Es difícil dar una pequeña impresión de esta película y no meter la pata con algún spoiler. No obstante, no hay que preocuparse porque no lo haré. Un thriller donde los primeros 40 minutos cuesta trabajo introducirte en ella, quizás porque parece muy predecible todo, muchos clichés, y la trama resulta algo lenta. Sin embargo, a partir del segundo tercio la trama empieza a coger fuerza e intensidad.

Tu Hijo no es una película con mucha acción, aunque veremos algunas escenas violentas propias de un thriller o del cine negro, sino que toda la tensión del metraje está prácticamente dentro de la cabeza de Jaime, el personaje interpretado magistralmente por José Coronado. El actor ocupa la mayoría de los planos, está narrada en primera persona para que el espectador se desplace a través de Jaime. De esta forma podamos sentir, sufrir, e imaginarnos el estado mental del personaje.

“Que no haría un padre por un hijo”, comenta José Coronado en la rueda de prensa de la primera jornada Seminci 2018. De alguna manera, el espectador se pone en la piel de Jaime para justificar sus actos. Aunque la cámara sigue constantemente a José Coronado, y parece tener este todo el protagonismo, las verdaderas protagonistas en Tu Hijo son las mujeres, según comenta el director Miguel Ángel Vivas.

Los personajes femeninos tienen que decir mucho a lo largo de Tu Hijo, a pesar de que la cámara pase de puntillas sobre ellas. La mujer parece olvidada en la trama, al igual que ocurre muchas otras veces en la sociedad actual. De hecho, en la mayoría de las ocasiones, “los padres no tratan igual a un hijo que a una hija”, comenta la joven actriz Asia Ortega en rueda de prensa.

Al final de la película nos damos cuenta que quizás no estamos siguiendo al personaje adecuado, es decir, posiblemente nos desviemos de la persona que realmente tiene algo que contar. Tu Hijo es un reflejo de la sociedad en la que vivimos, la gran brecha generacional existente entre padres e hijos, la incomunicación. Un drama con tintes de thriller donde la ciudad de Sevilla es un personaje más de la trama.

Gran actuación de José Coronado. Un actor en estado de gracia, que hace grande cualquier película en la que intervenga, tan solo con su presencia. Admirable su gran capacidad de comunicar y de expresar tanto sin decir nada, tan solo con una simple mirada. En Tu Hijo aparecen constantes primeros planos del rostro de José Coronado, muchos de ellos, son silencios de dolor, angustia, desesperación e impotencia.

https://cinemagavia.es/primera-jornada-seminci-2018/

Destinos dirigida por Stephan Komandarev (“El Juicio“, “El mundo es grande y la felicidad está a la vuelta de la esquina“) es la primera película búlgara en llegar a la lista final de candidatas a los Oscar de la Academia de Hollywood como Mejor Película de Lengua Extranjera, además de estar seleccionada por el Festival de Cine de Cannes para competir en la sección “Un Rertain Regard” y obtener el premio al Mejor Guion en la Sección Oficial del Festival internacional de Cine de Gijón. Destinos nos ofrece un análisis social de la realidad de Bulgaria a través de diferentes historias entrelazadas que suceden en torno a cinco taxistas y sus pasajeros en una fría noche.

Antes de la aparición del título de la película se presenta Misho (Vassil Vassilev), un individuo que se enfrenta a un agente de ejecución (Ivan Barnev) que tiene la intención de embargar sus bienes. Misho está endeudado, es un pequeño empresario que además trabaja como taxista para llegar a final de mes y pagar sus deudas, y espera reunirse con Popov (Georgi Kadurin), un banquero que supuestamente le concederá un préstamo mediante un soborno. Sin embargo, la cita no es como esperaba y el banquero exige el doble de la cantidad solicitada inicialmente, algo que provoca la desesperación y la ira de Misho. Como resultado, toma un arma de la guantera de su coche, dispara contra el banquero corrupto y luego intenta suicidarse.

Este prologo de unos quince minutos aproximadamente será el punto de partida de Destinos. Esa misma noche, la tragedia se convierte en un símbolo de desesperación de la sociedad civil y provoca un debate nacional en todas las emisoras de radio. En concreto, es el tema central de los comentarios que realizan los oyentes en sus llamadas a la emisora de radio escuchada por los taxistas. El suceso será un pretexto para que los oyentes opinen y critiquen la situación del país envuelto en una fuerte crisis financiera y con un extenso índice de corrupción enquistado en la sociedad búlgara.

