Del director de 'Fuga de cerebros' no esperábamos nada de nada. Ese tío va a lo que va. Hasta el momento, a hacer cine para los adolescentes sin ningún ánimo de aleccionar, pero sí con el de atiborrar al público joven con los recursos más proclives para convertir al espectador en lo más parecido a un ser inerte. Comparado con lo que ha hecho hasta ahora, el cine de Pedro Lazaga o el de Antonio Ozores es de autor. Sin menospreciar a los jóvenes que van en masa a ver este tipo de películas. Digamos que pecan de inocentes. Seguramente, si hubiera visto hace algunos años '3 metros sobre el cielo' habría caído en la trampa que plantea la película de cara al público, que es la facilidad que tiene para dejarte prendado (como se enamora uno de una actriz) de María Valverde, y lo mismo le ocurrirá a los que les seduzca el musculoso Mario Casas.

Lo que me sorprendió de verdad fue ver en los títulos de crédito a Ramón Salazar firmando la adaptación de la novela de Federico Moccia. Podría haberlo hecho con pseudónimo -pienso- si quería mantener la reputación que tenía como cineasta, porque, desde luego que conmigo de momento la ha perdido. La verdad es que partiendo del best-seller italiano no había gran cosa que hacer, porque no es que sea ninguna maravilla. Es más bien lo que vemos en la película contado con palabras, y arrasó entre los adolescentes a principios de 2000 al igual que su adaptación cinematográfica en 2004. Si comparamos entre ambas, la versión española es tremendamente similar en cada secuencia a esta anterior, pero -aún si cabe- más burda y empalagosa que la italiana. Digamos que los personajes chulos y macarras pasan de jugar a hacer flexiones en el suelo en una, para hacerlo en barras de hierro y durante más tiempo en la otra. ¡Qué sanos y deportistas son hoy en día los jóvenes! Y qué motos tan bonitas tienen para hacer carreras. Ese rollo en Italia puede colar, pero en el puerto de Barcelona yo lo que veo es más bien a unos chavales con tunning y no con el formato Harley. Lo de la policía sacando fotos en la portada de los periódicos es todo un puntazo, y los flashbacks y explicaciones de por qué un chico pasa de sacar "sobres" en física y (o) química a ser el más gamberro de la city son de todo menos convincentes.

Los personajes parecen haber salido de un cómic, por lo menos. Y esas niñas-bien enamoradizas (María, te están encasillando y pareces no querer darte cuenta…), con una mentalidad más cercana al reformatorio que de la universidad. Aunque, pese a ello, la cinta es muy políticamente correcta con el tema sexual e incluso con el moral. Por cuestión de abrirse al público, supongo. '3 metros sobre el cielo' es, descaradamente, otro ejemplo paradigmático de la falsedad de los retratos de la juventud en el cine español actual. ¡Viva el cine quinqui de los 80!

(continúa en el spoiler por falta de espacio...)

Con una estructura narrativa más cercana al cine norteamericano, el director catalán Pau Freixas aborda su segundo largometraje. Un joven publicista que va camino de una reunión es víctima de una gamberrada juvenil. Mientras trata de recomponerse, en mitad de la carretera se topa con una 'mochilera' que no tendrá más remedio que acompañarle en su desventurado plan por volver a su rutina. Ahí surgen los recuerdos y es donde comienza la historia que quiere revelarnos Freixas: la de los continuos 'flashbacks' que nos trasladan a la infancia de un grupo de amigos durante sus vacaciones. Unos momentos inolvidables, quizá los mejores de sus vidas, pero que desafortunadamente el tiempo acaba por enterrarlos. El mundo 'ochentero', bucólico e idílico al que se nos conduce está muy en sintonía (y sin tapujos) con la distinguida película 'Stand by me' (Cuenta conmigo, 1986), de Rob Reiner. Sol, playa, pandilla estacional de amigos (con enfrentamientos entre bandas incluidos), discusiones familiares y amoríos de verano. Así pues, Pau Freixas demuestra que también puede llevarse todos esos elementos a su terreno, el del cine catalán.

