Fotografía y banda sonora espectaculares; interpretaciones excelentes; diálogos (los justos) sencillos y consistentes. Que no se espanten los ateos si se enteran de que trata sobre las misiones Jesuitas en las selvas sudamericanas: no se exprime el tema de la religiosidad. Aunque sí que ensalza la fe. No la fe en seres sobrenaturales, sino la fe en el ser humano... en algunos seres humanos. Reacciones opuestas ante un problema común: la modestia frente a la soberbia, la obediencia y la desobediencia, “esperanzada” pasividad y acción desesperada, la integridad vista desde dos prismas distintos... Denuncia la hipocresía y las ansias de poder de la Iglesia y reivindica la nobleza de lo único valioso que ha dado el cristianismo: la sincera caridad de determinados creyentes.
Los mejores diálogos se atesoran, sin duda, en la parte en que “Su prepotente Eminencia” habla con los guaraníes de la misión de San Carlos, con el Padre Gabriel (Jeremy Irons) de intérprete, como si fueran niños de teta, y estos, con sus lúcidas inquisiciones, lo dejan a la altura del betún. La escena en la que el arrepentido Rodrigo llega, por fin, a la cima de la catarata es, para mí, una de la más emotivas de la Historia del Cine, casi equiparable al final de Luces de la Ciudad. Por esto (y por los increíbles paisajes) vale la pena “aguantar” la larga y silenciosa ascensión por la catarata que la precede y que muchos tachan de lenta y aburrida. Es increíble cómo, sin palabras, pues tan sólo hablan los guaraníes en su idioma y sin subtítulos, se puede comunicar tanto... Esta es la oportunidad de disfrutar de los mejores instantes que nos ha regalado Robert de Niro en toda su trayectoria.

- Dicen que se equivocaron al confiar en nosotros, que van a luchar.
- ¡Entonces tiene que convencerles de que no luchen!
- No he podido ni convenceros de que luchéis por ellos...

Considero A pleno sol como un notable thriller francés de fácil visionado y más o menos logrado suspense. Pero, sin duda y puestos a escoger, me quedo con el maravilloso trabajo que realiza Minghella en El talento de Mr. Ripley, su delicada y a la vez contundente adaptación de la novela de Patricia Highsmith.
Esta elección se debe, entre otras cosas, a que el desarrollo en la primera versión me pareció bastante deficiente (e incluso aburrido en determinadas secuencias de las rodadas en el mar, por ejemplo) en comparación a la segunda. Y eso por no hablar del abismo que separa en calidad y resolución los respectivos desenlaces de las dos obras. Pero lo que no deja de sorprenderme es la cuestión de la tan criticada construcción del personaje central en el caso de Minghella pues, contrariamente a la opinión mayoritaria, opino que el protagonista plano, previsible y estereotipado que nos dejaba la adaptación francesa, se ha visto enormemente enriquecido de matices, trasfondo, humanidad y verosimilitud gracias al film que en esta ocasión nos ocupa.
En A pleno sol se nos ofrecía un Ripley (Alain Delon) amoral, tosco, trepa y muy seguro de sí mismo, capaz de hacer cualquier cosa con tal de ver satisfechos sus caprichos materiales, sin mostrar remordimiento alguno por ello. Se trataba de un personaje deliberadamente manipulador y codicioso, pero no tan convincente y bastante menos complejo e interesante que el talentoso Ripley que casi cuatro décadas después nos regalaría Matt Damon, en el más cuidado retrato cinematográfico de la mitomanía que jamás hayan contemplado mis ojos.
En El talento de Mr. Ripley, el protagonista es un chico sensible, frágil, refinado, aficionado a la música, extremadamente inteligente y no menos temerario. Un ser acomplejado por un origen humilde, que no ansía otra cosa que el reconocimiento social que lleva consigo la posesión de una cuenta bancaria dilatada. Con una mentira aparentemente inofensiva y la suerte de su lado, emprende unas vacaciones pagadas a Italia, donde se dejará cautivar por los placeres de la vida fácil, las juergas costeras, el recorrido de las más elitistas rutas marítimas, y ante todo, por la compañía de dos niños ricos a los que idolatrará y entre los que acabará sintiéndose integrado.

(Continúa en spoiler por problemas de espacio, sin destripar el argumento con datos significativos)

Esos primeros planos del amigo Curry no se me han olvidado en unos 13 o 14 años, desde que la vi por primera y última vez. En todo ese tiempo el muy monopolizador se coló es todas y cada una de mis pesadillas hasta, más o menos, el ascenso a la fama de la Pantoja de Puertorico (que, por cierto, se le da un aire).
IT es Tim Curry. Del argumento, la verdad, no me acuerdo. Pero las escenas con monstruo eran de 10. La ambientación en las secuencias surrealistas da escalofríos, hipnotiza. Por ejemplo, ese parque de atracciones, con su musiquita de feria americana de los años 30 y desfile diabólico incluido…. ¡Buahh! Y qué bajón después en el Aladino de las fiestas del pueblo, con el “mami qué será lo que quiere el negro” de fondo…

Terrorífica.

