El cine de terror oriental que tan buenos productos cosecho hace unos poquísimos años, últimamente está de capa caída, y una buena muestra de ello es Coming Soon. La película no termina de enganchar, es más, aburre al más pintado. El abuso sistemático del sistema de sustos orientales en el género, es decir: la imagen fija de la desgreñada de marras durante uno o quizás dos segundos, es por sistema decepcionante y metódico llegando al grado máximo de aburrimiento soporífero, lo que unido a un guión flojo y repetitivo en la misma variante de siempre púes da como resultado un bodrio de mucho cuidado.
He de destacar que durante una escena de casi el final me pareció estar ante un "remake" de Atrapado en el tiempo, y me he ilusionado ficticiamente esperando que apareciese Andie Macdowell o al menos la marmota, pero nanai del peluquín. Que le vamos a hacer, no tengan la paciencia y resignación que he tenido yo con este film.

La presencia en Bresson de no buscar el reconocimiento del público general en sus films lo lleva a utilizar un estilo muy personal que nace de él mismo, de una necesidad vital de expresarse como un artista, fuera de los cánones establecidos dentro del cine puramente comercial, creando una obra de arte única que va a responder a una coherencia personal del creador conforme a lo que quiere transmitir. El concepto del film como una obra de arte este presente en Bresson con el afán de alcanzar la máxima expresividad partiendo de la más pura simplicidad. Su concepción del arte viene reflejada en el libro del propio Bresson “Notas sobre el cinematógrafo”, donde reseña su concepto del arte fuera de cualquier convencionalismo”.

Bresson, cerca de los postulados del neorrealismo italiano, utiliza actores no profesionales y personajes marginales. El denomina al actor “modelo”, donde la ausencia de profesionalidad da paso a una interpretación personal en muchos casos carente de todo tipo de expresividad en una simple interacción del modelo con el entorno y los objetos que le rodean de una forma natural. Los “modelos” de Bresson interpretan personajes que en la vida cotidiana nadie prestaría atención. Hay una total ausencia de decorados, atrezzo, vestuario, maquillaje… todo esto es prescindible en el cine de Bresson. Pero también hay que destacar su separación de los postulados neorrealistas en la ausencia de dramatización, surgiendo las emociones del propio espectador de forma espontánea, sin un reclamo artificial implícito en la propia obra, de una realidad enigmática y paradójica, ambigua y misteriosa.

La historia es simple, de un minimalismo clarificador: una niña sola y desamparada, perdida en un entorno rural sórdido donde el único referente es la figura materna, donde la falta de afectividad de su familia se suple por una rebeldía y una incomprensión mutua entre ella y el entorno que la rodea, y donde el paso de niña a mujer marcará el destino de Mouchette: sufrimiento y redención, algo común en la filmografía de Bresson.

El ascetismo fílmico de Bresson es lo que encumbra a la obra, a la que hay que acercarse como si estuviésemos contemplando una verdadera obra de arte. Cada uno debe extraer sus propias conclusiones e interpretar la obra según lo que esta le sugiera.

En palabras de Saul Symonds: «Ante un film de Bresson (...) siempre me voy a encontrar a mí mismo tratando de penetrar su superficie, y creo que los significados siempre esperarán un paso o dos más allá de mi alcance». Y efectivamente, con Mouchette, Bresson siempre esta fuera de mi alcance de entendimiento racional. Quizás, sea esto lo que tanto me llama la atención de él.

La primera secuencia de las 20 que compones Post Tenebras Lux me recuerda el inicio de Satantango, con ese eterno plano secuencia magnífico grabado a fuego en mi mente.
Y esto me anima a seguir viendo la película, compuesta por una sucesión inconexa de escenas sin ningún tipo de hilo narrativo, donde el guion y la historia son ininteligibles y brillan por su ausencia.

La perfección con la que Reigadas filma y mueve la cámara es soberbia. Técnicamente no le pongo ningún pero al realizador mexicano. La influencia rusa de Tarkowski y del realizador Húngaro Tarr es evidente, apreciándose sin ningún tipo de duda el crudo realismo y la mirada metafísica de la que hacen gala ambos directores y de las que Reigadas salpica su film. Pero todo esto no quita que sea duro y difícil conectar con la película.

La trama, después de leer e indagar en varios sitios, se resume en una confrontación continua entre la clase burguesa, la burbuja en la que vive Juan con su familia, contra el medio rural y salvaje en el que se han exiliado, con el que se enfrentan, en un retrato personal e íntimo del protagonista que deambula a lo largo del film.