Muchos encontrarán la película simpática e incluso divertida. Ello se debe en buena parte a la colaboración de Albert Espinosa en el guión. Cualquiera que haya visto 'No me pidas que te bese, porque te besaré', su irregular debut en la dirección, se dará cuenta perfectamente. Espinosa aporta un humor muy ligero, que no llega al 'gag' en sí, pero que consigue arrancar la sonrisa complaciente del espectador en numerosas ocasiones. También contribuye con unos personajes que caen bien, a la vez sencillos y entrañables. Y el reparto es amplio, de peso y convincente. Se da lugar a situaciones bien reconocibles, cargadas de tanta emotividad como de ingenuidad. De ahí, que 'Héroes' puede calificarse como una película con ventajas y desventajas. Me refiero a que tiene tantas fisuras como formas de solventarlas. El panorama de ese pasado que se vislumbra no llega a ser del todo conciso y palpable. Pero igualmente, la película cuenta con la ventaja de estar envuelta por una atmósfera más bien onírica, así como de fábula. Por eso, las aventuras de estos pequeños héroes se transmiten con una apacible inocencia que consigue transportar hacia otro mundo, aquel entorno ideal siempre añorado. Explícito además a través del 'I want to be forever young…', llegando a un clímax en el tramo final nada esperado aunque desaforadamente emotivo, pero aún así irremediablemente efectivo.

De esta forma, los creadores de 'Héroes', al proponerse una cinta sobre la nostalgia y la melancolía han dado en el clavo. Sin ser quizá la forma más redonda de llevarlo a cabo, al menos se consigue un agradable abanico de ilusiones apto para todos los públicos.

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Siento defraudar al único colega que se ha atrevido a escribir una crítica de este documental, pero creo que su interpretación se ha dejado llevar por el tono documental de la cinta, y espero dejar claro que no se trata de un reflejo de la realidad.
En primer lugar, Patino realiza este documental en 1974 como desafío al Gobierno franquista por haberle prohibido el título “Canciones para después de una guerra”, aún sin estrenar.
El documental posee un gran valor por las imágenes que presenta, a veces manipuladas, como en algunas poses grotescas del dictador o el contrapunto musical con pasodobles y zarzuelas sobre determinados actos oficiales. Además, utiliza un sorprendente juego con el color rojo.
Pero, en ningún caso, se trata de un documental de análisis histórico, como tampoco lo era “Canciones...”, sino de un análisis que no pretende ser objetivo, de alguien que pretende recuperar su memoria, pero no la histórica.
Las imágenes de los milicianos son de alegría y entusiasmo, de gente que despierta ternura, y si nos fijamos, las del bando nacional son de guerra, despiertan crueldad.
Además, se defienden las tesis anarquistas presentando la colectivización de las tierras.
El documental es un caos de imágenes, pues no pretende contarnos , sino despertar y sugerir recuerdos y emociones.
El hecho de que se juegue con la subjetividad, aunque se trate de un documental, es plenamente comprensible en estos años, ya que, después de décadas escuchando una única versión del conflicto oficial e indiscutible, había muchas ganas de reflejar otra realidad.

Muchos quedamos sorprendidos al ver el palmarés de la pasada SEMINCI, en la que se alzaron con la Espiga de Oro ex aequo 'Copia certificada', de Abbas Kiarostami y 'Sin retorno', de Miguel Cohan. La primera es para el que esto escribe la mejor película de 2010, por lo que el hueco en lo más alto lo tenía de sobra merecido. Pero entonces, ¿qué pintaba junto a ella 'Sin retorno', firmada por un desconocido y con un Leonardo Sbaraglia como cabeza de cartel, algo que no infunde demasiada confianza a simple vista? Desde luego que el jurado del certamen vallisoletano debió quedar asombrado por este thriller dramático, y quiso premiar las dos caras de lo que debe y puede ser el mejor cine.

La cinta que dirige el debutante Miguel Cohan comienza de forma palpitante y no da tregua al espectador. Se le puede achacar demasiado contenido para un solo largometraje de apenas cien minutos. Deja la sensación de que cada subtrama podría desarrollarse de forma independiente con igual fortuna que las demás. La crítica a una impávida justicia y a unos sensacionalistas medios de comunicación pasa de refilón por esta cinta que se encarga más bien de calibrar el precio y los límites de la verdad, de la compasión y la venganza entre los seres humanos.

