Desembarca en nuestro país, casi a la par que en Estados Unidos, la nueva serie de ABC. Con el Oscar al mejor guión adaptado del pasado año bajo el brazo por su trabajo en “12 Años de Esclavitud”, John Ridley se embarca en la creación de “American Crime”. Una nueva propuesta televisiva, dividida en 11 episodios que se suma al catálogo de productos de calidad de Movistar Series.

La premisa inicial de “American Crime” puede recordar demasiado a “Crash”, la oscarizada película de Paul Haggis, ya que pretende ofrecer un sobrio y crudo retrato de la sociedad norteamericana a través de un acontecimiento que servirá de detonante para que colisionen entre sí los distintos estractos sociales, raciales y económicos que conforman dicha sociedad en la localidad de Modesto, California. Aunque no sea del todo original y rompedora, a esta premisa se une el interés añadido de la trama policial, que irá desentrañando poco a poco los motivos y circunstancias del brutal crimen que origina la trama.

La primera entrega de la serie es una lección de lo que debe ser un buen capítulo piloto. Un ejercicio ejemplar a la hora de perfilar tanto trama como personajes, con la dificultad añadida que supone contar la historia a través de un reparto coral. En 43 minutos las numerosas piezas que conforman este mosaico social quedan perfectamente colocadas en el tablero, rematando con un cliffhanger que hace casi imposible no querer ver el siguiente episodio.

Dirigido de manera sobria, sin ningún tipo de alarde, salvo alguna pequeña filigrana de montaje y con una discreta banda sonora, la serie apuesta por el realismo y la crudeza, colocando la cámara para que “American Crime” hable, casi únicamente, a través de sus personajes. Entre ellos, destaca de manera especial esa madre coraje llena de prejuicios interpretada por Felicity Huffman. Gracias a un personaje potentísimo y arriesgado, a la fantástica actriz le hacen falta apenas dos escenas para asegurar su presencia en los próximos Emmy en la categoria de drama. El éxito de “American Crime” también podría certificar el regreso a la primera linea de Timothy Hutton trás una carrera llena de altibajos, dentro de un reparto que mezcla veteranía y caras jóvenes, en el que podemos disfrutar también de la siempre estupenda Penelope Ann Miller.

Un retrato social dramáticamente muy potente y un crimen en el que no todo es lo que parece se convierten en elementos de interés más que suficiente para arrastrarte a seguir viendo más y desde aquí lo haremos cada semana.

Puedes seguir cada semana la review de los siguientes episodios en http://losreyesdelmando.com/

“The Skeleton Twins” es una de esas producciones norteamericanas independientes orgullosas de serlo. Todo en ella lleva la etiqueta “Indie”, desde la composición de planos al vestuario pasando por la banda sonora o la fotografía.

Disfrazada de película pequeñita, su guión premiado en el último festival de Sundance contiene muchísimo más de lo que pudiera parecer a primera vista. El arranque del film, tan cómico como devastador es toda una declaración de intenciones del tono en el que se nos va a relatar la relación entre esta autodestructiva pareja de hermanos.

Para ello Craig Johnson utiliza una dirección sobria y una fotografía melancólica de tonos apagados, dejando que la magia surja de los diálogos y de sus dos magníficos protagonistas. Bill Hader y Kristen Wiig, esas dos bestias pardas de la comedia que compartieron muchos años en el plató de “Saturday Night Live” demuestran que la química entre ellos continúa intacta y que pueden moverse con la misma facilidad en terrenos más dramáticos. El nivel interpretativo se mantiene en los roles secundarios que interpretan Ty Burrell y Luke Wilson, al que le toca el papel quizá menos agradecido de la película.

