El cine de Robert Guediguian nunca ha sido tan torpe. El director francés prescinde del realismo social con el que solía retratar a sus personajes de clase media, y lo sustituye por ciertos toques de realismo mágico que no hechizarían al más creyente.

En el día de su cumpleaños, Ariane se encuentra sola: su marido está de viaje de negocios, sus hijos han tenido un imprevisto que les impide estar con ella, y sus amigos se limitan a enviarle ramos de flores. A raíz de esta situación, emprende un viaje que le lleva a conocer varios personajes con los que vivirá un sin fín de situaciones sin el menor interés y sin ningún tipo de propósito argumental.

El excelente reparto, en el que destaca la siempre encantadora Ariane Ascaride, no compensa la superficialidad de los personajes, el torpe desarrollo narrativo del film, y su escandaloso desenlace. En los tiempos que corren de metrajes excesivos, la buena noticia es que 'El Cumpleaños de Ariane' no rebasa los 100 minutos.

Hay dos maneras de ver 'Y de repente tú': 1) conociendo la filmografía de su director, o 2) no habiendo disfrutado previamente de joyas como 'Virgen a los 40', 'Lío Embarazoso', o 'Hazme Reír'. De acuerdo, no deberíamos enjuiciar ninguna película en función de los trabajos anteriores de su máximo responsable, pero cuando se trata de Judd Apatow, revitalizador oficial de la comedia americana del S. XXI, la comparación no sólo es inevitable sino totalmente justificada.

La primera pregunta que surge al concluir su visionado es: ¿estamos ante un producto de la famosa factoría Apatow, o se trata de un vehículo hecho a medida de Amy Schumer, protagonista femenina y autora en solitario de su guión? Y es que la personalidad de la creadora, y alma mater, de 'Inside Amy Schumer' se percibe en cada plano de 'Y de repente tú', circunstancia que puede ser considerada positiva o negativa según seas capaz de digerir su egocentrismo.

Para comprender las intenciones de este film, convendría prestar especial atención a la brillante secuencia inicial, en la que el padre de Amy y Kim (una encantadora Brie Larson, que exige insistentemente un papel a la altura de su enorme talento) comunica a sus hijas la separación del matrimonio. Disponiendo de esta información, podríamos interpretar el personaje de Amy, devoradora de hombres y sentimentalmente incapacitada para mantener una relación estable, como la consecuencia inevitable de un trauma infantil, y el amor que encuentra accidentalmente en Aaron (Bill Hader), como el único antídoto posible para hacerlo desaparecer.

Por lo tanto, la película transgresora a la que asistimos durante la primera mitad del metraje, se convierte en una muestra más del conservadurismo 'made in Apatow'. A medida que transcurren los minutos, la figura de Schumer pierde peso en favor de Bill Hader, y el torpe discurso inicial sobre la liberación sexual de la mujer es anulado automáticamente por una serie de lecciones de moralidad que llaman la atención por su falta de sutileza. Pasamos de un extremo de la balanza al opuesto, sin apenas solución de continuidad y enarbolando desvergonzadamente la bandera del maniqueísmo más insultante.

Sibilinamente, el director alecciona al espectador sobre los objetivos que debería perseguir para ser considerado una persona "normal". Por un lado, muestra el destino final: una familia con hijos, representada por la hermana de Amy, su marido, y un hijo del anterior matrimonio de éste (Apatow intenta disimular, pero se le ve el plumero). Al mismo tiempo, establece el itinerario ideal para alcanzar su concepto de la felicidad: encontrar una pareja estable, consolidar la relación, y plantearse un futuro juntos.

Una vez rebasada la primera media hora de metraje, el factor sorpresa hace mutis por el foro y vamos tropezando con el abc de la dramedia romántica. En ocasiones, la experiencia es acompañada por excelentes líneas de diálogo y situaciones relativamente originales. Sin embargo, durante la mayor parte del tiempo la rutina se apodera del desarrollo de los acontecimientos.

No estamos ante una mala película, simplemente ante un largometraje que aspiraba a ser diferente y se ha quedado anclado en el habitual conformismo hollywoodiense. A una película de Judd Apatow deberíamos pedirle mucho más que la confirmación de Bill Hader como una de los grandes figuras de la comedia americana moderna, la presencia de una hilarante Tilda Swinton, y la insospechada vis cómica de Lebron James. Quizás esta alianza con Amy Schumer (media película para ti, media película para mi) haya desviado parcialmente al director de su interesante trayectoria, pero siempre hay tiempo para rectificar.

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Por lo general, el Gran Premio del Jurado de Sundance suele ser garantía de buen cine, o al menos, de cine diferente. No es el caso de la segunda película de Alfonso Gómez-Rejón.

La frescura y originalidad de su primera media hora desaparecen en favor de la autocomplacencia del director, más preocupado en demostrar sus vastos conocimientos cinematográficos que en desarrollar la interesante premisa de ‘Yo, Él, y Raquel': Rachel es una adolescente que padece leucemia, y Gregg es un compañero de clase cuya madre le obliga a pasar tiempo con ella.

Según transcurren los minutos, descubrimos que el virtuosismo formal intenta ocultar la ausencia de un guión sólido, que incluso se permite el lujo de engañar al espectador y redundar en ideas que se agotan al primer manejo.

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Michael Franco no decepciona con su tercer largometraje, una propuesta tan atrevida desde el punto de vista temático como en su apuesta formal. Predominan los planos largos y la ausencia de movimientos de cámara, aspectos que exigen la monumental interpretación de un Tim Roth de premio.

No hay momentos para los excesos ni para los virtuosismos en esta historia cruda y desasosegaste sobre la vida de un enfermero especializado en pacientes terminales. El director mejicano reflexiona sobre la necesidad de redención de un personaje atormentado con su pasado, y el derecho a la muerte digna de aquellos que han perdido las ganas de luchar.

No sorprende que el guión de Franco se alzara con el premio en el Festival de Cine de Cannes 2015, habida cuenta de las numerosas e interesantes lecturas que contienen sus situaciones, la aplastante coherencia de su estructura (atención a un desenlace necesario), y su capacidad de conmover sin recurrir a la lágrima fácil.

Tampoco conviene perder de vista su homenaje implícito a una profesión tan maltratada por la opinión pública como la de los enfermeros.

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Desde primera hora de la mañana se respiraba en San Sebastián una expectación especial ante el nuevo trabajo de Alex de la Iglesia. Nuevamente, la producción de Cerezo garantizaba un aspecto deslumbrante, pero quedaba la duda de si nos íbamos a encontrar ante la versión más caótica del director o ante su lado más controlado. Y la verdad es que ‘Mi Gran Noche’ no alcanza los niveles de locura de ‘Las Brujas de Zugarramurdi’, pero tampoco recupera la clarividencia de ‘La Comunidad’. Estamos ante un magnífico entretenimiento, cuya mayor virtud es su ritmo frenético y una excelente dirección de actores. Raphael se ríe de sí mismo hasta límites insospechados, siguiendo las órdenes de la sabía batuta del director, que orquesta una batería de secuencias inolvidables para el lucimiento personal del cantante. Alex de la Iglesia se desentiende de la coherencia y la cohesión de su guión, y se entrega a los códigos de la comedia de enredo, en nombre del “todo vale”. Afortunadamente, el director construye un buen número de personajes que desbordan carisma y aprovechan sus líneas de diálogo. Especial atención a los números musicales, que hacen preguntarse por qué el director no se encarga de las galas de entrega de los Premios Goya.

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