Destinos hace una descripción de la sociedad, la economía, la política y la cultura búlgara a partir de la relación entre cinco taxistas y sus pasajeros, cinco historias cortas entrelazadas e interconectadas en una fría noche en la ciudad búlgara de Sofía. Un viaje a la oscuridad de la ciudad donde Stephan Komandarev da vida a una muestra representativa de la sociedad búlgara más sombría, entre sobornos, chantajes, dobles caras y atrocidades de todo tipo. Destinos realiza un retrato de un país preso de sus contradicciones y paradojas, con ganas de liberarse de un pasado comunista muchas veces traumático, pero sin una dirección, ni una identidad concreta para desarrollar un futuro próspero.

Se nos presenta un país sumido en una profunda crisis donde es habitual encontrarse con empresarios, profesores, músicos, e incluso sacerdotes realizar otra actividad paralela, como conducir un taxi, para conseguir un ingreso complementario que les permita sobrevivir, pagar facturas y llegar a fin de mes. Destinos es una película oscura sobre una austera Bulgaria donde la corrupción carcome a la policía, a la justicia, al Estado y deja a la población civil indefensa y desprotegida. Un país donde la población más que vivir sobrevive, más cuando no intenta simplemente huir y emigrar para tener un futuro mejor.

Stephan Komandarev va más allá de lo social y lo político para hablar de la hipocresía, los sueños rotos y la pérdida de toda una generación. Sin embargo, en este contexto de precariedad existencial generalizada, el director ofrece un soplo de esperanza a través de uno de sus personajes, un pasajero cirujano a punto de emigrar, durante el trayecto al hospital donde realizará su última intervención. El médico manifiesta al taxista que solo los optimistas permanecen en Bulgaria porque los pesimistas y mas realistas ya han abandonado el país.

Destinos es un Retrato mordaz y muy humano de una sociedad en declive, filmado con la cámara la mayor parte del tiempo en el interior de los taxis, narrada de forma casi documental empleando la menor cantidad de tomas posibles, e inclusive algunos episodios en una sola toma. La película se hace muy entretenida porque pasa muy rápida, y en este ambiente turbio y opaco, Stephan Komandarev introduce de informa ingeniosa y sutil algunos momentos cómicos y tiernos.

https://cinemagavia.es/destinos-posoki-pelicula-critica-2/

Después de ver un documental sobre patinaje artístico, el guionista Steven Rogers repentinamente se acordó de esa página negra de la historia deportiva estadounidense. Decidió profundizar en la vida de Tonya Harding. Entabló conversación con la propia Harding y con su ex marido Jeff Gillooly, a quienes se les ocurrieron historias contradictorias. Craig Gillespie decide que ambas historias compartan escenario y así, de esta forma, reconocer que no hay una manera real de llegar a la verdad de lo ocurrido y permite al público extraer sus propias conclusiones.

De esta manera comienza Yo, Tonya: “Basado en entrevistas absolutamente ciertas, totalmente contradictorias y sin ninguna ironía con Tonya Harding y Jeff Gillooly”. Desde un principio apreciamos que se trata de una película biográfica fuera de los esquemas y de la lógica narrativa clásica, en perpetuo equilibrio entre el falso documental, comedia de humor negro y la reconstrucción de una vida vivida en constante lucha contra todo y todos.

Craig Gillespie (“Lars y una Chica de Verdad”, 2007) escoge el camino de la variación continua de tonos y registros, la múltiple exposición de puntos de vista, con personajes que proporcionan versiones diferentes y contradictorias sobre los hechos. Elige un estilo poco convencional de manera que la película parece un “falso documental”, en el que los personajes más importantes, fundamentalmente, Tonya, Jeff y LaVona, intentan arrojar luz sobre todo lo ocurrido a través de una serie de entrevistas.

Además, durante el transcurso de la cinta, “la cuarta pared” se rompe regularmente y los personajes hablan directamente con el espectador. Ocasionalmente, Gillespie usa una pantalla dividida para enfatizar cuán delgada es la linea de los hechos y argumentos de unos y otros.

Hay mucho humor con tintes negros en toda la película, pero sin alejarse de la delicada y grave de situación planteada. La violencia doméstica, tanto física entre Jeff y Tonya como psicológica por parte de LaVona, mostrada de manera continua, es un asunto muy serio y de poca gracia. El abuso insinuado en la cinta, coincide con las declaraciones oficiales de Tonya Harding en varias entrevistas. Además de esa violencia, los celos, la lucha y las diferencias de clase son temas recurrentes que se abordan hábilmente y, por lo tanto, también llegan al espectador.

