Abrumadoramente almidonada, apabullantemente obvia y desmesuradamente vacua, vamos, la película perfecta para quinceañeras, féminas que sueñan con un amor "rebelde", y para todas aquellas que ya se les pasó el arroz y seguramente lloraran emocionadas en la soledad de sus sofás o con un marido calvo y rechoncho al que lo mas emocionante que le ha pasado en su vida es ir a veranear a La Manga (si es con una tele para ver los amistosos del Madrid mejor que mejor) y que de la única manera que vivirán un amor así, es por la pantalla.

Cambia el tono, un punto mas dramático, pero en el fondo sigue siendo la misma morralla que melodramas y comedietas que la gente no iría a ver, ni el día del espectador:
"Mientras dormías", "Otoño en Nueva York" "Noviembre dulce", etc..., ya que su fondo y su
trascendencia son totalmente nulas.

La historia de los viejos ni la voy a nombrar, porque la previsibilidad es mas que sonrojante.
La historia de los jóvenes tampoco tiene desperdicio y los 45 primeros minutos son un continuo "te quiero", besos, abrazos, caricias y mas abrazos solo para que el hijisimo de Cassavetes nos cuente que tras un amor de verano, llega el otoño y cada uno vuelve a su ciudad.
¿De verdad hacia falta malgastar tanto royo de cinta para eso?.

Una prueba mas de que estamos ante una película realizada para la gente que vive en los mundos de Yupi, es su final, fácil y ramplón, claro que si, esta muy bien hacer lo que te dicta el corazón, no lo discuto, pero las decisiones tomadas, sea cual sea, tienen una repercusión, y la carga dramática es un punto álgido que no debería obviarse, pues bien, va y de un hachazo la termina Cassavetes, porque aquí lo único que importa es que triunfa el amor...

Como buena película para novios que empiezan no puede faltar un beso bajo la lluvia, un desvirgamiento, una madre malvada pero que le abra los ojos a la hija, un pretendiente joven, guapo y adinerado pero aburrido y un protagonista con barba de cuatro días. Por supuesto todo esto ambientado en una época en la cual, los caballeros se quitaban los sombreros al ver
pasar a las damas.

Elegante y con una buena dirección son las dos únicas virtudes, para un film populista, argumentalmente muy pobre.

"Los amantes del Pont-Neuf" es un drama visceral con pretensiones de realismo sucio donde dos mendigos alcohólicos se conocen en una situación extrema y huyendo de un amor trágico anterior, una Juliette Binoche andrajosa y tuerta, y un Denis Lavant pies negros que no parecen conocer más vida que esa, en "Los amantes del Pont-Neuf" lo pasional es exacerbado por el egoísmo del amante masculino, que se superpone a la voluntad de hacer feliz a la otra persona, mientras que la amante femenina prefiere optar por la ocultación, bien para no hacer infeliz a la otra persona, bien por una actitud más de juego, menos seria, menos 'amour fou'.

A pesar de los años la capacidad de impacto de la película se sostiene con el paso del tiempo, va ganado enteros, y lo provocador de por sí del argumento y la multitud de detalles lo convierten en un film diferente, sudoroso, subversivo, en vena.

En "Los amantes del Pont-Neuf”, Lo increible (que se pongan a hacer esquí acuático en mitad de la noche, por ejemplo) se hace creíble en medio de otras muchas escenas memorables: el delirium tremens alcohólico-romántico bajo los fuegos de artificio, las carreras de libertad por la playa (con, ojo, la nada gratuita silueta de Lavant empalmado) o incluso esa primera escena con el túnel y el coche a punto de atropellar al protagonista que, sin ninguna duda, inspiró el videoclip de "Rabbit In Your Headlights" de Jonathan Glazer para UNKLE. Pero también es subversivo el crear la apariencia de que todo va por un camino negrísimo y tristísimo y, en los momentos menos esperados, endulzarlo con momentos que son puro vodevil. Además, y por supuesto, creando personajes con sus bellezas y sus miserias con los que se busca que el espectador simpatice sin juicios morales.

Como curiosidad añadir que en la edición en dvd, se incluye un interesantísimo documental que cuenta las numerosas tribulaciones que pasó Carax para finalizar su película y que, de extenderla un poco más, se habría anticipado a la que recientemente se hizo sobre el proyecto de Don Quijote de Terry Gilliam: problemas presupuestarios continuos, productores que se piraron dejándolos tirados y, sobre todo, la épica de, a falta de permisos municipales, cómo se tuvo que reconstruir todo el Pont-Neuf y aledaños en un gigantesco decorado (el más caro de la historia del cine francés) en un pequeño pueblo perdido de la comarca de Lamargue y cómo afectó eso a la vida de la villa. Las entrevistas finales a los paisanos, una vez el decorado se finalizó, no tienen desperdicio: "¿alguna vez estuvieron en el verdadero Pont-Neuf?" "Si estuvieron, ¿me podría indicar en qué dirección quedaría la torre Eiffel?".

