharse de barro y recrearse en las miserias más despreciables del ser humano, no debería ver esta película. No obstante, todo el sufrimiento que implica su visionado, será recompensado por la calidad cinematográfica de sus imágenes y el impacto de haber presenciado en primera persona una historia de otra época.

Avalada por cuatro premios (entre ellos, la Cámara de Oro y el Premio del Público) en la pasada edición del Festival de Cannes, ‘La Tierra y la Sombra’ prometía ser uno de los platos fuertes de la sección Horizontes Latinos.

Y la verdad es que la primera película de Cesar Augusto Acevedo es una de esas obras costumbristas que se quedan grabadas en la retina por la sinceridad que desprenden sus imágenes y las emociones que suscita su argumento. El colombiano aborda temas cotidianos como la unidad de la familia y los problemas laborales en un contexto muy particular: un pueblo colombiano cuya economía se sustenta en el azúcar.

A su favor, el micro mundo que se crea en torno a la vivienda familiar, donde se desarrollan todos los conflictos entre un abuelo que regresa a casa después de más de una década, el cabeza de familia que vive momentáneamente postrado en una cama, la mujer trabajadora, la abuela que retiene a la familia en un callejón sin salida, y un niño que corre el riesgo de crecer demasiado pronto.

Acevedo oxigena la narración a través de las tensiones que se generan entre patronos y trabajadores durante la recogida de azúcar, y reivindica a la mujer como una figura capaz de sustentar la economía familiar sin la ayuda del hombre.

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