- Laurent: “¿Sabes bailar?”
- Teresa: “No, yo solo sé hacer cosas tristes”

Teresa (Simone Signoret) lleva una vida gris y monótona bajo el paraguas protector de su cobarde e hipocondríaco marido Camille (Jacques Duby). Cuando un musculoso camionero (Raf Vallone) entra en la vida de Teresa las cosas no volverán a ser nunca igual.

Dicen que el creador del realismo Poético es Marcel Carné. En esta película el realizador francés demuestra con gran autoridad la legitimidad de esta frase a través de una adaptación de una novela de Emile Zola que ya había sido adaptada al cine en dos ocasiones más.

Pese a ser una película tardía podemos englobarla dentro del Realismo poético francés que tantas buenas películas nos dio. En esta ocasión Carné dota a la historia de su característico estilo lírico y fatalista que encajaba perfectamente con el estilo de las novelas de Zola y su “naturalismo literario”.

Pese a ser una película olvidada durante la nouvelle vague fue descubierta de nuevo en los años 80 por Truffaut.

El film nos expone la historia de un amor ilegítimo. Un intríngulis donde se analiza a los personajes a través de sus ambiciones, frustraciones, sentimientos y limitaciones vitales.

Un melodrama sombrío con una solvencia excelente en las imágenes y puesta en escena.

La gran caracterización de los personajes nos hace vivir su propia realidad.

Simone Signoret hace un papel espectacular y nos regala miradas tristes de gran valor interpretativo, encerrada en una cárcel donde todos los pasos de su vida han sido monitorizados y no decididos por ella.

Acompaña su gran interpretación junto Raf Vallone el nuevo Burt Lancaster Italiano, que en palabras de Teresa: “es fuerte, es libre y solo piensa en él, y lo que le gusta lo quiere enseguida”

La estética remarca mucho la angustia vital de estos personajes. Casi todo sucede en interiores por lo cual tiene una atmósfera bastante claustrofóbica en un blanco y negro de la mano del director de fotografía Rogert Hubert.

La película se alzó con el León de plata en el festival de Venecia de 1953, estamos ante un film poderoso y muy valorado por otros realizadores como Kurosawa o del que aprendieron mucho, como Antonioni.

La película me parece un claro ejemplo de film en el que el director abusa de ciertos elementos técnicos.

1. Es cierto que la canción principal es un leitmotiv cojonudo para la pelicula y de hecho consigue atraparnos pero el uso indiscriminado de la cámara lenta me quita en cierta manera el empalme inicial

2. A mi gusto también abusa mucho de los planos cortos y se olvida de planos panorámicos que nos den una perspectiva más global del contexto situacional.

3. No sé si lo hace a posta pero es dificil seguir el guión y las escenas no sabes si es en el mismo momento, ya han pasado, van a pasar o son 5 minutos después, es un recurso bueno pero no si lo haces durante toda la película

El tranquilo y anodino señor Trelkovsky alquila un apartamento de una mujer que acaba de intentar suicidarse arrojándose por el balcón. Al poco tiempo la mujer muere y los propietarios del piso, que viven en el mismo bloque, deciden aceptar a Trelkovsky como inquilino. Las quejas del vecindario hacia él irán in crescendo en una vorágine impetuosa.

Roman Polanski se alejó de Estados Unidos y volvió a su amada París, antes de convertirse en un prófugo de la justicia como todos bien sabemos. Es aquí donde decide rodar la película que hoy nos atañe, y así finalizar lo que muchos llamaron la trilogía de los apartamentos o llamada por nosotros la trilogía de la psique.

Junto a "Repulsión" del año 65 y "La semilla del diablo" del año 68, Polanski termina una trilogía en la que ahonda con gran inteligencia en la lenta y paranoica destrucción de la mente de sus personajes.

Con un brillante inicio, tan brillante como desconcertante, el cineasta franco-polaco nos mete en la tesitura de que vamos a ver una película intrigante. De ritmo algo descompensado pero muy personal, el realizador nos envuelve a medida que desarrolla el personaje que él mismo dio vida.

Convierte París en un escenario onírico y macabro de donde pueden surgir los demonios internos más terroríficos del ser humano.

Basandose libremente en la novela de Roland Topor, logra una extraña mezcolanza entre terror y humor negro. Polanski demostró una vez más que es un genio creando climas de tensión y angustia.

Una película que fue repudiada en su estreno en el festival de Cannes de 1976 y que el tiempo ha puesto en su lugar, reivindicándose como una de las propuestas más personales, inquietantes y surrealistas de la larga trayectoria del director.

En una distópica sociedad mexicana florecen altercados a lo largo y ancho de la ciudad. Dichos tumultos afectan incluso a la boda de una familia adinerada que verá desfigurado su estilo de vida ante el advenimiento de un nuevo orden político y social.

Erigido por la crítica especializada europea, el director mexicano Michel Franco se ha convertido con unas pocas películas en el nuevo "enfant terrible" de los festivales de cine occidentales.

Con esta nueva propuesta, Franco, elabora un relato con el objetivo claro de impactar al espectador, para ello utiliza: una corta pero concisa duración del film, imágenes de gran dureza visual y un ritmo ágil y constante; muy en la línea de otros directores bien valorados en Europa como Gaspar Noé o Julia Ducournau.

En la película nos muestra una sociedad que degenera en un nuevo orden distópico en el que un gobierno tiránico utiliza el conflicto de clases ricos vs pobres para alzarse con un poder absoluto. Con el avanzar del film Franco consigue hacernos entender las dinámicas de poder a través de la traición y la corrupción sistemática de la clase dominante.

Como apunte negativo podríamos destacar que quizá este tipo de historia no funciona demasiado bien con el estilo que quiere plantear el director (película rápida e impactante) al necesitar una elaboración más profunda de las diferentes subtramas, quizás una serie corta hubiera funcionado mejor.

El mensaje de Franco es duro, directo y cruel, pero cuesta calar, sacude al espectador, pero no deja poso, falta reflexión sobre lo sucedido. Algunas situaciones son algo forzadas y el tercer acto es precipitado.

En la Eslovaquia ocupada por los nazis, Tono Brtko, un humilde carpintero, se ve “obligado” a colaborar con su cuñado en la tarea de arianizar la mercería de la vieja señora Lautmannová. El conflicto moral se cernirá sobre él con la llegada del pogromo.

Dos cineastas surgieron de la nueva ola del cine checoeslovaco durante la década de 1960: Ján Kadár y Elmar Klos. Trabajaron juntos en varias ocasiones, siendo esta su película de mayor notoriedad en sus carreras.

Los realizadores nos relatan una historia con gran contenido social. Una película de personajes de caracteres muy marcados y humanos: Un protagonista humilde e íntegro, una esposa superficial e interesada, una anciana tradicional y afable...

En la película apreciamos un tono que inicia con humor y que va evolucionando hacia lo trágico con el pasar de los minutos, una clara denuncia al nazismo y al holocausto.

Cabe destacar una banda sonora tétrica que se hace cada presente cada vez más a medida que avanza la historia. La desgarradora media hora final nos mete de lleno en la desesperación que sufrieron los judíos de ver como gente conocida de toda la vida se volvían en contra de ellos por interés o miedo (conflicto moral del protagonista)

Las curiosas escenas oníricas nos hablan de un mundo ideal donde uno y otra serían felices. Un mundo donde vivir en paz.

Como anotación final se echa de menos una mayor elaboración de las situaciones en la tienda o del grupo de judíos que se ayudan económicamente.