Elton John es a la música lo que Miguel Ángel a la pintura, la escultura o la arquitectura. Un revolucionario del arte. Un prodigio de la humanidad. De esos seres humanos tocados por la varita de alguna divinidad y que se convierten en iconos por su talento.

Y como artista inigualable, único, Elton también tiene sus taras, traumas, miedos y anhelos. Excéntrico como pocos, esa personalidad y su arte quizá no puedan desligarse. No se entienden lo uno sin lo otro. Se funden en esta especie de hombre cohete (Rocketman) al que por supuesto no le podía faltar una película biográfica en pleno boom del género.

La película, en síntesis, es un viaje por la vida del cantante y pianista cumpliendo los cánones del género. A modo de confesión, terapia grupal psicológica, la cinta arranca con Egerton jugando el papel de una suerte de narrador. Y de ahí a la turbulenta infancia del cantante. La relación -inexistente casi- con su padre, esos agravios, van a forjar la personalidad de Reginald Kenneth Dwight, a la postre Elton John. Pero también el hecho de tener una madre pasada de rosca, interpretada por Bryce Dallas Howard.

Quizá este tramo, siendo esencial para la construcción del argumento, para la narración de los hechos, es el más flojo de la película. Casi caricaturesco. Por fortuna no dura más de lo estrictamente necesario antes de saltar al meollo de todo. La forja de una leyenda. Y como todo gran artista, sin el respaldo de un compositor de diez, la historia sería otro cantar.

La gran interpretación de Taron Egerton, que siempre ha estado acompañado por Elton John -una simbiosis sobresaliente entre actor y cantante- se apoya también en un perfecto secundario como Jamie Bell. Recordando a sus inicios de Billy Elliot, el británico no era nuevo en estas lides. Bell clava a Bernie Taupin, esencial en toda la trama.

ROCKETMAN VS BOHEMIAN

Es incuestionable el debate y la comparación de Rocketman con Bohemian Rhapsody. No solo por su proximidad en el tiempo, menos de un año. Sino porque ambos trabajos se centran en la vida de dos personas que, aparte de su música, generaron controversia en el ámbito privado. De hecho a Bohemian se le criticó ser condescendiente con ese lado oscuro de Freddie Mercury -a mi no me lo parecía y creo que lo abordó de la manera más acertada-.

En Rocketman, en cambio, Fletcher y el guionista Lee Hall -responsable también de Billy Elliot- se meten de lleno en el descenso a los infiernos de Elton John. Su vida, su sexualidad y coqueteos con las drogas se plasman tal cual en la cinta. El propio artista dio carta blanca a los autores para reflejar los puntos más oscuros de su carrera. Y con esa libertad todo es más sencillo.

Todo ese drama desemboca en actuaciones visualmente perfectas. Toda la potencia de los directos de John, sumado a un vestuario espectacular, son una delicia desde la butaca. Un chute de energía positiva como pocos.

La sala de cine se convierte así en un karaoke, una pista de baile, en uno de esos grandes escenarios o en todo a la vez. El ritmo, la letra y la performance con los que Elton John ha logrado marcar para y por siempre a multitud de generaciones llegan desde la pantalla. La guinda perfecta al filme es ese apartado visual donde la cámara de Fletcher vuela y te atrapa. Consigue sobreponerse a los altibajos del inicio y sirve en bandeja de plata, finalmente, un biopic tradicional y efectivo. Con un final apoteósico.

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Aprovechando el treinta aniversario de su ejecución en Florida, Netflix recuperaba a principios de este 2019 la historia de esta alimaña en el documental Conversaciones con asesinos: Las cintas de Ted Bundy, dirigido por Joe Berlinger. Con imágenes inéditas, reales, testimonios de los protagonistas de la investigación, el proceso judicial y el propio Bundy, Netflix allanaba el camino para el advenimiento de la película Extremadamente cruel, malvado y perverso. Trabajo dirigido también por Berlinger y con Zac Efron devolviendo a la vida a este monstruo.

Cuando Efron aparece en pantalla, dudas de si estás viendo al actor o al propio Bundy. Brutal caracterización. Como impresionante el trabajo corporal de un intérprete, que reconozco, siempre me ha causado rechazo. Aquí no. Me parece igual de fascinante que la historia real -lo reconozco, Bundy me produce rechazo, odio y una especie de hechizo al mismo tiempo-.

