Todas las críticas que leo de "Kaijû no kodomo" ensalzan la belleza de sus imágenes, para aclarar después que no han entendido nada pero que es muy poética. Toma ya.

Es una colección de superficialidades disfrazadas de mensaje profundo, pero resulta más epidérmica que una calcamonía. Empezamos con una niña proveniente de una familia desestructurada que tiene problemas de agresividad en el colegio, pero eso lo vamos a dejar de lado y no volver a hablar nunca más de ello. Bueno, quizás se arregle solo por arte de birlibirloque, pero no se sabe ni, aparentemente, importa.

Después, todo el mundo con cierto peso en el filme va a ser anoréxico y adicto a la cirugía estética, al margen de la edad que tengan. Rinoplastia, queiloplastia, blefaroplastia, liposucción... de todo. Y todos van a hablar con frases cortas sacadas de galletas de la suerte o de calendarios, pretendiendo ser profundísimos: "el universo es como el mar", "el bien y el mal son como el agua y el cielo", "todo está contenido en la palma de tu mano", etc.

El tema de fondo es la panespermia, pero desde una perspectiva New Age pseudo-religiosa terriblemente vacía, como se constata cada vez que alguno de los personajes trata de explicar algo (lo que ocurre demasiado a menudo; si ya está claro, no lo repitáis: panespermia, ciclo sin fin, la canción del principio de "The Lion King").

Si te tomas un tripi después de leerte un Muy Interesante y de haber ido al acuario, muy probablemente te salgan esas imágenes tan hermosas de las que hablan las demás críticas. Ojo: hermosas las de fauna marina (preciosas, es cierto), porque las de humanos son horrorosas, todos tan operados y desnutridos (hay que ver despacio al niño rubito, a la madre alcohólica o a ese becario andrógino que no se debería quedar a solas con menores jamás y que tiene unas pestañas mutantes que ni Liz Taylor). Tratando de compensar hay una vieja dentona tanoréxica, pero no compensa nada.

Para colmo, la trama es de lo más inconexa y deslabazada, por lo que es fácil perder interés (además de que los protagonistas tienden a ser insoportables). Deseando hora y media que se acabara, cuando lo hace resulta que tras los créditos queda un epílogo que casi es mejor saltarse. En realidad, es mejor saltarse la película entera.

En "Tiempos modernos" Chaplin explora la alienación que el hombre sufre en los tiempos que dan título a la película, en los que el hombre forma parte de una gigantesca máquina en la que no es sino un engranaje más –como puede comprobarse, literalmente, al inicio de la película-.

La película comienza con una crítica al papel que desempeña el hombre corriente en la sociedad: tras un plano en el que se ven pasar ovejas, se pasa a otro en que se ven trabajadores que salen del metro para llegar a sus trabajos. No sólo el hombre se ha convertido en un engranaje prescindible de una maquinaria que le supera, sino que es también un elemento más del rebaño que hace lo que el pastor –los líderes- quiere, y se mueve sin plantearse dónde va su vida.

Hay una crítica fuerte a la sociedad capitalista que sólo busca la producción al margen del bienestar del trabajador, llegando a plantearse utilizar máquinas que den a éste de comer para minimizar el tiempo empleado en las pausas; sociedad en la que el individuo desarrolla una parte mínima del trabajo, dividido hasta la náusea para aumentar la productividad, con lo que el trabajador queda alienado y llega, como en el caso de nuestro protagonista, a enloquecer: obligado a repetir el único acto de apretar tuercas, termina con espasmos y la compulsión de apretar todo lo que se pueda parecer a una tuerca.

Las críticas continúan: la constante vigilancia del trabajador para evitar que se escaquee, incluso en los baños; el burocratizado sistema de orfanatos, que ya había tratado Chaplin en "El chico" (1921), el miedo a la libertad, plasmado en que el protagonista no quiere salir de prisión, pues está mucho más seguro y a gusto; las medidas draconianas llevadas a cabo por la policía, que es capaz de detener a una chiquilla hambrienta por robar una barra de pan.

