Ante la ausencia de reseñas me ha parecido interesante orientar un poco más a todos aquellos que tengan interés por la película, por el cine social en general, el cine y la salud mental o el cine que tiene algo que decirnos.
Vi hace 10 días la película en el festival de cine y salud mental Lo Spiraglio de Roma y me gustó mucho, tengo que decir que a la postre fue la ganadora del festival que cumplía su novena edición.
Sarah, Liv Hill, de quince años, se ve obligada a cuidar de sus dos hermanos pequeños y de su madre que sufre unas atroces depresiones y trastorno bipolar (creo) y que le obligan a permanecer largos periodos de tiempo en cama, siendo la mayor parte del tiempo inoperativa; para colmo son una familia humilde y Sarah se ve obligada a trabajar a tiempo parcial en un garito de juegos. La suma de todo ello supone un peso imposible de sobrellevar para una adolescente que, además, tiene que sacar adelante su curso escolar. La joven encontrará una vía de escape a su frustración...
Como ya he comentado el film sigue la tradición del mejor cine social británico, especialmente deudor de Ken Loach y más concretamente, en mi opinión, de Ladybird ladybird, quizá también Kes; Hay algunos temas que se repiten: El desamparo familiar, la pobreza, la imposibilidad de salir adelante con dignidad, el papel de los servicios sociales (presentes en la mayoría de este tipo de cine) y algunos más.
Espectacular Liv Hill, tan joven y con una gran variedad de registros, metida en el papel y con un extraordinario potencial. Magnífico James Gardner generando un crescendo dramático, no siendo en absoluto previsible y convencional y creando una atmósfera en la que el espectador se ve atrapado; sin duda estamos ante un talento emergente.
Filmado en Margate, pequeña localidad marítima en el condado de Kent (Inglaterra), un sitio lleno de lugares comunes, de costumbres adquiridas, de relaciones interpersonales repetidas por los siglos de los siglos, de perjuicios hacia lo que no es “normal”, de un provincialismo asfixiante. Esto es un problema para una adolescente crítica, inteligente, con aptitudes, además pobre, que ha tenido que crecer a marchas forzadas y que se empeña en llevar una vida normal, algo que es imposible.
La película no es contemporizadora, no busca complacer y tampoco el lado fácil, es una historia directa y contundente, sin aderezos y convincente. Los temas son amplios y variados, además de los ya mencionados: El exceso de responsabilidad en la adolescencia, la salud mental, la educación, el peso del entorno, la familia, la pobreza, etc.
En líneas generales una película muy aconsejable, una vez más, pasará desapercibida en España, emocionante, con una excelente fotografía, intensa, honesta, con leves toques de humor y de esperanza y que plasma una realidad de manera realista y nada maniquea.
Como aspectos negativos decir que la narrativa del film es bastante convencional y hay cierta economía de medios en escenas del instituto al que va Sarah; la actuación de Liv se come las restantes actuaciones y el resto de los personajes quedan ligeramente desdibujados.
Aconsejo Jellyfish a todos aquellos interesados en los temas citados, a quienes piensen que la creación (y por extensión el arte) puede imitar y retratar las vidas de los seres humanos, a quienes les ha interesado el cine social en general, el británico en particular.

Stalker cambió mi visión del cine, percibí en ella todos los ingredientes que contiene una obra maestra: Capacidad para trascender, poseedora de múltiples enfoques e interpretaciones, perfección formal, proyección de rasgos que entroncan con quienes disfrutan de ella, críticas positivas a lo largo de más de tres décadas y un autor como explicó Foucault, "fundador de discursividad", es decir, que abre ventanas e ideas para creadores posteriores.
Stalker es un film minimalista que explora límites geográficos y mentales, La Zona es nuestro interior y el viaje a La Zona es un viaje de unos "privilegiados" hacia el fondo de sí mismos, hacia la Filosofía, Psicología, Ciencia y sobre todo Poesía. Aparecen constantes metáforas acerca de las necesidades humanas, todas ellas abiertas y sujetas a interpretación: No estamos hablando de algo cerrado, la película está abierta, después de verla varias veces las interpretaciones de algunas frases y algunas escenas pueden ser contradictorias, sin duda gracias al brillante guión de los hermanos Strugatsky.