Destaco la secuencia de la multitudinaria comida y la de la sauna; esta última me cuesta entenderla y ubicarla en la película. La aparición del diablo impacta y sorprende, otros dos grandes aciertos. Y así se puede continuar con todas las escenas, pero el problema es la relación que hay entre ellas. Son 20 excelentes secuencias pero ¿Qué conexión tienen entre si?

Que Reigadas no siga la estructura tradicional y se limite a narrar y punto me parece muy bien, al igual que no exista presentación de personajes. Todo esto pide al espectador una comprensión e interpretación propia de la película, que no todos estamos dispuestos o capacitados para hacer. En mi caso, el film me ha sorprendido e intrigado, pero también me ha aburrido y decepcionado. Para gustos los colores, pero a mí el color de Post Tenebras Lux no me ha gustado, y me ha dejado con la sensación de que me han tomado el pelo.

Hay que tener narices por no decir otra cosa para hacer lo que el Sr. Tarr hace, una película de 450 minutos que perfectamente cualquier realizador común haría con un metraje de 90. ¿Porque hace esto Bela Tarr? Sencillamente porque quiere y puede; le apetece recrearse en la historia, igual que un amante del arte admira un cuadro, paseando lentamente su mirada por el lienzo; Tarr deja la cámara fija durante minutos, y si la mueve lo hace lentamente, para ampliar el plano o mostrar algo más que el marco de una puerta, la silla donde bebe un borracho o en la taberna porque alguien se sienta delante. La ley del mínimo esfuerzo, pero con mucha clase, todo muy bien estudiado; un 10 para la coreografía y la estética del movimiento.

Técnicamente Satantango no tiene ningún fallo, salvo en el guión, cosillas que no terminan de cuadrarme mucho. La fotografía es de diez y los travelling de Irimias and company andando por la solitaria calle con el viento removiendo toda la basura es de una belleza indescriptible. Cuando quiere, Tarr mueve la cámara alrededor de los personajes, como en la penúltima escena en el despacho de los dos funcionarios, de tal forma que sin darnos cuenta la cámara estática de todo el film baila subrepticiamente alrededor de los personajes, para devolvernos al final al estatismo con la última escena de un sólo plano fijo.

Narración en Satantango: diversa, con varios puntos de vista; según el personaje, la historia se repite desde distintos ángulos, o mejor dicho, cambiando la cámara de sitio. No sé si el señor Tarr ha rodado dos veces la escena de la cogorza múltiple en la taberna o ha puesto dos cámaras, una dentro y otra fuera. Misterios sin resolver.

La historia puede decir lo que cada uno quiera sacar. En mi opinión es una parábola sobre la mediocridad, la estupidez humana y el abuso de poder. Los personajes, patéticos en su conjunto, llegan a simpatizar con el espectador que contempla la simpleza de sus vidas de una forma meticulosa, llegando a intimar con ellos.

Recomiendo esta película a todo amante del cine que quiera ver algo diferente y nuevo a la vez. Satantango es lenta, pesada e incluso aburrida, pero si conectas con ella puedes tener momentos de autentico placer, como a mí me paso, quedando hipnotizado con las imágenes y el sonido, como en la primera escena de las vacas, donde ya se nos presenta un panorama no para matar pero si para sestear si no tenemos un buen día cinéfilo. Lo mejor es tomárselo con calma y sacar el lado gafa pasta que todo amante del cine tiene, relajarse y dejarse llevar. En mi opinión son siete horas y media muy bien invertidas.

“Heroes for sale” destaca desde la sombra como exponente cinematográfico del clima americano de los años treinta marcados por la gran depresión; y digo desde la sombra por tratarse de una obra prácticamente desconocida rodada en 1933 por William A. Wellman, lo que no significa que no sea una de las mejores obras del director.

Estamos ante un relato de una extraordinaria complejidad, que abarca un periodo bastante extenso de la historia de Estados unidos, arrancando en la I Guerra Mundial y terminando en los años de la gran depresión, donde la contundente fuerza del guión adquiere un alto grado de testimonio social, salpicado todo ello de profundos matices dramáticos; donde la justicia se matiza inexistente en un mundo carente de valores donde el personaje de Tom Holmes destaca y brilla estoicamente ante la adversidad con un fuerte código ético y moral que le convierte en un héroe anónimo.

Wellman utilizó vagabundos auténticos para ambientar su relato, en su última película del contrato que tenía con la Warner. La capacidad de síntesis del director, impensable hoy en día, junto a condición de denuncia de todo tipo de injusticia social, incluido capitalismo y comunismo, hacen de esta cinta una magistral obra, donde la sencillez de la narración caracteriza uno de los trabajos menos conocidos de Wellman.