La película tiene dos lecturas, es verdad. Y es que si conoces la historia al cien por cien, si antes has visto el documental, el filme no te va a sorprender en absoluto. De hecho, en ningún momento profundiza en las motivaciones por las que Bundy asesinaba. Tampoco aborda mucho más el narcisismo del protagonista. Aunque tiene el acierto de, salvo excepciones, no mostrar cómo fueron los asesinatos.

Ahí entra la segunda lectura, pues si desconoces por completo quién era Ted Bundy, dudarás en ocasiones de su culpabilidad. Llegas a creerte que este pedazo de cabrón era inocente. Berlinger juega con la duda hasta el momento final. Vamos, que te convencerá más la película si perteneces a este segundo grupo y no al primero. Incluso querrás descubrir más de Bundy.

Aún así, pese a la nula aportación de los secundarios o siendo bastante superficial el tratamiento de la historia real, la película de Berlinger cumple como dramatización de los hechos reales. Podía haber sido mucho más de lo que definitivamente es, pero habrá que conformarse. Y si no, siempre quedará el documental también disponible y con sello Netflix.

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Más de lo mismo. Esa es la sensación que me queda tras ver la esperada Cementerio de animales, adaptación del clásico de Stephen King y remake de Cementerio viviente (1989). Si entonces el propio King firmaba el guión además del libro, en esta ocasión Dave Kajganich y Jeff Buhler son los responsables de adaptar la historia tomándose ciertas licencias que no mejoran en nada el producto original. Un ejemplo de que si algo funciona, mejor no tocarlo.

Porque las novelas de Stephen King, además de ser -por lo general- adictivas, tienen esa peculiaridad de dejar el camino bien marcado para una futura adaptación cinematográfica. No hace falta tomar muchos riesgos para llevar los libros del genio del terror a la gran pantalla. O en formato serie, donde 22. 11. 63 es un buen ejemplo. Obviamente el cine y la televisión tienen esa parte creativa que permite ser osado en algún momento. Pero si ese atrevimiento no va a repercutir en algo positivo, mejor pecar de conservador que de temerario.

Stephen King deja el trabajo prácticamente mascado para adaptarlo a la gran pantalla. Igual que no es necesario plasmar al detalle el libro, pues la película serían más de tres horas, tampoco lo es asumir riesgos innecesarios cuando todo es más sencillo. Y particularmente me chirrían los cambios que Cementerio de animales hace al original.

En el entretenimiento, hay que reconocer que Cementerio de animales es correcta -como las interpretaciones del reparto salvo la joven Jeté Laurence, que seguro pulirá en el futuro-. Sobre todo para un espectador virgen y sin la experiencia previa del libro o la cinta de 1989. Sin embargo como lector de la obra de King estoy en una posición de exigir algo más.

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Está claro que Emboscada final es el reverso de la Bonnie & Clyde de Penn. En esta última, la pareja criminal se presentaba desinhibida. Su actividad delictiva era considera como un juego. Dos personajes, además, casi mitificados por la sociedad de la época. En cambio en la cinta de Hancock, pese a que a esa leyenda entre el pueblo de los dos asesinos se mantiene, Bonnie Parker y Clyde Barrow son prácticamente fantasmales. Dos sombras que siempre están ahí pero que nunca acaban de aparecer.

Lo realmente trascendente en Emboscada final es el trabajo policial Frank Hamer y Manny Gault. Dos rangers a los que la edad no perdona, pero que juegan la baza de la experiencia para pisar los talones a los criminales y anticiparse al resto de fuerzas de seguridad. Kevin Costner y Woody Harrelson cumplen esa máxima de 'Más sabe el diablo por viejo que por diablo', pues los dos hacen ostentosidad del valor de la edad en, ya digo, dos interpretaciones sublimes.

En sus distintas personalidades, Costner recupera ese aire introspectivo que a parte del público y la crítica le trae por el camino de la amargura pero que a mi me encanta. Ese toque que le llevó a ser uno de los mejores en los ochenta y principios de los noventa. Como Woody Harrelson, al que siempre es un placer verle en pantalla. Y si bien está más contenido que en otras ocasiones, es el contrapunto perfecto para formar una gran pareja interpretativa que pone en el Olimpo el valor de la edad.