Adoro el cine coreano y este descubrimiento se lo debo a Filmaffinity porque tras más de un año siguiendo los top ten de mis almas gemelas y descubriendo un diamante de vez en cuando por cada 15 truños y 4 o 5 películas interesantes, entretenidas, pero poco o nada innovadoras, desde hace unos meses, probablemente a partir de Old Boy, he empezado a confiar en mi intuición y también en los sabios consejos de mi listado de amigos. Parece que empiezo a ver la luz...

The Host era la prueba de fuego. Película con monstruo, nada más y nada menos. Hacía ya tiempo que venía ignorando producciones del tipo Gozilla, King Kong y demás. Jamás he visto Tiburón entera. Este tipo de historias nunca me han atraído, como tampoco los grandes efectos especiales de última generación. Esta tenía, además, un handicap añadido, al menos según mis prejuicios: se trataba de la primera película coreana estrenada en las conformistas multisalas del centro comercial de mi pequeña ciudad, cuya inauguración, hará ya unos 5 o 6 años, acarreó el cese de las proyecciones de las que tan discreta pero dignamente se habían encargado hasta entonces y con merecida exclusividad dos de las salas de teatro más envidiadas de la escena valenciana. Y a pesar de que desde entonces mis visitas casi semanales al cine se habían reducido a 1 o 2 por trimestre y de mis recelos, estaba dispuesta a subir esas 4 escaleras mecánicas e incluso tragarme los 14 trailers y las amenazas del tipo “Ahora la ley actúa” de rigor. Pero para entonces, misteriosamente ya había desaparecido de la cartelera. No se cuánto tiempo duró, si acaso una semana o puede que ni eso. Lejos de decepcionarme, este hecho me hizo esbozar una sonrisa de complacencia: para bien o para mal, The Host no era plato de gusto para todos los paladares. El famoso 5,8 no hacía sino confirmar estas sospechas. Así que preparé el camino visionando Memories of Murder y me dispuse a conseguir una copia de The Host por esos medios, para muchos poco ortodoxos, de cuya utilidad - reconozco sin atisbo de arrepentimiento- jamás me he privado...

Como solía decir aquel maestro de instituto, el de filosofía, lo que nos atrae y complace es la reproducción de los esquemas que podemos reconocer, que recordamos. Como esa canción del verano compuesta invariablemente de estrofa-estribillo-estrofa-estribillo (bis), que se renueva cada año ligeramente modificada. Y lo que se sale de estos esquemas, lo que no podemos reconocer y no se ajusta a nuestros arraigados patrones nos desconcierta, nos perturba, nos molesta y finalmente nos desagrada. Nos sentimos timados.

[Por problemas de espacio, la crítica continúa en el spoiler, pero sin revelar datos sobre el argumento]

No sé qué impresiones pueda producir en aquel que la vea por primera vez en edad adulta porque mi hermano mayor la ponía cada dos por tres cuando yo era un renacuajo y le guardo un cariño enorme.
El cuento también lo leí en el colegio y lo recuerdo muy vagamente pero seguro que la ironía, la profundidad y la crítica político-social se pierden ligeramente en esta adaptación, como bien puede ser lógico, pero a cambio ganamos una estética visual como mínimo notable (por ejemplo, lo de las palomas dibujadas – digamos… a lo cutre – sosteniendo a un niño real no lo cambiaría ni por los elfos y dragones más “realistas” que ofrecen las más avanzadas tecnologías de la era digital).
La música es preciosa… yo es escuchar el tema principal o el de “Oh little prince! Don’t take your smile away from me” y rara es la vez en que no se me escapa algún sollozo. Brillante también el del zorro, fabulosamente interpretado por Gene Wilder. Y qué decir de la aparición de la serpiente (encarnada por Bob Fosse, reputadísimo y archipremiado coreógrafo noruego-americano), que es un individuo vestido de mafioso siciliano, envidia de cualquier imitador de Michael Jackson, que vive enroscado en la rama de un árbol y por las tardes se dedica a hacer “moonwalks” sobre la arena, en medio de un desierto. Es uno de los momentos más surrealistas de la película, que no son pocos.
La vuelvo a ver al cabo de los años y no encuentro ningún motivo que pueda justificar el modo en que se ha visto ignorada… me temo que mucho habrá tenido que ver el voraz maltrato al que se vio sometida por Hollywood en su momento y su consecuente fracaso comercial.
Si por lo que sea os la encontráis, que desgraciadamente lo dudo mucho, no dejéis pasar la oportunidad de verla. Y si puede ser con vuestros hijos, nietos, sobrinos o hermanos pequeños, mejor. Que reflexionen un rato y vean algo diferente a la basura a la que están acostumbrados. Son niños, no autómatas: si se les da la oportunidad, seguro que sabrán apreciarlo.