Chaplin utilizó todos los medios a su alcance para elaborar su crítica. Así, aunque se trata de un largometraje esencialmente mudo, la posibilidad del cine sonoro ya existía desde "El cantor de jazz" (1927); el recurso al sonido es utilizado en la película con una clara intención crítica: sólo se escuchan voces habladas cuando éstas provienen de aparatos mecánicos, en un símbolo de la deshumanización de la tecnología: la voz del presidente de la fábrica cuando habla a través de las pantallas, la voz grabada en un disco del vendedor de aparatos para alimentar al trabajador o la voz del locutor en la radio de la prisión .

Las acusadas diferencias entre pobres y ricos o la persecución de las ideologías discrepantes son sólo algunas otras de las críticas que en esta película Chaplin hace al capitalismo imperante en los Estados Unidos posteriores al "crack" del 29, lo que le valió ser acusado de comunista por el Comité de Actividades Antiamericanas. Aunque él negó estos cargos siempre, la presión a la que se vio sometido terminó haciendo que se exiliara en Suiza.

Muy interesante película de animación de Bruno Bozzetto, director conocido sobre todo por el largometraje "Allegro non troppo" y por su personaje Mister Rossi. En esta película, también conocida en España como "El bueno, el malo, el feo y el horrible", el animador milanés hace su particular homenaje (y sátira) al cine del oeste, en concreto al de su compatriota Sergio Leone, con ecos de todos los tópicos de este género.
El cine dirigido por Bozzetto es siempre altamente recomendable, ya que dignifica la animación, alejándola del encorsetamiento al que ha sido sometida tradicionalmente. "West & Soda" se puede disfrutar a muchos niveles, desde la historia básica que gustará sin mayores pretensiones hasta la reflexión metafílmica que satisfará a los cinéfilos. Siempre con el estilo característico de este autor.

La historia de "Flatworld" es divertida y entretenida, quizás un tanto lenta en ocasiones; sin embargo, lo que hace que merezca la pena verla es la nueva realidad que desarrolla. Expliquémoslo.

El segundo corto animado de Greaves tras su debut (merecedor de un Oscar en 1991) es una explosión de imaginación que cristaliza en un entorno tridimensional en el que tanto los objetos como los sujetos son, de hecho, bidimensionales y están formados a partir de material de papelería. El resultado es un mundo plano ("Flatworld"), coherente y consistente; en el que la gente puede deslizarse a traves de ranuras estrechísimas, en el que uno se libra de un perro que le persigue simplemente arrugándolo, en el que la barba no se afeita sino que se borra con una goma, los policías disparan grapas en lugar de balas y las heridas se curan con celo.

Rizando el rizo, Greaves hace que su mundo plano se encuentre con el mundo bidimensional tradicional de los dibujos animados, resaltando así las diferencias entre ambos.

Estamos ante una película dirigida fundamentalmente a dos sectores: el infantil, de una parte, y el nostálgico, de otra. El primer sector quedará complacido, seguramente, por el papel dominante de un niño frente a los adultos; por las aventuras, los personajes grotescos y las risas.

Por su parte, el sector nostálgico (que muy bien puede estar formado por los padres del primer sector) se encontrará con el que es, a juicio del que escribe, el mejor traslado de dibujos animados a actores de carne y hueso. La encargada del casting, a la sazón Daniela Tolkien, se merece cuantos elogios puedan dársele. Cualquiera de los nostálgicos que recuerde la serie original quedará ampliamente satisfecho con el parecido de los actores.

Por supuesto, también es digno de elogio el trabajo de maquilladores, de responsables de vestuario y decorados, y de técnicos de efectos especiales, artífices asimismo del exitoso traslado de los dibujos a la fotografía. Alzo mi cuerno rebosante de hidromiel por todos ellos.