Y así, la película de John Lee Hancock va bailando entre el thriller policiaco y una road movie que lleva a los protagonistas a atravesar varios estados para dar caza a su objetivo. Más seria -y también más larga- que su predecesora, Emboscada final mantiene siempre -o casi siempre- el mismo ritmo. Con un planteamiento narrativo sencillo y tradicional apenas hay giros bruscos, poniendo el foco constantemente en la persecución policial y el trabajo de investigación.

Pese a sus más de dos horas de metraje, en esta nueva producción de Netflix apenas hay momentos para profundizar en la psique de los personajes. Se dan chispazos sobre la personalidad de los dos protagonistas, que al igual que sus objetivos, eran implacables. Si nos atenemos a los relatos de la época y a algunas frases de la película, tanto Hamer como Gault eran brutales en sus métodos.

Eso que se conoce como la vieja escuela que va dejando paso a los nuevos. El ocaso de una época, de una generación que en Emboscada final tiñe la pantalla de melancolía y nostalgia. A esta sensación contribuye también la música de Thomas Newman, siempre presente. Y una magnífica labor de fotografía y vestuario que, aunque superficial, te transporta a la Gran Depresión.

Así pues John Lee Hancock cierra el círculo de Arthur Penn. Al ser la versión de las autoridades, el filme sigue más un camino rígido y académico que el de la desinhibición que caracterizaba a la obra protagonizada por Faye Dunaway y Warren Beatty. Y sobre todo, Emboscada final es mucho más superior a otras cintas que últimamente han revisionado el género, como Enemigos públicos, de Michael Mann.

Hancock se toma más en serio las circunstancias de la época, la vida de los que vivieron aquellos años. La historia real no deja de ser un auténtico drama y el director trata de despojar el mito a la realidad. Esto es difícil de ejecutar y sobre todo de entender. Pero al menos lo ha intentado y el resultado final es bastante satisfactorio.

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Desconocía por completo esta parte de la historia de El Gordo y el Flaco. Con lo cual, la película de Baird ha sido todo un descubrimiento delicioso, pues está rodada con mucho cariño, con alma, y eso sobrepasa la pantalla. El director saborea cada escena y nos lo hace saber con las imágenes. Desde ese plano secuencia del principio, en el que los dos protagonistas se encuentran en la cima de Hollywood rodando una de sus películas, hasta ese apoteósico final que recientemente solo he visto en Bohemian Rhapsody, entendiéndola como una película de similares características.

Aparte de la emotiva historia proyectada, la obra es superlativa gracias al trabajo de Steve Coogan (24 hours party people, Philomena), que está descomunal. Coogan es un actor al que siempre me placer verle. Posee esa característica de hacer reír sin aspavientos. Como su compañero de reparto, John C. Reilly. Un actor que lo mismo te conquista con Chicago, Gangs of New York o La delgada línea roja, que con Cyrus y Un dios salvaje. Camaleónico y convincente, en El Gordo y el Flaco es la viva representación de Oliver Hardy.

Los dos son pura química. Hay complicidad. Y si faltaba algo era el contrapunto femenino, que lo ponen afortunadamente Nina Arianda y Shirley Henderson. Dos actrices que secundan a la perfección al dúo protagonista. Juegan un papel ambivalente a lo largo de la gira, pues a veces son el pilar de sus parejas y otras el elemento desestabilizador. El ying y el yang que acaban completando las pequeñas apariciones de Danny Houston y otra grata sorpresa como Rufus Jones.

El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie) tiene, pues, un trabajo humano sensacional. Reparto y equipo técnico son superlativos. Pero es que la película, en cuanto a su contenido, es un placer. Jon S. Baird ya había adaptado de forma notable anteriormente la obra de Irvine Welsh, Filth el sucio. Y aquí, en un apartado totalmente distinto, también logra enganchar con un filme que tiene aroma a otro tiempo. Al origen del cine. A esos estudios repletos de extras, decorados, actores y la magia del Hollywood de siempre. Algo así a lo que ya retrató Peter Bogdanovich en Así empezó Hollywood.

Una película que, pese al aluvión de biopics en el que vivimos, es entrañable, maravillosa y muy emocionante. Con suma sencillez, asumiendo los riesgos justos, Jon S. Baird te lleva al borde de la lágrima gracias a su particular homenaje a estas dos leyendas del cine. Un arte que, como El Gordo y el Flaco, es eterno.

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