Para el director, la relación de Tonya con su madre, explica en parte el motivo de haberse casado con un hombre que la golpeaba y abusaba emocionalmente de ella. Como declara la propia Tonya, la violencia había sido tan habitual en su vida, que de alguna manera, era concebida como algo normal en su matrimonio. Una relación familiar rota y una vida conyugal turbulenta se dibuja aquí, que teóricamente hubiera dado suficiente material para un drama muy serio, pero Gillespie consigue de forma audaz suavizar y hacer llevadero el tema con un fino humor negro

La actriz australiana Margot Robbie desempeña una impresionante actuación y saca el máximo partido, en todas las facetas, a un personaje controvertido y complejo. Se implicó muy apasionadamente en este proyecto, no solo a través de sus esfuerzos interpretativos, sino también es una de las productoras de la película. Margot Robbie sufre una gran transformación para interpretar a Harding. Se adorna de rizos de principios de los 90 y realiza un sensacional esfuerzo con el acento y los gestos de la clase trabajadora del noroeste del Pacífico.

Aunque Robbie tomó muchas lecciones para las escenas sobre el hielo, hay que destacar el magnífico uso de trucos informáticos (CGI), los dobles, el sensacional movimiento de cámara que captura la acción con precisión sin cortes. Todo ello consigue la ilusión perfecta para que veamos a Robbie realizando pequeños milagros en la pista de hielo.

No menos importante es el rendimiento de Allison Janney, que dibuja a la perfección la imagen diabólica de una mujer aparentemente desprovista de cualquier sentimiento hacia su hija, que ha crecido con el sonido de bofetadas, opresiones y humillaciones. Allison Janney es tan buena en su papel de mujer fría y sin emociones que conseguirá que la odiemos al finalizar la película. Además, aprovecha al máximo su increíble tic cómico para llevar a LaVona al borde mismo de la caricatura: su metraje de la entrevista incluso se hace con un periquito en el hombro.

Yo, Tonya es una amarga sátira en la que nunca, como espectador, sabes dónde está la verdad para establecerse. En cortas secuencias de entrevistas, los personajes más diversos casi siempre se contradicen, por supuesto, la historia de Tonya, en teoría, es la que debe ser considerada como la única verdad. Es una crítica a la sociedad americana por su percepción convencional de como debe ser el cuerpo femenino, y a los medios de comunicación estadounidenses que se cebaron con Harding, especialmente después del “incidente” clave de la trama, cuando la llamaron “basura blanca”. Tonya en ese momento tenía 23 años.

Craig Gillespie logra encontrar dentro de ese mundo cruel, repleto de violencia, vivido por Tonya Harding, algo de humor para suavizar y hacer más llevadero el relato. El director esquiva las acusaciones de tolerar el abuso al dejar muy claro desde el comienzo de la película que se trata de una declaración unilateral, es decir, la versión de Tonya. A partir de aquí, nuestra heroína luchará contra el esnobismo y el clasismo, una madre destructiva, un padre ausente y un marido potencialmente violento y abusivo, para lograr habilidades en el hielo que ninguna otra mujer estadounidense lo había conseguido antes.

https://cinemagavia.es/yo-tonya-pelicula-critica/

Los Demonios es el primer largometraje dirigido por Philippe Lesage, tras haber realizado anteriormente cuatro documentales. En el año 2015 fue seleccionada para la Sección Oficial del Festival de San Sebastian y obtuvo ese mismo año el Premio a la Mejor Película en el Festival de Budapest y el de la Crítica de Montreal. La película esta basada en hechos reales de la propia vida del director durante su infancia. Se estrena el 5 de Mayo en las salas españolas.

En la primera parte de Los Demonios, la cámara de Philippe Lesage se desliza examinando cuidadosamente las rutinas diarias de los niños como si se tratara de un mundo aparentemente corriente, aunque algo incierto para la mirada de Félix, un niño de diez años. Observamos sus actividades escolares, las tardes de piscina, los primeros desamores, y el acoso escolar sufrido por los alumnos más débiles. El origen de la ansiedad de Félix puede estar promovida por varios motivos: Por ser testigo de una terrible disputa entre sus padres, porque es elegido de los últimos para formar parte de un equipo en una clase de educación física, por el encierro de un niño más joven en la taquilla del vestuario o por las infructuosas cartas de amor a su profesora de gimnasia.

Una complicada edad en donde los miedos, las inseguridades y la sexualidad emergente provoca muchas angustias y demonios. Félix es consciente del interés suscitado por la “demoníaca” madre de un amigo hacia su intranquilo padre, lo que aviva más sus preocupaciones ante un posible divorcio de sus padres, además, el “demonio” del Sida le persigue a la salida del colegio después de ser tratado este tema en clase, debido a unos confusos y crueles experimentos con otro amigo suyo. Ademas, hay noticias de misteriosas desapariciones de niños y se rumorea que un asesino anda suelto por la zona. Una sensación de vulnerabilidad y desprotección provocada por fuerzas invisibles se apodera de Félix. Algunos demonios son reales, en cambio, otros se imaginan, de tal manera que en la película se traza una delgada linea entre la nostalgia de la infancia y la amenaza.