El encanto y el talento natural de Wiig luce mejor que nunca y basta una mirada a sus enormes ojos azules para decirlo absolutamente todo. Tierna, dulce, indefensa, amargada… Una interpretación plagada de matices. Por su parte Hader, fantástico histrión y heredero natural de Jim Carrey, hace un enorme ejercicio de contención, incluso en las dos escenas donde más cancha tiene para poder desmelenarse, componiendo un personaje con ciertas similitudes al de Steve Carell en “Pequeña Miss Sunshine”.

Ambos representan dos tipos muy distintos de tristeza y falta de ganas de vivir. Milo es un fracasado de manual, solo, perdido, sin amor, sin trabajo y con un pasado traumático realmente duro, mientras que su hermana Maggie, que ha conquistado todas esas metas vitales (casada con el hombre ideal y asentada economica y laboralmente), es un ser humano invadido por la amargura y la insatisfacción.

Dos soberbias interpretaciones de dos personajes casi predestinados a un final trágico, que crecen exponencialmente cuando interactúan gracias a los diálogos de un guión efectivo, sencillo pero nada simple. “The Skeleton Twins” no es un drama ni una comedia y a la vez es las dos cosas juntas. Sencilla, Dura, tierna, complicada, amarga, esperanzadora… como la vida.

http://losreyesdelmando.com/2014/12/19/critica-the-skeleton-twins/

Ante la quinta entrega de una saga de películas, la primera pregunta suele ser ¿Hay algo nuevo?. Posteriormente a su visionado, la tendencia lógica es juzgar por comparación con el resto de entregas y situarla en el ranking personal de la saga que tenga cada uno.

Observando superficialmente la película en si, es dificil encontrar algo novedoso en “Torrente 5″. Todos, absolutamente todos los ingredientes de las anteriores entregas están presentes. La sutíl diferencia es la cantidad de esos ingredientes y la forma de administrarlos. Aquí es donde entramos de lleno en la comparación con las anteriores películas, sobre todo las dos inmediatamente anteriores. Trás la fresca novedad de “Torrente: El Brazo Tonto de la Ley” y la digna secuela “Misión en Marbella” veníamos de “Torrente 3: El Protector” y “Torrente 4: Lethal Crisis” que bajaron bastante el nivel, con lo que esta quinta parte podía recibirse con ciertas precauciones.


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Crítica: “Torrente 5: Operación Eurovegas”
Publicado el 30 septiembre, 2014 por Oscar De La Cruz

“Segura’s Amiguetes” por Oscar De La Cruz

Ante la quinta entrega de una saga de películas, la primera pregunta suele ser ¿Hay algo nuevo?. Posteriormente a su visionado, la tendencia lógica es juzgar por comparación con el resto de entregas y situarla en el ranking personal de la saga que tenga cada uno.

Observando superficialmente la película en si, es dificil encontrar algo novedoso en “Torrente 5″. Todos, absolutamente todos los ingredientes de las anteriores entregas están presentes. La sutíl diferencia es la cantidad de esos ingredientes y la forma de administrarlos. Aquí es donde entramos de lleno en la comparación con las anteriores películas, sobre todo las dos inmediatamente anteriores. Trás la fresca novedad de “Torrente: El Brazo Tonto de la Ley” y la digna secuela “Misión en Marbella” veníamos de “Torrente 3: El Protector” y “Torrente 4: Lethal Crisis” que bajaron bastante el nivel, con lo que esta quinta parte podía recibirse con ciertas precauciones.

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Si en algo están de acuerdo tanto los admiradores como los detractores de la saga es que Santiago Segura es un tipo muy inteligente y lo demuestra puliendo errores en esta “Operación Eurovegas”. Como digo, no esperéis elementos novedosos, unicamente varían las dosis. Los pedos y eructos están, esta el Fary, está el atleti, pero Segura lo despacha en los diez primeros de metraje, casi por obligación, como tachando elementos de una lista de cosas que está obligado a hacer. En estos diez minutos la sensación era que seguía la tendencia de la tercera y la cuarta. Pero por suerte solo es un espejismo porque transcurrido ese prólogo llega lo que las dos anteriores pelis no tenían: LA TRAMA.