Siempre me he preguntado por qué nos atraen esas texturas oscuras, cierta suciedad, la abundancia de agua, cierta excrecencia y vetustez... cómo todo eso puede revertir y convertirse en poesía.
Hay corrientes de opinión defendiendo el cine como creación, como obra de arte, como herramienta para conocer el mundo y empatizar con lo lejano y desconocido; la cara opuesta sería la que defiende que el cine es ante todo diversión y entretenimiento. Desde luego Stalker se explica bien desde la primera corriente y con dificultad desde la segunda.
Bienvenido a La Zona, bienvenido a la huida, al futuro distópico, a un viaje con guía, a una verdadera obra maestra.

Beloved es una obra maestra de la literatura del siglo XX, escrita por una de las grandes escritoras de las últimas décadas: Toni Morrison. Es una novela compleja que mezcla vida y muerte, amor y dolor, presencia y ausencia, esclavitud y liberación, una novela de extremos, de subtramas, de entresijos, no linear, de una profundidad psicológica que desarma. Bajo estas premisas me pareció todo un suicidio llevarla al cine, para mí era algo prácticamente imposible.
Es difícil plasmar la desorientación, los sentimientos, el dolor hasta límites inimaginables. Solo un gran director con un par de narices podría atreverse a afrontar semejante reto y el resultado es digno, bien elaborado y con un elenco de sensacionales actores; Demme consigue transmitir el desequilibrio y desasosiego que el libro provoca.
El cine es entretenimiento pero también otras cosas, en este caso una lección de historia y psicología humana, asistimos a la tragedia de millones de esclavos, sus trabajos forzados, el de sus hijos y las consecuencias psicológicas que todo ello conllevó.
Por todo ello, por la valentía del director , por el trabajo de fotografía de Tak Fukimoto, por el punto gótico fantástico y por el gran trabajo de los actores, merece la pena ver el film y lo he puntuado con un 7. Salir del camino trillado tiene su recompensa, a pesar de que quizá el metraje sea excesivo, la no linearidad no esté muy conseguida y los flashbacks sean algo confusos.
"En Alfred, Georgia, había un álamo temblón demasiado joven para llamarse árbol. Un retoño que apenas le llegaba a la cintura. El tipo de rama que uno cortaría para azotar a su caballo. El sonsonete asesino y el álamo temblón".
Llamaré a la no amada, amada.

Atlas, titulada The Mover en Gran Bretaña (en mi opinión el cambio de título no es acertado) es el primer film del director alemán de origen iraní David Nawrath y el primer gran film protagonizado por Rainer Bock, un actor de 60 años que hasta 2018 nunca había tenido una oportunidad parecida.
En primer lugar... ¿Por qué Atlas? El director recurre a la mitología griega, Atlas era un personaje condenado a cargar el cielo (Urano) sobre sus hombros de por vida. En una brillante metáfora y claro paralelismo Walter se ve obligado a trabajar en una empresa de desalojos de casas y edificios cargando muebles, enseres y electrodomésticos a sus espaldas, llevando además una fuerte carga psicológica y familiar que le pesa más que la otra.
Walter, nuestro Atlas contemporáneo es un antihéroe silencioso, introspectivo, taciturno, de pocas palabras y enfrentado a su pasado. Hay un magnífico contrapunto entre su vida privada, que es completamente hermética e impenetrable y su vida laboral, absolutamente falta de privacidad, entrando en casas ajenas y "visibilizando" intimidades ajenas.
El film es un thriller con apuntes sociales tangenciales. El cine europeo en general, el alemán en especial, está siempre más preocupado por temas controvertidos, por otras cuestiones además de la cuestión artística y/o el el entretenimiento. Veremos temas como deshaucios, desalojos, pobreza, inmigración, pero Nawrath está especialmente interesado, muy interesado diría yo, en uno en especial: La Gentrificación.