El ritmo de la película resultará excesivamente lento para muchos espectadores, sin embargo, a Philippe Lesage le sirve para captar con suma precisión y detenimiento el mundo visto desde la perspectiva de los niños como si casi de un documental se tratara. Descripción de pequeños detalles y situaciones esenciales para la narración de Los Demonios, a los que normalmente no se les suele prestar mucha atención y se pasan por alto en la mayoría de las películas donde se trata el tema de la infancia, y que aquí serán vitales para el dramático desenlace de la segunda parte.

Los Demonios juega con la incertidumbre y la incomprensión de las cosas que suceden, ya que el espectador tan solo puede ver hasta el límite marcado por la perspectiva y la imaginación de Félix. La larga y confusa primera parte que enervará y eclipsará a más de un espectador, en cambio, servirá para que el clímax sea mucho más eficaz en el posterior giro dramático, cercano al Thriller, de la parte final.

Cinemagavia

El Principito es la historia de una niña (voz de Mackenzie Foy), cuya exigente madre (voz de Rachel McAdams) prepara para vivir en el mundo de los adultos, motivo por el que desea conseguir que su hija entre en la reputada Academia Werth. Para ello, la madre idea un minucioso “plan de vida” para la pequeña que consiste en mudarse a una casa situada en un vecindario cercano a la Academia y elaborar un estricto y organizado programa de estudio durante las vacaciones escolares estivales donde no se deja nada al azar. Debido a la curiosidad de la niña, conoce a su excéntrico vecino (voz de Jeff Bridges), un bondadoso y rebelde anciano aviador que alterará los planes trazados por la madre porque mostrará a la niña, ayudado por unas hojas con dibujos y escritos suyos, un extraordinario mundo donde todo es posible.

Se trata de un mágico mundo que el propio aviador conoció hace mucho tiempo, a través del Principito, en un accidente aéreo en el desierto del Sáhara. La pequeña a través de su imaginación entrará en el universo del Principito para descubrir las rarezas de los adultos, redescubrir la importancia de su infancia y darse cuenta de la transcendencia del contacto humano y el amor en los planes de vida. Lo verdaderamente importante en la vida nunca desaparece y solo se ve con el corazón: “Lo esencial es invisible a los ojos”. El olvido es uno de los mayores riesgos que existen cuando comienza el camino a la edad adulta, se olvida lo maravilloso que era un sueño en medio de una puesta de sol, una flor en medio de un jardín, una rosa en medio de un pequeño planeta, una risa en medio del desierto, una reluciente estrella por la noche. Eso es lo que descubre la niña en su regreso a su propia infancia.

Para los aficionados a las curiosidades, la Academia Werth en la película lleva el nombre del escritor León Werth, a quien está dedicado el libro Principito (“Para Léon Werth, cuando era un niño pequeño”) y la placa de la matrícula del destartalado coche del aviador es STEX43, claramente una referencia al autor del libro: Antoine de Saint-Exupéry (de STEX), y el 43, el año en que el libro fue publicado por primera vez (1943). Oliver d’Agay, director de la Sucesión Antoine Saint-Exupéry, que gestiona todos los derechos de la obra del escritor y aviador francés, escribió en un mail a Los Ángeles Times en enero de 2016 que la película es un fiel reflejo del libro, “mostrando que la magia y el poder del libro sigue funcionando hoy en día” debido a que las dos historias están perfectamente ensambladas.

Aunque esta maravillosa película sea una historia sobre niños, pienso que el destino principal son los adultos con la intención de volver a despertar en ellos los recuerdos de su infancia y lo que significaba. Muchas de las ideas y conceptos que se desarrollan a lo largo de la cinta resultan demasiado complejos para ser asimilados en su totalidad por los espectadores mas jóvenes aunque, como soy una “rara” especie adulta, puede que subestime inconcientemente la capacidad comprensora de los niños.

Mark Osborne saca el máximo partido a la narración gracias a la libertad creativa que le da la prodigiosa combinación en el film de dos técnicas de animación distintas. Con el fin de diferenciar los dos relatos que se complementan en la película como si fueran una historia enmarcada dentro de otra historia, utiliza la animación generada por ordenador (CGI) para describir el presente, la vida y aventuras de la pequeña princesa y el anciano, mientras que la historia de El Principito es contada a través de animación stop-motion, creada enteramente en papel, un tributo de Osborne para respetar el trazado original de los dibujos de las páginas del libro de Saint-Exupéry. Hay que destacar que la fábula del principito se relata en la película como un recuerdo, no como una ficción. Esto es crucial para los propósitos narrativos de la película basados en el fresco recuerdo del anciano rememorado de forma intensa como lo haría cualquier niño.

CINEMAGAVIA