La decisión de hacer una peli de robos le da la vida totalmente. Veníamos de dos secuelas que eran una sucesión de sketches con sobredosis de cameos en un hilillo de trama que no se sostenía y ese era un error gordo que aquí se ha subsanado. El otro gran acierto es la ocurrencia de situar la historia en la distópica (esperemos) España del año 2018 que consigue que el lienzo para exagerar, distorsionar y parodiar la actualidad del país sea ilimitado, resultando ser la entrega más pesimista de toda la saga y constatando que la esencia del personaje encaja perfectamente en cualquier época o situación por la que pase nuestra piel de toro.

La planificación del robo es el verdadero pistoletazo de salida a ese pequeño cambio en la disposición de los elementos que mencionaba. La cantidad de cameos ha bajado considerablemente y están mejor integrados. Solamente uno me ha parecido de vergüenza ajena y sin embargo, uno de los más graciosos y mejor interpretados lo protagoniza un personaje del que nunca lo esperaríamos. El humor físico funciona mejor que en las anteriores entregas y los chistes son de todo tipo: los hay facilones, muy bestias y también los hay particularmente agudos, como todos los relacionados con el mundo del futbol y la versión 5.0 del gag de las pajillas es totalmente delirante.

Segura, por muy delgado que aparezca, tiene más que asimilado el personaje y le sale de manera natural pero el resto del apartado actoral es peliagudo de analizar porque muchos de la cuadrilla de ladrones no son actores. Ni falta que hace, con ver la cara de Cañita Brava ya te ríes (aunque suene a coña, es el personaje que más ha evolucionado en la saga), con Flo te ríes, Bigotes y Dientes no aportan mucho, salvo un fisico que parece sacado de una viñeta de Ibañez, Angy y Anna Simón cumplen, incluso Jesulín no desentona. Paradójicamente el peor parado quizá sea Julián López, un actor con una vís cómica brutal, capaz de robarse enterita la película “No Controles” y que aquí se nota algo desaprovechado. Además le toca soportar la carga del recuerdo de otro intérprete en el mismo personaje. Carlos Areces si aprovecha para comerse la película en cada intervención. Los “Chanantes” son un soplo de aire fresco en la comedia de este país y el cine está sabiendo aprovecharlo. Tampoco puede faltar en “Torrente” sus recurrentes auto-guiños que en esta ocasión están personificados en el regreso de Amparito, una genial y explosiva Neus Asensi.

A todo ello hay que sumar la presencia de Alec Baldwin, del que me esperaba solo eso, su presencia. Nada más lejos. Su papel es constante a lo largo del metraje y el actor hollywoodiense se implica totalmente e incluso se esfuerza por chapurrear el castellano de manera decente en la mayoría de sus lineas de diálogo.

El resto de la crítica en http://losreyesdelmando.com/2014/09/30/critica-torrente-5-operacion-eurovegas/

“Si algo funciona, no lo toques”. Esta premisa puede aplicarse perfectamente a la segunda entrega del mayor acontecimiento en la historia del género de superhéroes. Difícil el analizar como película un proyecto de entretenimiento de esta envergadura, que para colmo forma parte de un todo aún más enorme.

Joss Whedon, gran artífice de la fórmula original, dedica de nuevo todo su esfuerzo a la titánica labor de repartir equitativamente el protagonismo y la aportación de todos y cada uno de los personajes para que ninguno quede relegado a mero accesorio, con la dificultad añadida de integrar a los nuevos elementos del ya extenso elenco. Y vuelve a conseguirlo de manera inteligente, centrándose en otorgar a Quicksilver y la Bruja Escarlata el transfondo suficiente para desarrollarlos y homenajear en cierta manera a los personajes menos agradecidos de la primera entrega. Ojo de Halcón y la Viuda Negra, siempre ensombrecidos por la grandeza del resto de héroes, son los dos únicos personajes de los que Whedon muestra una auténtica evolución en esta secuela, sabedor de que el resto están sobradamente presentados y la mayoría de ellos tienen y continuarán teniendo films protagonizados en solitario.

