Película correcta pero que se queda a medias por varios motivos:

1. Le falta personalidad. No consigue crear un estilo propio que la lleve por el buen camino. Hay varias referencias claras: desde clásicos como Ana de los 1000 días (ese estilo de obra histórica que tanto se cosechó en los 60 y que dio muy buenos resultados), pasando por el telefilm de lujo puro y duro (Los Tudor, por ejemplo) y llegando a Elisabeth, película de la que pretende copiar las intrigas oscuras y palaciegas sin éxito alguno.

2. Su director es muy plano. No consigue ir más allá de una correcta puesta en escena. Le falta chispa, genialidades, algo que la diferencia del mero episodio anecdótico bien decorado y vestido. No he leído la novela, pero partiendo de la premisa que nos ofrece, lo que ocurre poco a poco (lo que nos cuenta la historia) no despierta más atención que un mero y vago interés porque llegue el desenlace de todos sabido. De pasión o emoción por lo que ocurra nada de nada. Y eso es triste.

3. Su ambientación histórica (siendo lujosa, en los vestuarios anda Sandy Powel) se me hace extraña. El séquito real, las damas y caballeros de la corte parecen salidos de un instituto (maneras, gestos, formas de hablar, peinados...) que me hacen dudar de la veracidad de lo que estoy viendo. ¿Estamos realmente en el siglo XVI? Asimismo, y aún sabiendo que Inglaterra era quizás más avanzada que España en la época, Ana Bolena es (¿lo ha reivindicado alguien?) una feminista precoz y en estado puro y cuyo viaje a Francia (como si fuera de Erasmus tres meses) la convierten en la Virginia Woolf de la época, en una ilustrada de armas tomar.

Demasiadas cosas que ha querido hacer el tal Chadwick (a veces pone la cámara en unos sitios que ni Coppola...) en un talento obviamente más limitado de lo que el mismo se pensaba. Lo mejor en sin duda alguna las actrices protagonistas (y no tanto). Natalie Portman y Scarlett Johansson salen airosas del reto, ambas muy convincentes en sus respectivos roles. Kristin Scott Thomas (algo perdida últimamente) consigue una interpretación de altura (suyos son algunos momentos de tensión en la película) y Ana Torrent firma una Catalina de Aragón muy en su sitio.

En fin, película correcta, pero que se queda en el 5 y pico tirando a 6 por lo indicado anteriormente.

Mataharis es una película coherente con los dictados que siempre han movido el cine de Iciar Bollaín. Y lo es porque la directora vuelve a sorprender gratamente con tres pedazos de vidas corrientes que transcurren plácidos bajo la atenta e invisible mirada de una cámara desnuda.
Es en ese hacer casi transparente (que tan buenos resultados dio en Te doy mis ojos) en donde Bollaín gana en enteros. Viaja y disecciona con total naturalidad las vidas ordinarias de seres, que sino fuera por su mirada, nos pasarían desapercibidos en el barullo de la ciudad.
Tres historias con un punto en común en el que se retrata la relación humana con acierto. Sobre todo en la historia de Nawja y Tristán, que es sin duda la más lograda de todas. Sin embargo, y pese a todas sus virtudes, Mataharis adolece, a veces, de ritmo y puede llegar a resultar algo fría o lejana, por eso creo que se distancia del notable alto para quedarse en un meritorio siete.

Buff, en vaya berenjenal se ha metido el maestro Coppola!
La novela que adapta se las trae. Difícil en su concepción cinematográfica, porque lo que suena bien en papel no siempre puede plasmarse con acierto en la pantalla. Por lo tanto, un "comeback" arriesgado el del director de Apocalipsis now.
¿Era necesario? No se yo. Bien es cierto que Coppola nunca se ha conformado con hacer una película, siempre ha querido ir un poco más allá y demostrar que en sus manos todo vale, todo adquiere grandeza y se convierte en sublime.
En Youth without youth esto no ocurre, claro está. Esta película no es sublime, ni estará por méritos propios en la antología de lo mejor del italo-americano (en donde sí estará prácticamente todo el resto).

En Youth without youth, Coppola brilla en su faceta tras la cámara como siempre. Su concepción de la escena, su configuración estética, los ángulos de la cámara son soberbios. A eso ayuda la hermosísima fotografía y la puesta en escena. Sin embargo, pese a todo ello, en esta ocasión esta inundación de belleza plástica en la pantalla acompaña en lo justo a la historia, porque a esta le falta fuerza narrartiva capaz de mantener al espectador en tensión durante dos horas.

