"Apocalypse domani" es una de las más curiosas cintas italianas de zombies, porque ya desde el arranque ofrece un punto de vista diferente. El origen de la infección nos es explicada desde el inicio, ambientado en la Guerra del Vietnam. Un grupo de soldados rescata a unos prisioneros infectados de un virus muy equivalente a la rabia que sufren los perros. Es altamente contagioso y convierte a los humanos en devoradores de carne.

Aunque en su momento fue publicitada como la más terrorífica experiencia de terror, la película se inclina mucho más en parecer una cinta de acción, género en el que el todoterreno Margheriti pasaría a convertirse en todo un experto. La imagen del zombie se aleja del icono terrorífico típico del que abusaban los italianos: aquí los infectados se comunican entre ellos como cualquier humano de a pie y sus capacidades físicas no sufren ninguna variación (salvo el "mono" de carne fresca de su enfermedad).

Otro de los puntos que diferencia a la película de sus hermanas de subgénero es que el protagonista, John Saxon haciendo de uno de los ex soldados, avanza su historia en el lado de los villanos, lo que le aleja del estandar de "héroe" para ofrecer un clímax de la historia desde un punto de vista poco habitual.

En definitiva, sin ser ni de lejos la mejor película de su director la película es un puñado de escenas de acción rodadas con especial artesanía, con secuencias realmente memorables que como decimos la alejan de su pose de "horror movie" para convertirse en un divertimento extraordinario. El guión, contiene muchos de las situaciones vividas en este tipo de cintas, aunque sufre un importante patinazo en el tercio final. Como toda película que toca la guerra del Vietnam tiene su pequeña crítica al sistema, haciendo hincapié a la díficil adaptación en la nueva sociedad de los ex-soldados que sufrieron de primera mano el drama que atemorizó en demasía al país.

A modo de curiosidad, señalar que no debe confundirse este "Apocalypse domani" con el "Apocalipsis Canibal" de Bruno Mattei, que aparte de compartir temática ambas tuvieron el mismo título alternativo "Virus" y son del mismo año.

Segundo remake pirata del "Aliens" de James Cameron a cargo de Bruno Mattei (el primero fue "Shocking Dark", titulado en España "Terminator 2" antes del estreno del film de Cameron), uno de esos entrañables artesanos italianos que cultivaron su filmografía dentro del cine exploit italiano y que nos dejó un buen puñado de productos de inevitable toque "trash" pero con intenciones y estética admirables.

Bruno Mattei se pasó hasta el último de sus días (falleció en Mayo de 2007 siendo esta su última película) haciendo lo que mas deseaba hacer, cine de género. En su época dorada (años 80) siguió la corriente del exploit italiano realizando un buen número de películas siguiendo la estela (y copiando descaradamente) las modas del cine de género: realizó cine zombie y caníbal (siendo "Apocalipsis Canibal" y el inacabo producto de Fulci "Zombie 3" sus destacables aportaciones), peplum ("The Seven Magnificent Gladiators"), terror animal ("Rats"), cárceles de mujeres ("Violence in a Women's Prison" entre otras) o incluso se atrevió con otro remake inconfenso ("Robowar", que copia descaradamente al "Predator" de McTiernan) y la saga "Strike Commando" que bebía claramente del héroe de acción impuesto por el Rambo de Stallone.

En los últimos años, Mattei pareció esforzarse en retomar el estilo de esos films, especilizándose en el cine caníbal ("Cannibal World", "Land Of Dead") y el de zombies ("Island of the living dead" y este "Zombies: The Beginning").

Con su inseparable pseudónimo Vincent Dawn, Mattei ofrece en "Zombies: The Beginning" todo lo que un amante de ese cine trash que él popularizó le gustaría ver, aunque influenciado por algunos efectismos y estéticas del cine actual. No obstante, el fan de las "zombie flicks" se sentirá tremendamente compensado, con toneladas de zombies, gore y el absoluto descaro con el que Mattei dota a la cinta de un estilo tan forzado que le sienta como anillo al dedo a las intenciones del film.

Un probablemente involuntario pero acertado testamento cinematográfico, con el que Mattei se despide y al que muchos reaccionamos con una leve sonrisa agradeciéndole tantas horas de diversión y felicidad con sus exploits. Ciao, Bruno!

"No Looking Back" es para su director Edward Burns el paso a la madurez creativa, lanzando un claro mensaje a una generación concreta, dejándolo ya bastante claro con el título de la cinta.

La película retrata a una clase media en un pueblo donde aparentemente nunca pasa nada, este es uno de los grandes aciertos, porque el lugar donde Burns envuelve la acción (preciosas imágenes de calles lluviosas y playas desiertas incluyendo el paseo marítimo de Asbury Park en New Jersey) es como un protagonista más y lo utiliza para retratar los corazones adormecidos que conviven en esa bonita pequeña ciudad. El conjunto de personajes están bien conectados entre sí, típico grupo de clase trabajadora que al acabar la jornada se va a la cervecería de turno a hablar del duro día o de sus preocupaciones amorosas.