Todo empieza a sabiendas de que algo va a pasar. Y pasa. Luego vamos del suspense y lo fortuito al drama de un sopetón. A partir de ahí florecen las sospechas. Como a Hitchcock le gustaba, al público hay que decirle la verdad, y que sean los personajes los que se encarguen de buscarla mientras se divierte el que les observa. Aunque aquí está más presente el espíritu de Claude Chabrol. Descanse en paz. Una familia pequeño burguesa ha de afrontar la culpabilidad y el remordimiento. Otra con ansias de venganza y de justicia. Y una tercera golpeada por el infortunio y la desgracia. Un caso el de 'Sin retorno' que, además de verse en los telediarios, todos hemos planteado en una sobremesa o alguna reunión familiar: por la familia uno es capaz de cualquier cosa, siempre se dice. Aunque esa decisión llegue a perjudicar a terceros inocentes.

Cohan, por medio de unos actores que aguantan el pulso en todo momento (hasta una Bárbara Goenaga como una argentina más en el film), nos ofrece un buen cúmulo de subtramas alimentado por juicios, cárcel, televisión y vidas al límite en familia, que se desencadenan en unas elipsis desconcertantes pero necesarias. Y se sostienen, no por puro milagro, sino por estar encauzadas hacia un premeditado e íntegro final.

Que se recuerde de los últimos años, entre los directores de la Escuela de Cine de Madrid (ECAM) no hemos visto más que mercenarios y algún que otro raro. Mientras que de la de Barcelona (ESCAC) han salido proyectos, con mejor o peor resultado, de mayor o menor gusto, pero de los que se percibe una mirada consciente y acorde a los límites y presupuestos que ha de abordar un primer film. La productora asociada a la escuela catalana Escándalo Films sea probablemente la responsable de tal coherencia. Tomen nota el resto. Lo dice un defensor del cine mesetario de los 60': el de Saura, Camus, Patino, Borau, Regueiro, Picazo y demás. Ahora el cine madrileño digamos que no existe. Pero eso es otro asunto a tratar. Ya lo hablaremos otro día. Ahora toca hablar de 'Blog', el valiente primer trabajo de Elena Trapé, ni mucho menos perfecto, pero sí en otra galaxia, la buena, la deseada, donde queremos que estén los retratos de la juventud española, y no aquella a la que pertenecen esas bazofias televisivas, que curiosamente, son las que ven las protagonistas de esta perspicaz película. Porque de eso trata el film de Trapé: de sumergirnos en la vida de un grupo de adolescentes por medio de sus conversaciones ante una webcam, a modo de vídeo-blog, y de las relaciones y los roles que adoptan entre ellas.

Para adentrar con verdadera expectación al público en el experimento de situar webcams en las habitaciones de las jóvenes durante seis meses a modo de "confesionario", la historia parte con un planteamiento enrevesado y perverso. El McGuffin elegido por los autores de este relato es el propósito de un grupo de jóvenes de mantener relaciones sexuales por primera vez (¿para así quedarse embarazadas?), todas al mismo tiempo (no en el mismo lugar), y como si de un simple juego se tratase. A partir de ahí comienza el regocijo por el que fluyen unos personajes femeninos no faltos de inocencia, cada cual con una personalidad diferente a la hora de afrontar distintas situaciones, especialmente la sexualidad. No es nada fácil delimitar qué parte hay de naturalidad, de instinto y espontaneidad en las interpretaciones de estas actrices no profesionales, y cuál es la otra, la que viene marcada (o simplemente condicionada) por las exigencias del guion. Aunque el trabajo de 'Blog', que podríamos considerar como una variante del cinéma verité, más bien parece consistir en rodar y rodar, para después cortar y cortar. Así que resulta complicado constatar si el film llega a conseguir un fin pedagógico, porque seguramente acabe bordeando lo banal y lo superficial. Eso sí, indudablemente necesario puesto que permite analizar e interpretar desde un nuevo punto de vista una delicada etapa por la que todos pasamos, pero que nadie acaba -ni quiere- comprender.