La más reciente película del director polaco Pawel Pawlikowsli, la primera que dirige en su propio país, llega precedida una muy merecida fama a propósito de la cantidad de reconocimientos y nominaciones que ha acumulado los últimos meses.

Con una exquisita fotografía en blanco y negro y formato cuadrado en 4:3, cuenta una historia ambientada en los años 60 en la recién renacida Polonia, aún sacudida por las secuelas de la II Guerra Mundial; Ida se asemeja a cierto cine europeo de esa época, con reminiscencias a Wajda, Bresson o Bergman, aunque su temática religiosa recuerde más a Dreyer.

La protagonista de la historia es Anna (la enigmática Agata Trzebuchowska), una chica a punto de ordenarse como religiosa en un convento católico; la madre superiora le sugiere salir a conocer a su único pariente vivo, su tía Wanda (una extraordinaria Agata Kulesza), una mujer dura, solitaria, que fue jueza y condenó a varias personas a la muerte y que hoy vive entre el alcohol, el humo de sus cigarrillos y encuentros casuales con diversos hombres.

La primera salida al exterior de Anna no podría ser más caótica, el choque de personalidades es inevitable, además la tía le comenta sobre sus orígenes; ella en realidad se llama Ida y es judía, y que sus padres murieron en la guerra.

La película se torna en una road movie en donde ambas mujeres coincidirán en la búsqueda de un pasado que afinque su atribulado presente, confrontando siempre dilemas morales mientras se escarba en un pasado doloroso con heridas que no han terminado de sanar.

Quizás los puntos en contra de ‘Ida’ sea su preciosismo poco disímulado, y un guión que alude a un cálculo muy propio de películas del circuito de festivales, sin embargo Pawlikowsli sabe sortearlos a tiempo con una puesta en escena precisa y poderosa, con planos que respiran cine tanto en su muy particular encuadre así como en su duración.

Una película viva que en sus sutilezas sorprende y atrapa, vibrante relato de búsquedas que se merece toda la atención más allá de los premios que vaya acumulando.

Con pocos recursos y poco tiempo para el rodaje, Katina Medina Mora hace una película pequeña sobre lo complicado que pueden ser las relaciones amorosas, sobre todo cuando ya no da para más pero ninguno de los dos se decide a terminarla.

Al estilo de las mejores comedias románticas, con un aire que recuerda películas como 500 Days of Summer, LuTo arranca de la mejor manera, yendo y volviendo en el tiempo mostrando una relación a punto del colapso intercalando con las primeras citas.

Luisa y Tomás son los que integran esa desgastada relación, en el marco de una celebración de cumpleaños, los celos de Tomás solo ayudaran a que todo vaya a peor, incluyendo la película misma.

Y es que a pesar de su corta duración, un poco más de una hora, más de la mitad de la película se centra en el momento ya desgastado de la relación, eternas discusiones, momentos de incómodos silencios e idas y vueltas de histeriqueo que permea hasta el relato, tornándolo cansino, dejando la sensación de no terminar nunca.

Al final, la anécdota de la nunca terminada relación se agota y no da para sostener un relato simple pero cuya efectividad se va minando a la par de la fallida relación.

Segunda parte de la amable historia del delfín que tuvo que adaptarse a vivir en cautiverio y sin su cola.

Han pasado algunos años, quienes eran niños se han vuelto adolescentes, y Winter deberá a aprender a vivir sin la compañía de Panamá, delfín de avanzada edad que un día aparece muerto.

Sin la gracia de la primera parte, todo el encanto y naturalidad que envolvía aquella primera película desaparece en esta secuela, notándose como se estiran las anécdotas y situaciones, las cuales realmente carecen de interés alguno.

El casting sigue siendo encabezado por los mismos chicos sólo que ahora están convertidos en un par de crecidos adolescente, con los cuales cuesta identificarse ya que los actores ya crecidos han perdido toda gracia, pero el principal problema de esta segunda parte es que el protagonismo de Winter ha quedado reducido a muy poco, centrándose la acción, por decirlo de alguna manera, en la pareja adolescente.

Una película que no se sale de los parámetros propios del género, sin sorpresa alguna, rutinaria y que lo único que la hace atractiva son las esporádicas apariciones del pelícano Rufus. El resto es totalmente prescindible.

Scott Derrickson presentó hace un par de años una de las más interesantes películas de terror de los últimos años, Sinister, y un poco antes de eso ya había presentado la también interesante El exorcismo de Emily Rose, aunque en medio de ambas había realizado la muy floja El día que la tierra se detuvo.

Ahora se mantiene dentro del género de terror mezclado con thriller policíaco, contando una historia basada en supuestos hechos reales, donde un policía interpretado por Eric Bana debe resolver unos casos misteriosos que parecen estar ligados entre sí y que involucran a tres veteranos de guerra.

Para ello cuenta con el apoyo de un sacerdote, interpretado por Edgar Ramírez (el Carlos de Olivier Assayas), un peculiar ex adicto que conoce a una de las personas involucradas y que ha tenido experiencias sobrenaturales en su historial.

Con una primera hora más que prometedora, que se sostiene entre el suspenso y un relato policial a pleno, el filme avanza de manera interesante manteniendo una tensión in cresendo y generando inquietantes climas, utilizando elementos cotidianos para inquietar , además de jugar perfectamente con el adecuado y misterioso diseño de sus personajes, por decirlo de alguna manera, malignos.

Sin embargo cuando el desenlace se aproxima el filme se viene abajo; una sobre explicación de los antecedentes del personaje principal que deviene en una situación familiar melodramática en exceso, la reiteración sobre el mal que encierran las canciones de The Doors, que parece más bien un mal chiste, y una larga y ridícula escena de exorcismo dan al traste con un filme que pintaba interesante, desvaneciendo de a poco las atmósferas conseguidas.

Mariana Chenillo regresa luego de la muy premiada cinta ‘Cinco días sin Nora’, film en el que con un humor negrísimo cosechó cualquier cantidad de premios y críticas en su mayoría favorables.

Ahora presenta una comedia que se pretende respetuosa y al mismo tiempo hace crítica social con un tema que representa un problema bastante serio, dando como resultado final una película bastante irregular.

‘Paraíso’ cuenta la historia de Carmen y Alfredo, un matrimonio joven que se ve en la necesidad de tener que cambiar su residencia de ciudad Satélite, en el Estado de México, a la capital del país; mientras viven la etapa de adaptación, Carmen escucha a un par de chicas burlándose de la apariencia de ambos en la fiesta de la empresa donde Alfredo trabaja. Esto provocará que Carmen trate de bajar de peso, lo que generará diferencia en la pareja.

El relato de Chenillo, autora también del guión basándose en una historia original de Julieta Arévalo, presenta varias inconsistencias desde el planteamiento mismo, una mudanza que supuestamente representa una gran cambio en el estilo de vida, la imposibilidad de poder vivir feliz en la gran ciudad, un comentario a manera de burla que provoca un cambio en el deseo de Carmen de perder peso, la ruptura de la pareja, etc. Todo de manera poco creíble,

Así, la película pasa de una comedia medida y que cuida la burla fácil en sus personajes, a un casi melodrama con decisiones desacertadas y forzadas, que subyuga a su personaje principal, Carmen, a un sinfín de situaciones desmedidas que rozan lo patético.

A pesar de contar con dos actores que demuestran su capacidad, Chenillo no confía del todo en ellos y recarga la parte cómica en personajes secundarios interpretados por reconocidos actores, como sucede con los personajes de Anabel Ferreira y Luis Gerardo Méndez.

Una película con las mejores intenciones pero que se desdibuja poco a poco.