A un amante de Coppola como yo, lo visto le satisfará por los años perdidos, pero no embriaga como se espera de su talento.

Pese a todo ello, Youth without youth es una película arriesgada, diferente y me temo que, aunque teniendo en cuenta el desajuste narrativo evidente, una película incomprendida e injustamente vilipendiada y olvidada por todos. ¿Será para tanto? Yo aplaudo el esfuerzo y las ganas del director por cambiar y agradezco ese acercamiento a la psique humana y a la búsqueda de la verdadera esencia del hombre -tan difícil de plasmar en imágenes- que lo lleva irremediablemente a nuestro Julio Medem e incluso al inclasificable David Lynch.

Es muy difícil elegir una película del gran maestro de Calanda. Y lo es porque, con muy pocas excepciones, la suya es una filmografía magistral, plagada de obras maestras a diestro y siniestro.

Los Olvidados, (¡qué hermosísimo título!) supuso una de las cumbres buñuelia-nas en su periplo mexicano. Y no es para menos, la película retrata con dureza y emoción a partes iguales el destino fatalista de unos adolescentes carcomidos por la pobreza y la desgracia. Una visión diferente de la marginalidad en las grandes urbes (no en vano, Buñuel nos advierte que lo que narra bien podría estar pasan-do en Londres, París o Nueva York) que se distancia de obras, en un principio, hermanas como Ladrón de bicicleta de De Sica o Roma, ciudad abierta de Rosse-llini. Estas últimas son las obras abanderadas del Neorrealismo italiano de los años cuarenta, sin embargo, Los Olvidados bebe de otras fuentes distintas, las fuentes del Surrealismo moderado reconvertido a Realismo poético de tintes bí-blicos.

De hecho, y pese a su poso globalizante, Los Olvidados navega en el folclore mexicano como pez en el agua, y desmenuza con precisión el desarraigo genera-cional de una sociedad decadente que excluye de su bonanza a malditos y des-amparados. Pedro, su protagonista, es un Oliver Twist de periferia más cercano a Donni Darko que a Artful Dodger. Un maldito cuyo sino destila fatalidad desde el primer plano y cuya odisea predestinada recuerda la pasión del mismísimo Jesucristo. Así, Buñuel convierte a Jaibo, su coprotagonista, es un Judas libidinoso con la estampa del mal fario pintada en la frente. La relación que se crea entre ambos es el leit motiv de un recorrido agridulce y pasmoso por un purgatorio de almas diseccionadas con sin inigual maestría por su autor: una madre irredenta y castradora, un ciego-trovador de bilis intacta y una lozana prehistórica preceden-te de una Belle de Jour bañada en leche.

Y es curioso como en el medio de todo este caos, Buñuel tiene tiempo para, al lado de lo absurdo e irracional de la existencia misma, rescatar sin mayores pro-blemas un sentimiento de gratitud y pasión que impregna no sólo a Pedro, sino también a sus compañeros de desgracias, dotados de una humanidad y viveza poco estudiadas hasta entonces. Por eso, en la conjugación sensacional de asco y belleza, Buñuel brinda con Los Olvidados una lección de humanismo que tras-ciende más allá del mero episodio de fatal cotidianeidad urbana.

En Cannes, que suelen ser muy listos, le dieron el premio al Mejor Director, y en mi ranking particular, Los Olvidados descansa al lado de El ángel exterminador –obra sin parangón en la historia del cine moderno y de una actualidad insultante - y Viridiana, que es, de lejos, la mejor película española de todos los tiempos.

Me impresiona que a su edad, el maetro Cuckor fuera capaz de sacar tanta chicha a esta historia de amistad en el tiempo. Capta con maestría el devenir de los cambios en la sociedad americana y salpica con mordacidad y mucha ironía episodios grandes de manos de dos actrices en estado de gracia, y muy poco reconocidas pese a su talento.
Nada tiene que ver esta obra con películas más blanditas en los orígnes de Cuckor, por eso es de agradecer que haya podido presentar estos personajes con tamaña naturalidad.
A descubrir y tomar nota de como un carcamal puede ser moderno sin necesidad de excentricidades o rupturas de estilo.
Un melo kistch que gana con los años y que deja frases para la historia.