Y es que esta película gustará mucho a los fans de Bruce Springsteen, no solo porque utiliza algunos temas suyos y de su mujer Patti Scialfa, sino que la acción parece sacada directamente de una de sus canciones. Personajes trabajadores que pelean por el día a día, el bar, las cervezas, la gasolinera, los coches... incluso ese Edward Burns que va a buscar su amor para sacarlo de esa "ciudad de perdedores".

Muchos de los actores cumplen (aunque Edward Burns debería dirigirse así mismo mejor) y Lauren Holly se come la pantalla cada vez que aparece y eso le viene fenomenal a la película, porque la trama se apoya totalmente en su personaje. El ritmo de la película es lento pero perfecto, lo que demuestra que el Burns sabe muy bien como contar sus historias. Si en sus dos anteriores cintas lo hacía a golpe de gag, aquí prefiere la elegancia del diálogo y la postal cinematógrafica.

Mención a parte merece la BSO del film. El score de Joe Delia ambienta perfectamente las imágenes, pero el gran acierto es la elección de las canciones, sobretodo porque parecen retratar a la misma generación que comentaba antes a la que va destinada el mensaje de la película, siendo esas canciones las favoritas del interesante conjunto de personajes que envuelven a este gran film.

Básicamente, "REC 2" repite todos los aciertos de "REC": llegar a una conexión sin fisuras con el espectador a base de lograr un terror "real": esto se vuelve a conseguir a base de no ceñirse a efectismos surrealistas optando por convertir a todo aquel que vea la película en un personaje más de la misma. El terror de "REC" es diferente, te atrapa y no te suelta.

"REC 2" no es una secuela, es un complemento. Las tramas paralelas funcionan perfectamente, permitiendo que sean ahora varias las cámaras y varios los grupos de individuos que sufran de esa atmósfera tan axfisiante, ténebre, sucia que el propio espectador sufre. El clima de absoluta pesadilla que envuelve la película sigue siendo exquisita.

Balagueró y Plaza dicen que es indispensable no saber absolutamente nada del argumento. Pienso igual que ellos: esto ayuda a inmiscuirse mucho más en la historia y lograr una similitud psicológica con cada uno de los personajes.

En "REC 2" hay novedades. A parte de algún toque de humor socarrón, nos encontraremos con una continuidad de la historia con un toque más truculento que se dejaba entrever en la primera parte. Esto da un nuevo enfoque a los "zombies" o "infectados", aviso para navegantes. Gustará o no este nuevo punto de vista, pero hay mucho mérito de lograr una evolución coherente de la historia. Y por supuesto, mantiendo la frescura del producto original. Ahí está uno de sus principales aciertos.

Nuevamente hay un montón de guiños al género. Uno en concreto a una de las películas estrellas del mismo.

Ver "REC 2" en un cine vuelve a ser una experiencia única, a la que invito a todos los lectores. Aunque en realidad es más de lo mismo, si esto es bueno, bienvenido sea.

Catapultada como una de las cintas más aclamadas en la pasada edición del festival de Sitges, "The Final Girls" se desarrolla bajo unas claras querencias reivindicadoras hacia uno de los (sub)géneros más adorados y explotados del fantástico como es el slasher. Strauss-Schulson pretende un homenaje, exageradamente auto-confeso aunque a la vez honesto en sus propósitos, en un juego metalingüístico en el que sus protagonistas acabarán siendo los principales partícipes de una ficción que aclimata en una pretendida y confesa exageración las constantes del mencionado (sub)género; esta maniobra retrotrae al espectador al instante a artificios creativos mucho más interesantes como "Demons" de Lamberto Bava o "Angustia" de Bigas Luna, aunque aquí la pirueta narrativa se acaba ahogando en las cansinas y gratuitas ganas de provocar el chiste, olvidándose de procrear un homenaje consecuente con el propio slasher y que acabará, de manera lamentable, en un batiburrillo de gags insulsos y olvidables. El rescate de los más manidos tópicos del slasher serán fruto de un conjunto de secuencias que explotan las bromas sin el cinismo y la mordacidad necesarios, cayendo en un tono cómico excesivamente superior a su empaque fantastique.

La comedia insustancial y su consecuente sentido del humor pueril ahogan algunos planteamientos escénicos realmente interesantes, como las piruetas visuales de algunas de las escenas clave o las ambiciones de imbuir a la película de la estética tan propia de ese espíritu underground que se reivindica. Las maneras narrativas del director brillan por momentos en un par de concepciones secuenciales bastante interesantes, pero que se ven desaprovechadas ante la excesiva jovialidad que lleva a The Final Girls a caminar hacia la olvidable parodia. La carencia de la fina ironía, elemental a la hora de plantear un homenaje respetuoso y consecuente, además de su violencia desmesuradamente naif, provocan que la película no vaya más allá de la broma de insignificante digestión y rápido olvido.

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