De todas las frases de los personajes de la serie me he quedado con la del título, que reune casi todo lo que me ha gustado de xHoxB: es fresca, provocativa, procaz, gruesa, un pelín políticamente incorrecta (aunque no lo bastante, en mi opinión) y saca los colores a todas las rubias y rubios de bote que vemos paseando por Madrid encantados de conocerse a si mismos.

De Parla, (o de Fuenlabrada, o de Torrejón) a Madrid hay mucho más que 30 minutos de tren… que ni son siempre cuesta arriba ni siempre cuesta abajo, y que retratados con cariño dan para unas cuantas risas que resultan muy sanas, sobre todo si también nos reímos cuando nos toca a nosotros.

Técnicamente bien ejecutada, no sé si será porque HBO lleva la producción pero parece hecha más cerca de Hollywood que de Alcobendas, sobre todo se nota en el sonido, que en otras series españolas suele dejar mucho que desear. El montaje también es bueno, sin alardes pero efectivo, la directora se lo ha currado.

xHoxB es básicamente el guión y las actrices, y los dos son sobresalientes. Me ha encantado la naturalidad de Marta Martin (hay algo más contracultural hoy en día que tener sobrepeso?) y la autenticidad de Saida Benzal, que si no ha nacido choni, desde luego lo parece.

Tiene carencias, claro: al guión le falta hilo conductor y algo más de profundidad, y por seguir criticando, cae demasiado en la caricatura y a veces no sabemos si estamos viendo una historia con personajes que intenta ser creíble o un sketch del especial de nochevieja de Pedro Mota.

xHoxB tiene una puntuación media mucho más alta que la que le dan las pocas críticas escritas: a lo mejor la mayoría de los que escriben críticas en Filmaffinity tienen barba y viven más cerca de Tribunal que de Parla…una Parla que sale mucho mejor parada en la serie que una Malasaña en la que todos dedican enormes esfuerzos a aparentar lo que no son.

En resumen, una serie más ochentera que de la época actual, por momentos me ha recordado al Almodóvar de "Pepi..." o "Laberinto de Pasiones". Enhorabuena a Manuela Burló, mucho ánimo, y a seguir pisando callos hipsteritas.

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“Time Trap” tiene defectos y fallos de guión como para llenar dos páginas, desde ese valle lleno de coches abandonados que la policía nunca encuentra, a la pandilla de descerebrados que bajan en rappel 20 metros sin material para subidas (¿no os encanta cuando tratan de volver y la chica dice “dejadme a mi, que soy más rápida” y empieza a subir a brazo, con un par? Menos mal que al metro y medio se rompe la cuerda antes de convertir la película en el mundial de gimnasia), o ese desperdicio masivo de sticks luminosos (es que la chica se aburría, que iba a hacer, la pobre…)

El caso es que a pesar de todo eso, el tema central del argumento tiene enjundia y peso, la idea que plantea es buena, coherente y la explota hasta el final. Es una película de viajes en el tiempo, y una vez admites la premisa de un espacio en la cueva separado temporalmente del exterior, la exploración de las consecuencias es completa y consistente, dentro de un orden (ver spoiler). Por cierto que es una historia de viajes en el tiempo, pero de viajes siempre hacia adelante por el tiempo lineal, sin bucles temporales ni paradojas, pues en el tiempo lineal no los hay: como Von Neumann le contestó una vez al revisor de un tren que le dijo que le avisaría "si le veía": "Este tren es lineal, no?".

El problema es que estropea el tema central de tal forma con los detalles y fallos que da pena, y tiene alguno que hasta resulta desagradable.

Pena la que da el hombre del futuro con su traje superguay, que se sacrifica para salvarles y al que luego dejan morirse a su lado con total tranquilidad y sin molestarse en moverlo dos palmos para meterlo en la fuente milagrosa.

