Tiene lo justito para mantenernos entretenidos mientras la vemos, pero nos olvidaremos de ella inmediatamente después de haber acabado. Los personajes, las subtramas y las situaciones resultan tan manidas que lo que sorprende es que todo sea tan tópico. Mucha nieve y mucha estética nórdica, pero el regusto que queda es el de un telefilm de quita y pon, que aún intenta exprimir los elementos del cine de catástrofes de hace décadas. Atrapados en un túnel? A otra cosa, mariposa...

Las canciones de Van Morrison y la apabullante fotografía en blanco y negro dan a esta película un cierto aire de videoclip, y el modo en que Branagh plantea el relato denota que lo que se pretende es trasladar a la pantalla una experiencia íntima y personal, y no un retrato de la situación por la que atravesaba el Ulster (y, en concreto, la ciudad de Belfast) en la época en que se sitúa la historia. También es verdad que Branagh explota el sentimiento de nostalgia que pueda haber en el espectador, sobre todo a través de las referencias cinéfilas, lo cual no deja de ser un tanto tramposo.

El conflicto norirlandés sirve sólo de ambiente claustrofóbico en que situar la trama, pero no es la trama en sí. Para mí, éste es uno de los puntos esenciales de la película. Al principio del film, con la primera escena de disturbios, vemos a una madre desesperada cogiendo en brazos a su hijo para llevarlo a su casa. Y, para protegerse de la lluvia de piedras y demás objetos, se vale de la tapa de cubo de basura que el niño había estado utilizando como escudo en sus juegos de espadachín. Ese toque de humor tierno (y de fina ironía) es toda una declaración de intenciones por parte del director, y nos predispone para lo que haya de venir.

A partir de ahí, Branagh consigue tenernos despistados durante todo el metraje, sin saber si lo que llegará es un clímax dramático cargado de violencia o un toque de lagrimilla emocional por la infancia robada. Y ello por no hablar del dilema entre emigrar para mantener unida la familia o aferrarse al pedazo de tierra que nos vio nacer. La gracia de "Belfast" es encontrar el equilibrio. Aunque quizá para alguien se quede a medio camino de todo, lo cierto es que para mí la película sale airosa de un reto tan ambicioso, y salgo de la sala con un agradable sabor de boca, después de todo...

Viendo esta película, es imposible no acordarse de aquella petición desesperanzada de Gemma Nierga, justo cuando más oportuna era, justo cuando más dolía...

Y es que si algo se puede decir de esta película es que es una llamada al diálogo, entendido como el puro hecho de encontrarse para hablar y escuchar. Empatizar... Incluso con aquéllos que nos han hecho daño hasta destrozarnos la vida.

Itziar Bollaín tiene el mérito de tratar este tema con suma delicadeza, casi con pudor, pero nunca con frialdad. Y sale bien parada de este juego de equilibrios. Un tono más descarnado habría hecho de "Maixabel" una película totalmente distinta. Presenciamos las conversaciones entre víctima y asesino como insolentes voyeurs, pero la puesta en escena desnuda nos invita a comportarnos de forma discreta, sin interferir. Enormes todos los actores. Ayudados por una milimétrica planificación en plano-contraplano en las escenas clave del film, Portillo y Tossar (y también los secundarios durante toda la trama, por cierto) transmiten incluso más con sus silencios que con sus punzantes palabras.

Bollaín evita abordar de forma explícita la violencia y la dureza del conflicto vasco-etarra, y con ello da a la película un carácter atemporal, con un mensaje trasladable a cualquier época y lugar. Cualquier controversia entre seres humanos es evitable y resoluble. Basta con entender, como decía Camus, que el peor error que puede cometer una persona es el de hacer sufrir.

Una obra original y profundamente poética. La película combina la magia de Monteverdi con una puesta en escena espartana. La temática es esencialmente romántica, y la trama se centra en la sublimación del Amor a través de la idealización de la persona amada. Y, para ello, el director recurre a unas caracterizaciones bressonianas, con expresiones habitualmente inertes, y a un bombardeo de escenas en plano-contraplano, que refuerza la idea de aislamiento e individualidad de cada personaje. El simbolismo del puente es claro y rotundo. Y es que de lo que se trata es de trascender más allá de lo que vemos y tocamos. El amor puro es el platónico, aquél que nos lleva a sentirnos irremediablemente atraidos por un ser perfecto pero inalcanzable. El film va de menos a más en cuanto a carga emotiva, y el tono inicialmente frío y distante acaba evolucionando hasta llegar a un cierre lleno de sensibilidad y elegancia. Y lo mejor es que Eugène Green sale airoso en una apuesta tan arriesgada.

Una película meritoria en lo formal, pero con muy poco fondo. Visualmente es atractiva, por lo que es fácil que de inicio enganche. La ambientación es casi impropia de una película española (y más teniendo en cuenta que el director es un debutante en el largo). El problema es que la intriga se nos expone muy pronto, el supuesto simbolismo de la trama se hace evidente, y a partir de la primera media hora la película languidece hasta convertirse en una sucesión de escenas repetitivas y redundantes. "El páramo" no es larga, pero se hace muy larga. La impresión que queda es que es una película de buenas intenciones, quizá excesivamente ambiciosa, en el que las expectativas que el espectador puede crearse quedan frustradas. De tantos esfuerzos por provocar tensión, de tanta insistencia, Casademunt aburre. Y eso, en una película de género terror-fantástico, es el mayor de los defectos.