Convertido en el icono principal de Marvel gracias al fantástico Robert Downey Jr., Iron Man sigue siendo el pilar central de la trama, causa y solución de los conflictos. Continúa siendo la pieza más inestable dentro del grupo y se mantiene su tensa relación con el Capitán América, germen de la futura trama de “Civil War”. Culpa de Stark es la aparición en escena de Ultrón, el nuevo villano. Aunque su presencia es más imponente y amenazante que la de Loki en la primera entrega, viene a cumplir el mismo papel exacto que el dios asgardiano. Las mismas motivaciones para destruir el planeta, poder tecnológico en lugar de mágico y un numerosísimo ejército de androides que sustituyen a los Chitauri. Incluso es presentado en una versión mucho más humanizada que la de los comics, que añaden grandes dosis de ironía a su caracter e incluso pinceladas de humor que dotan de más amplitud a la fantástica actuación vocal de James Spader.

En cuanto a la historia, exáctamente la misma estructura que tan bien funcionó en la primera. Nueva amenaza contra la Tierra, Hulk otra vez descontrolado como excusa para regalarnos a los fans el mítico enfrentamiento entre el gigante esmeralda y Iron Man en la alucinante armadura Hulkbuster y derrota del grupo que les hace comprender de nuevo que la única esperanza para salvar la tierra es luchar unidos en la batalla final. Todo ello aderezado con las acertadísimas notas de comedia, protagonizadas aquí en su mayoría por Thor, su momento dramático y las escenas de acción más impresionantes jamás vistas.

A excepción de Matthew Vaughn, probablemente no haya nadie en este momento capaz de igualar a Joss Whedon a la hora de filmar acción. “Vengadores: La Era de Ultrón” solo puede calificarse de auténtica exhibición en este aspecto. Yo que aborrezco las escenas rápidas en las que ni te enteras de lo que pasa y únicamente aturden, agradezco enormemente la habilidad sobrenatural de Whedon para mover la cámara sin que nos perdamos detalle de la acción por más frenética que sea. El mejor ejemplo, el brutal plano secuencia pasando de un héroe a otro con el que abre la película que deja el de la escena final de la primera entrega en pura anécdota. Whedon ha dejado sin duda un enorme legado en este aspecto y en el mimo extremo con el que ha tratado a estos personajes. Su último regalo es La Visión. Decisivo, realmente imponente y mucho mejor presentado y desarrollado de lo que nos podíamos imaginar a priori. Los hermanos Russo tienen una auténtica prueba de fuego por delante para mantener el extraordinario nivel en la futura tercera entrega.

Un 3D correcto que luce en los detalles como la interfaz dentro del casco de Iron Man y convierte en una delicia los paseos por la torre de los Vengadores, numerosas sorpresas en forma de cameos de buena parte del universo Marvel, la introducción de pequeños detalles y guiños que cobrarán importancia en el futuro como el escenario de Wakanda y una escena post-créditos (más bien inter-créditos) menos sorprendente de lo habitual, pero que nos prepara para lo que se avecina en la tercera parte, completan una magnífica experiencia, seas o no fan de los comics.

“Vengadores: La Era de Ultrón” es la entrada para un auténtico parque de atracciones y no conviene analizar minuciosamente una atracción, simplemente hay que dejarse llevar y disfrutarla. Puede que el impacto de la primera experiencia sea inigualable, pero el segundo viaje es igual de divertido.

http://losreyesdelmando.com/2015/04/22/critica-vengadores-la-era-de-ultron/

“Frank” es sin duda un film hijo de su tiempo en casi todos los aspectos. Empezando por su distribución en nuestro país, únicamente a traves de Video on Demand en la plataforma peliculasdecineonline.com por solo 2,99 euros, y siguiendo por su planteamiento y temática, la película dirigida por Lenny Abrahamson puede parecer a priori un producto destinado a ser objeto de culto para la comunidad hipster, pero es bastante más que eso. El gancho comercial de una estrella en apogeo como Michael Fassbender interpretando bajo un cabezón postizo durante casi la totalidad del metraje es la gran baza de la película para acercar al público esta joya disfrazada de películita pequeña sin pretensiones, pero con múltiples lecturas y detalles bajo sus capas.