Y lo que menos me ha gustado, hasta parecerme de mal gusto: ¿que decir de como trata el guión a la familia de trogloditas? vale que iban a por los protagonistas (normal, se habían metido en su casa y les debían parecer muy raritos), pero es que los tratan como si fueran animales: ni un intento de comunicación, ni un gesto. Directamente a llamarles “Picapiedras sicóticos” (“Psicotic Flinstons” dicen en inglés) y a arrearles con las piedras primero y a tiros al final, de lo que por cierto se ocupa muy gustoso el entrañable profesor. El único que les muestra un poco de consideración es el hombre del futuro, que trata de no hacerles daño con el gadget de sujetarlos al suelo, pero así le va a él, que los protagonistas lo dejan tirado. Yo creo que hasta cuando el guión muestra un mínimo de humanidad en los trogloditas, lo hace por equivocación: cuando nos muestra a la niña tratando de curar a sus padres, lo que querían es que viéramos el peligro de que los feroces adultos se recuperaran y fueran a por los protagonistas, no que pensáramos que eran humanos con sentimientos a los que respetar mínimamente. De verdad que casi he echado de menos un final alternativo en el que los trogloditas pillaran a los protagonistas y se los comieran, especialmente a alguno.

Puestos a la miseria moral de esta película, aún queda otra tuerca que apretar, pero lo haré en spoiler pues tiene que ver con el final.

En fin, que podía haber salido otra película, con otro guión y otros actores, pero sobre todo con la intención de hacer una historia de verdad y no un pasatiempo para adolescentes idiotizados.

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“Clark” ha sido un sorprendente y agradable hallazgo, una serie que nos genera una mezcla de sonrisas y escepticismo conforme se desarrolla una historia demencial y divertida a partes iguales, ambientada en la Suecia de los 60 (y en otros países), en lo más álgido de la cultura hippy.

La serie empieza diciendo que está basada en hechos reales; tanta era mi incredulidad al ir avanzando el visionado, que dediqué un buen rato a investigar por internet, descubriendo para mi asombro que no solo está basada en hechos reales, sino que la mayoría de los episodios, incluso los más estrambóticos, sucedieron de verdad al auténtico Clark Olaffson.

Es cierto que la serie cambia algunas cosas, pero no lo básico: sí, en una de las primeras correrías del Clark real acabaron asaltando la residencia del primer ministro sueco y robando allí comida y bebida, aunque el que los pilló fue el jardinero, no el propio primer ministro. Y sí, el Clark real fue reclamado por el atracador del célebre robo con secuestro del Kreditbanken de Estocolmo, y sí, lo que pasó allí con los rehenes fue el origen del llamado “síndrome de Estocolmo”. Alucinante, por no hablar de una foto que he encontrado del Clark real acompañado por la policía y por una de esas novias superguapas y forradas a las que seduce sólo con mirarlas…

Creo que ha sido un acierto el tratamiento que se le da a la historia, una combinación de psicodelia y humor salpicado de toques políticos de la época y con sexo omnipresente muy propio de los 60, muy explícito, pero con poca piel a la vista. Entre las muchas curiosidades, la visión desde la óptica Sueca de la España de aquella época, a la que Clark huye en un par de ocasiones.

Las actuaciones son muy buenas en general y la de Bill Skarsgård como Clark, fantástica: creo que el Clark real no debía ser muy distinto a ese chico alto y guapo, impetuoso, medio loco, traumatizado, inteligentísimo y absolutamente carismático que tan bien y creíblemente construye Skarsgård.

En resumen, muy recomendable: un biopic diferente sobre un personaje singular, imprescindible si eres un nostálgico del movimiento hippy.

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En su demoledora disección del “El viejo y el mar”, de Hemingway, el legendario crítico Dwigth McDonald le acusa de editorializar emociones. “Soy un hombre extraño” le dice el viejo al niño. Y MacDonald le azota con esta frase: “¡No lo digas, viejo, demuéstralo!”.