Gentrificación, anglicismo admitido por la RAE, es un proceso mediante el cual la población de un sector o barrio de una ciudad, en este caso europea, en este caso alemana, en este caso Frankfurt am Main, se ve desplazada del lugar donde han vivido décadas o años para favorecer el ingreso de otra con mayor poder adquisitivo. El proceso se hace de forma legal o ilegal, vemos en el film que los términos legalidad e ilegalidad más que antónimos en temas edilicios en ocasiones se convierten en sinónimos, tienen un permeable barniz diferenciador.
En Atlas la mafia que hostiga a los inquilinos para que desalojen sus casas es la mafia árabe: Compran propiedades con dinero sucio proveniente del tráfico de personas, prostitución, drogas y especialmente juego y las revenden por cuatro veces su valor recibiendo además dinero blanqueado.
Por último destacar la banda sonora, música discreta, minimalista, trabajada especialmente para el film, banda sonora en la que no se introducen seis u ocho canciones sin criterio cortadas abruptamente sino que, repito, está compuesta específicamente para la película.
Sin duda uno de los mejores trabajos de 2018. Mucho me temo que, por desgracia, pasará totalmente desapercibido.

Vi Consequences en el Medfilmfestival de Roma y la película me sorprendió por su realismo (cercana en ocasiones al neorealismo italiano), su fuerza, su honestidad, su enorme profundidad psicológica y el conocimiento absoluto de la situación de que hace gala el director esloveno Darko Stante.
Un joven de alrededor de 18 años enfrentado con la madre es enviado a un centro con otros chavales “problemáticos” donde las cosas, como suele ser habitual, no mejoran sino que empeoran notablemente.
Darko Stante trabaja en un centro de menores y en su tiempo libre dirige películas, creo que ésta es la segunda; por descontado sabe de qué está hablando, controla perfectamente la situación y sumerge al espectador en la trama. Trabajó durante meses buscando los chicos adecuados y al final adjudicó los papeles a jóvenes de clase media-alta que no tenían ni idea de correccionales, delincuencia o marginalidad. El resultado a nivel de actores es espectacular y todos realizan un trabajo extraordinario.
Consecuencias. Consecuencias de qué es lo primero que nos preguntamos, Consecuencias de nuestros actos, de los actos de los demás, de nuestra situación social, de la situación familiar, Consecuencias de ser internado en un correccional... Decía el propio Stante que en ocasiones este tipo de instituciones y centros están pensados más para las personas que trabajan allí que para los chavales.
El film refleja la psicología de una parte de la adolescencia y juventud de hoy en día: El vacío de la existencia, vidas vacías, necesidad de pertenencia sin razonamientos (pertenecer a una religión, ser seguidor de un equipo de fútbol, de un grupo político, etc.), el desinterés por ir más allá (tenemos un ejemplo en la música que escuchan, vacía de contenido, sin alma), etc.
Magistral Darko Stante al cambiar las relaciones y estereotipos familiares: Un padre débil y permisivo que es capaz de entender y aceptar en ocasiones a su hijo y una madre inflexible, dura, fría e intolerante. El descalabro vital del protagonista refleja las Consecuencias de la falta de amor, de calor familiar, de empatía...
Otros dos aspectos colaterales a tener en cuenta son la sexualidad y la violencia. La sexualidad porque la represión y el no reconocimiento tiene sus Consecuencias, el protagonista niega su homosexualidad y se niega a sí mismo; el segundo aspecto es el tema de la violencia que llevamos latente y que aflora, parece querer decirnos el director.
Primeros planos magistrales, profundos, expresivos; espacios claustrofóbicos y angustiosos; influencia del mejor neorealismo italiano, cercanía al documental, sinceridad y fuerza arrolladora.
Absolutamente recomendable.