Es muy estimulante asistir a la tendencia actual, bastante habitual, de ver a superestrellas de Hollywood alternar grandes producciones supertaquilleras con proyectos más arriegados en el aspecto interpretativo. Además en muchos casos como este que nos ocupa, dichos desafíos son superados con nota e incluso se recordarán como los mejores trabajos de sus carreras. Este papel de Fassbender es un caso muy parecido a la decisión de Tom Hardy de protagonizar una película experimental como “Locke” o el de Scarlett Johansson desprendiendose de su físico como herramienta e interpretando solamente con su voz en “Her”.

Aunque Fassbender como el misterioso y carismático Frank es lo más atractivo de la película, el protagonista es Jon, interpretado por Domhnall Gleeson, un joven con tanta pasión por crear música como falta de talento para ello, que acaba conociendo de manera surrealista a un disfuncional grupo musical de nombre impronunciable, acompañándolos en su peculiar proceso de creación de su nuevo disco. El personaje de Gleeson es el encargado de conducir al espectador mientras va descubriendo a Frank y su banda y el actor está estupendo como único elemento cuerdo de la tropa de músicos, al igual que Maggie Gyllenhaal y Scoot McNairy. Todas las interpretaciones están ajustadísimas a un guión que combina drama y comedia a partes iguales, consiguiendo un resultado global imprevisible, muy divertido,con mucho humor pero a la vez impregnado de un fuerte tono melancólico.

La relación entre Jon y Frank forma el tronco argumental de la cinta. El poder de atracción del lider y gurú del grupo y su extrema sensibilidad (maravillosa la escena con la mujer de la pareja que aparece para ocupar la casa) hace que el joven protagonista, en su ansia por impregnarse de esa genialidad, se acabe convirtiendo en el elemento desestabilizante del grupo y el propio Frank.

“Frank” propone muchos temas como la locura o la percepción alterada de la realidad como ingrediente indispensable para el talento y genialidad creativa, la contaminación de la pureza artística por las ansias de notoriedad y reconocimiento o la actual forma de medir dicho reconocimiento a base de clicks y visitas en youtube y en redes sociales. Todo ello contado con bastante ritmo, salvo quizá en la parte de la estancia en la casa de campo donde hay un pequeño bajón, pero plagado de escenas divertidas con humor negro y surrealista como la del entierro vikingo, la del desierto o la grabación del disco y una muy buena parte final.

Al detalle de utilizar los tweets del protagonista en pantalla para ayudar sutílmente a la narración (solo con ir viendo crecer la cifra de seguidores de Jon somos conscientes de la notoriedad que va alcanzando el grupo), se añade otro elemento indispensable de la película que, como no podía ser de otra manera, es la música. Compuesta por Stephen Rennicks e interpretada por los actores protagonistas, comparte el tono surrealista del resto del film y es utilizado de manera magistral para contar la película. Es ridícula y delirante en su melodía y en sus letras cuando la intención es parodiar a los músicos experimentales, es dulce y poética en las escenas entre Frank y John y alcanza su apogeo en la interpretación final del emocionante tema “I Love You All” donde consigue que nos encariñemos definitivamente con unos personajes tan extraños como entrañables.

No es una película que gane festivales o premios ni que arrase en taquilla pero es más que recomendable. Una pequeña joyita muy disfrutable.

http://losreyesdelmando.com/2014/09/27/critica-frank/#more-1616