Ese es quizá el principal valor de “Fuego”, de Claire Denis. No nos explica, no nos “editorializa” lo que les ocurre a sus personajes: se limita a mostrar con toda crudeza y detalle el comportamiento de una mujer poseída por el deseo, atormentada por los sentimientos contradictorios que eso le provoca, confusa, doliente, y que proyecta su dolor interno en su pareja, a la que como a nosotros, le cuesta entender lo que está pasando.

Claire Denis nos convierte en voyeurs del drama de una mujer desgarrada entre el deseo carnal por François, que le devora las entrañas, y su lado racional, me atrevo a decir que incluso su amor, pues creo que Sara sigue queriendo a Jean. Normal que cause confusión en nosotros pues la misma esencia de “Fuego” consiste en mostrar descarnadamente y sin filtros ni explicaciones los efectos que su conflicto interior producen en Sara. Como dice el título original, “Avec amour et acharnement”, “Con amor e implacabilidad”. Por cierto, otra ocasión perdida para los distribuidores en español de no continuar con su inveterada costumbre de ser patéticamente creativos y j**** el título que le pone el autor…

Ademas de mostrárnoslos cuando están juntos, “Fuego” acompaña a los protagonistas, Sara y Jean, en escenas de su vida cotidiana, en el trabajo o en la compra, y esa vertiente hiperrealista de “Fuego” entronca con el voyeurismo de Warhol en “Blue Movie” e incluso con secuencias de “Blow Up”. No que pretenda comparar a Denis con Warhol o Antonioni pero hay una conexión en el lenguaje, en la forma de mostrar la realidad con una perspectiva propia, que es una de las esencias del cine como arte.

Recuerdo pocas escenas tan realistas de un conflicto de pareja como algunas de las discusiones entre el personaje de Sara y el de Jean: esas argumentaciones sin sentido, ese desvío del tema en el que caemos inconscientemente cuando no queremos discutir un tema incómodo (“No me has mirado en toda la noche” - “¿Es que tengo que mirarte toda la noche? ¿Desde cuando es obligatorio mirarse?”)

“Fuego” no es una obra maestra, tiene debilidades, quizá la más evidente un ritmo no del todo mantenido a lo largo del transcurso de la película (ya sabemos que es lenta, y tiene que ser así, pero hay muchas formas de manejar esa lentitud), y algunas divagaciones innecesarias en la historia del hijo de Jean.

Qué decir de las interpretaciones: Juliette Binoche está magistral, excelsa: soporta los primerísimos planos transmitiéndonos con una fuerza espectacular su conflicto interno, tanto su rostro como su lenguaje corporal aportan al personaje todo lo que la directora buscaba, y más aún.

Vincent Lindon borda su personaje, un ex jugador de Rugby que lo ha perdido casi todo y que conserva un coche que no puede mantener, tiene un hijo al que no sabe cuidar, y vive con una mujer a la que ama apasionadamente y a la que ve escapársele entre los dedos.

A Grégoire Colin le toca el personaje en mi opinión menos conseguido, François, al que apenas dibuja Denis Claire. En François no hay conflicto, tiene claro lo que quiere y pide a Sara explícitamente que deje a Jean. Quizá lo más forzado del argumento son sus intentos de manipulación y su visita final a Jean para convencerle de que Sara le está siendo infiel.

Una película francesa hasta la médula, difícil, intensa, que nos fuerza a ser espectadores, queramos o no, de los destructores efectos del deseo sexual incontrolado, y a la que me resulta fácil perdonar sus defectos. Un merecido 8.

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Hay un aspecto de Ofrenda a la Tormenta que no me ha gustado nada, y es que se cree lo que cuenta, se cree y hace creer que los dioses ancestrales tienen poderes, que los sacrificios de niños dan poder, y no sólo no lo niega en ningún momento, sino que basa el desarrollo de la historia en que semejante superchería es real.

Lo argumento en detalle en spoiler.

Le hubiera puesto incluso un 6, la película no está mal, pero no me gustan estos juegos. Y por favor, de verdad no podían haber doblado a Leonardo Sbaraglia???

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