Junto con “Los amantes crucificados” de Mizoguchi, quizás “Rebelión Samurai” sea el film que mas transmita sobre la fuerza del amor, como en el típico drama japonés, los intereses de un Clan se imponen a los del individuo, trayendo consigo el dilema de acatar las órdenes que emanan de la jerarquía superior del Clan aunque estas afecten al honor personal o familiar.

No voy a revelar nada de la película, hay que verla, porque cada escena transmite fuerza, nada sobra, toda ella bien hilada, llegando a hacernos sentir participe de la tragedia que se esta viviendo, como nuestra, a pesar de la distancia tanto física como en el tiempo respecto a los hechos.

La lucha interior de los protagonistas, la impotencia y consiguiente firme decisión de ir en contra de los mandatos de un clan cruel que olvida o simplemente prefiere ignorar los sentimientos de una mujer que es tratada como objeto, trayendo consigo la posterior tragedia, junto con la presencia de Toshiro Mifune, son un reclamo mas que suficiente para hacer de “Rebelión Samurai” una cinta casi obligada.

“La vida se ve como un río, en la que unos flotan y otros se hunden, unos se ahogan y otros permanecen vivos, sin saber cuando llegarán los rápidos y los remolinos. Sin que los esfuerzos por nadar les sirvan a algunos para salvarse, ni el dejarse llevar por la corriente significa hundirse. Al final quien lo cuenta es quien vivió para contarlo"

Mi película favorita de Yimou, y posiblemente una de las que este en mi Top10 personal.

“Vivir!” Es un relato sólido, estructurado de manera tradicional, lo cual es una de las fuertes bazas de la película: la historia de una familia, en primer plano, que vive los grandes cambios sucedidos en China entre los años 40 y 60: la guerra civil que instaura el comunismo, el llamado Gran Salto Adelante de los 50, y la depuración y Revolución Cultural.
Es frecuente que muchas películas naufraguen en su intento por abarcar en dos horas tantos años. No ocurre así en este caso. El director recurre, en los grandes y obligados saltos de tiempo, al sencillo y antiguo cartel explicativo: unas palabras que entran en pantalla y salen con la luz y el color y el ritmo de una buena escena, con la perfección de un actor. Así de simple y eficaz.

Como sin esfuerzo, música, fotografía, y las palabras en la boca y en los gestos de los actores, con la dirección de arte, van llevando al espectador a través de sucesos e ideas y sentimientos, se pasa por muy distintos ambientes y climas humanos. Con medida, drama, armonía, sorpresa…

Las marionetas y las sesiones de sombras chinescas son también suelo y trasfondo, hilo conductor, en el transcurrir de la historia familiar; lo son de modo evidente los sucesos políticos y de guerra en un sentido, y, en otro sentido, mayor, la presencia constante en la familia de las leves marionetas, que adquieren un valor de símbolo, como si de una bandera de permanencia cultural y moral se tratase.

Como en todas las obras tocadas con la gracia de lo clásico, hay drama y comedia, hay dolor y humor y ternura, y hay esperanza: “Vivir!”, y no sólo físicamente. Vencer.
Todo esto, que puede parecer exquisitez minoritaria, no lo es, y no lo es por la fuerza de la historia, permanente y universal por verdaderamente humana.

“La mujer de la arena” con un expresionismo visual cuyo hipnotismo roza los niveles mentales de la abstracción, nos transporta a un territorio a medio camino entre la realidad y la fantasía onírica, en el que el sentimiento de extrañeza se erige como el máximo exponente de toda la narración.

Un hombre aficionado a la entomología, recorre una inhóspita región desértica cercana al mar en busca de un extraño escarabajo tras perder el autobús de regreso a la ciudad, los le indican un lugar donde poder pasar la noche. De esta forma es conducido a una insólita casa situada en el interior de un pozo de arena en la que habita una mujer viuda. Un proceso aparentemente intrascendente que ya comienza ser plasmado por Teshigahara con una sensación de tensión e incomodidad. SPOILER1

Así pues asistimos al choque entre los dos personajes y a los constantes vaivenes emocionales a los que someten su enfermiza relación: SPOILER2

Sin embargo, poco a poco estas posturas se irán contaminando la una de la otra, al mismo tiempo que, las tensiones que se producen entre ambos, también desembocarán en un ambiente climático de proclive inclinación sexual donde respira incomodidad, y una especie de horror fantasmagórico lo inunda todo, donde la arena, al fin y al cabo, se convierte en el tercer personaje, el cual los retiene, los amenaza, y condiciona sus miserables existencias.

Teshigahara logra captar a la perfección el ambiente de pesadilla a través de un trabajo de dirección impecable y la validez después de cuarenta años de “La mujer de la arena” está fuera de toda duda, ya que los elementos utilizados para construir su imagen resultan, todavía en nuestros días, eminentemente modernos, y su discurso acerca de las dudas que asolan al hombre en su confrontación con una realidad que lo sobrepasa, de una actualidad aplastante.