Brillante película del realizador Louis Malle basada en un guión original en el que plasma muchos de sus recuerdos de niñez. Quizás su primera gran película, en la que parece liberarse de ese estilo artístico y algo forzado de sus primeras obras para rodar una película que ansiaba hacer desde sus inicios.
Esta tiene 2 parte bien diferenciadas. En la primera son los devaneos del adolescente protagonista que se inicia en la vida. Logra incrustar profundamente en el espectador la fascinación de la edad por las primeras experiencias en todos los órdenes, sean lúdicas, sexuales, culturales o meramente gamberras. Al tratarse de un joven pertrechado en hermanos mayores, holgada posición económica e inquietudes artísticas- quizás incluso demasiado elevadas para su corta vida- , uno hubiera deseado encarnarse en el adolescente que se nos presenta. Todo se nos cuenta de una manera franca y vivaz, lejos de nostalgias y sin afanes poéticos. Logra una impresión mucho más certera, y a uno se le clava en la memoria por mucho tiempo.
La segunda parte se inicia cuando el joven acude a un balneario con su madre. Aquí trasciende la mera adolescencia para coquetear con la madurez. Son los primero escarceos con la edad adulta, bien a través de un romance con una chica de su edad, bien a través de la relación que entabla con su madre, donde pasa de ser benjamín a confidente. El tratamiento es algo distinto, con un ritmo más reposado en el que se va cuajando el carácter del protagonista, y en el que el autor utiliza su exquisito tacto para narrar algo que en manos de casi cualquier otro Se hubiera convertido en un asunto zafio o perverso. Es su elegancia lo que redime esta segunda parte de la obra y que la hace encajar perfectamente con la primera.
Excelente película que uno goza plenamente durante su visionado y que recuerda durante mucho tiempo después, rara cualidad que poseen sólo algunas obras mayores.

Primera incursión de Visconti en el cine de alta cultura tras tres películas próximas al neorrealismo. Pasarían varios años más hasta la siguiente de tono similar, " El Gatopardo", y terminaría su carrera forjando ese estilo por el que hoy es más recordado gracias a obras como " Muerte en Venecia", " La caída de los dioses", o " El Inocente".
Lo que sucede es que a mí me gustan más sus películas modestas, a pesar de no ser tan propias del autor. Si hasta " El Extranjero" , rodada en 1.967, disfruté con todas ellas a excepción de " Senso", a partir de ese año tan solo lo hice con " El Gatopardo " y " Confidencias".
Esto se debe fundamentalmente a las mismas razones por las que no me entusiasma " Senso", a pesar de su prestigio. Trata sobre el exaltado amor que una aristócrata italiana casada y partidaria de la unificación siente por un teniente austriaco vividor, y todas las calamidades que ha de sufrir la dama por ello.
El argumento puede ser melodramático, pero el tratamiento de Visconti es totalmente operístico. Cierto es que el despliegue escenográfico es espectacular, riquísimo. No es simplemente un decorado, sino la recreación de un paisaje por alguien muy familiarizado con él. Tan solo Visconti, y si acaso Ophuls, hubieran podido ser capaces de plasmarlo con tanta brillantez.
Pero el resto es absolutamente excesivo. Y es que parece seguir más las leyes operísticas que las cinematográficas; probablemente esto se busque deliberadamente, pero a mi juicio no se obtienen buenos resultados.
Las cosas suceden porque así lo manda el narrador, no porque éste se preocupe de llevarnos hacia ellas. No hay ritmo como tal, sino un montón de clímax apenas seguidos de breves momentos que hacen las veces de recitativos en el género lírico. Y la interpretación de Alida Valli, desatada y efusiva, es más propia del teatro o del cine mudo que de 1.954. En cuanto a Farley Granger, casi se agradece que no tenga capacidad de expresión, pero no tiene la presencia seductora que requiere su personaje. La música de Bruckner tiene una gran fuerza romántica, pero más que ayudar al desarrollo de la película contribuye a ahogarla.
En definitiva, espectáculo grandilocuente, casi de guiñol, de colosales sentimientos en apariencia, pero que examinados en profundidad están construidos con una gran simpleza.
De no ser por su puesta en escena, no sería superior a los melodramas de época que solía interpretar Martine Carol en Francia y que tan criticados fueron por los autores de la " Nouvelle Vague".
Muy distinta de " Rocco y sus hermanos", muy inferior a " El Gatopardo".

Una de las más prestigiosas películas de Claude Chabrol de la que posteriormente se haría un buen remake norteamericano con Richard Gere.
Trata sobre la infidelidad de una mujer casada y las trágicas consecuencias que produce en un entrañable entorno familiar.
Esto es lo más sobresaliente de la película. Cómo en un ambiente idílico- especialmente a los ojos del marido- con una mujer de la que está enamorado y se recrea en ello, con un hijo pequeño idóneo y una casa bucólica donde puede disfrutar plenamente de ambos, esa traición voltea totalmente sus vidas y su armonía se hace añicos.
No es la trama de suspense lo que interesa; tampoco las razones que conducen a la mujer al adulterio. Es la destrucción de un entorno perfecto.
Este tratamiento es lo que la convierte en una película singular. La descripción de la familia burguesa, con un ritmo relajado que se adecúa perfectamente a lo que quiere contar, y que camina lánguida e inexorablemente a la tragedia, está hecha con un estilo inimitable. Quizás por ser Chabrol un burgués y no renegar de ello, sabe retratarlos con las dosis justas de crítica y reconocimiento al mismo tiempo.
Junto con ello, hay algo soterrado en la película que anuncia que algo inquietante va a suceder. Esto también sucedía en El Carnicero, película de la misma época del director, y que contribuye a agarrar aún más la atención del espectador . No utiliza los efectos típicos de otras películas, sino que gravita de una manera mucho más invisible y virtuosa.
Experta. Muy buena.

Elia Kazan se embarca en una película de colosales aspiraciones y sin llegar a la excelencia buscada consigue una película notable. El guión viene del poderoso hombre de cine Budd Shulberg, el mismo que poco antes había firmado La Ley del Silencio, y cuenta la historia de un vagabundo que llegará a convertirse en ídolo mediático a base de consignas demagógicas.
Todo lo de hoy ya estaba en esta película de 1.957: la televisión omnipresente- era el momento de su irrupción- el bombardeo publicitario, el slogan simple y directo, el nombre que hace las veces de marca comercial ( Lonesome Rhodes), las audiencias, la necesariedad de iconos …A decir verdad, recursos que, por focalizarlos en Estados Unidos tan bien supo manejar ya hace tiempo un Teddy Roosvelt, o un JFK, magnífico producto de época. Como ejemplos más palmarios de la nuestra tenemos los cómicos y eficaces Zp o “ Yes, we can” . Y hace unas horas acabo de enterarme de la galáctica idea de Mr 12.
La narración de la película sigue un camino muy claro: Tras un pasaje de hipnosis el demagogo escala un peldaño más en su ascenso. Comienza en la cárcel, y con una canción sureña que cautiva a la audiencia pasa a la televisión, donde en un anuncio publicitario casi rodado a manera de “ cartoon”, embauca nuevamente, y dueño ya de su propio programa, se dedica a impartir unas reflexiones tan primarias que casualmente coinciden con las del hombre de la calle. Cuajado ya como líder de opinión, ese hombre llano es capaz de amaestrar masas humanas. Lo importante no es que su mensaje tenga contenido- cuanto menos tenga, mejor- , sino que sea pegadizo y se clave a las memorias.
Kazan lo cuenta de manera hiperbólica, algo que puede restar credibilidad a la película a cambio de otorgarle mayor espectacularidad. Las intenciones y engaños del demagogo son demasiado evidentes, la credulidad de la sociedad demasiado inocente. Creo que es un efecto buscado por el autor que quiere hacer aún más imbéciles a sus fieles. Además, persigue esa histeria emocional, esa catarsis trágica que corre por toda su filmografía. A algunos les puede parecer chillón o desmesurado, pero los clímax de “Al este el Edén” o “ La Ley del Silencio” tienen el mismo patrón. Por otra parte, la propia historia que nos cuenta exige un formato circense, un verdadero despliegue escenográfico. No es cine intimista, es puro show business.
Esta narración principal se combina con la atracción que siente Patricia Neal por el protagonista, algo así como la admiración que siente la mujer sedente por el hombre de acción. Ella sabe que es perverso, rudo y sin instrucción…pero se ensimisma con la fuerza de ese bárbaro. Debería repugnarle, pero se siente incapaz de hacerle frente.
( SIGUE EN SPOILER SIN DESVELAR ARGUMENTO)

La película empieza bien: Un hombre ajeno al mundo deambula por un paraje desértico de Estados Unidos. No habla con nadie, vive en su incomunicación. De inmediato, uno se pregunta qué es lo que puede haber sucedido para que haya llegado a ese estado.
Esa incertidumbre inicial se va desvaneciendo - que no resolviendo- y lo que queda es el reencuentro de un hombre con su mujer y su hijo.
Con esta pobre aramazón argumental se levantan dos horas y media de película verdaderamente fatigosas de soportar, como casi todas las películas de este autor, uno de los más tediosos que conozco. Algunas buenas ideas, incluso un puñado de planos muy sugerentes no justifican una película.
Y no obstante, se trata de una obra mítica que he tenido que ver por segunda vez para asegurarme de mi impresión inicial. Creo que se debe a un conjunto de factores muy diversos, pero que haciendo fuerza todos juntos han elevado la película a alturas exageradas. Los planos de carreteras infinitas y desoladas, las gasolineras y moteles que las van salpicando, la inmensidad de un paisaje muy bien fotogrado en crepusculares atardeceres y luces de neón. Es evidente la influencia del western en Wenders, admirador del cine norteamericano y hacedor de otro muy diferente. Además, la banda sonora de Ry Cooder, que casa perfectamente bien con la película. También Natassja Kinski, muy sensual. Y la firma de Wenders, un intelectual europeo con el que resulta muy recomendable fascinarse con sus trabajos. A decir verdad, son los propios norteamericanos los primeros entusiasmados con cualquier visión que muestre un europeo de su país, especialmente si la misma es mordaz o despectiva.
Lo dicho, virtudes tiene. Y añadiría además cierta humildad en su confección, propia de una época en que Wenders, aunque seguro de sí, carecía todavía de la arrogancia para realizar fiascos tan colosales como " Cielo sobre Berlín".
Por estas razones la considero una película con algunos buenos detalles y bastante pesada, sin duda la obra maestra absoluta de Wenders.