En el especial de Navidad 2016 José Mota ha demostrado una vez más saber hacernos disfrutar y reírnos de la sociedad y de nosotros mismos.
La razón por la que valoro esta producción con un voto alto es en parte para paliar las malas puntuaciones que le han dado determinados usuarios (en realidad creo que el programa merecería al menos entre un 6,1 o un 6,3 de media, no un 5,4) que creo que no reflejan la calidad del humor y el indudable esfuerzo que Mota ha puesto en este programa (para aquellos que me cojáis la referencia: "alguien ha hecho algo en algún sitio") en el que ha huido de personajes típicos como Blasa o el Tío la Vara para deleitarnos con una trama mucho más original que hilaba mejor que ningún otro especial los diversos sketches, traía a viejos colaboradores y en la que demostraba no solo sus indudables dotes de imitación, sino también su habilidad para romper la cuarta pared y reírse de sí mismo de manera efectiva, lo cual tiene cierta complejidad. La caracterización ha sido excelente y ha logrado sacar los tonos de voz de cada personaje a la perfección. Ideas como la de Trumpmanía, el uso de la sátira presente en las tres tramas paralelas o la doble ironía derivada del juego de las imitaciones han aportado un matiz muy interesante el programa, por no hablar de la letra de la canción que parodia el Brexit... ¡La pena que no hubiera durado media horita más, que podía haberse hecho con facilidad! Si bien hay escenas cuyo potencial no ha sido aprovechado al 100%, el final del show no es perfecto y hay sketches que podían haber sido mucho más graciosos empleando juegos de palabras, "And the andarán" es el mejor especial de Fin de Año de Mota desde "Seven". En él, Mota mezcla un humor basado principalmente en la actualidad pero con cierta universalidad que hace que sea un espectáculo memorable, y nos hace ver que, en España, pese a que a veces no podamos ponernos de acuerdo en las cuestiones más básicas, quizás no estamos tan mal como pensamos.
¡Feliz 2017 a todos!

Observación a los lectores: ¡Gracias por haberos detenido a leer esta crítica! Ya en varias ocasiones he comentado un aspecto que me preocupa. Al final de cada crítica, FilmAffinity pregunta a los usuarios si han encontrado la crítica útil o no. Recuerdo este detalle porque en muchos casos no puedo evitar pensar que a veces se pueden proyectar las polaridades de acuerdo o desacuerdo con el contenido de la crítica y confundirse con su utilidad. Lo que verdaderamente importa no son nuestras discrepancias o puntos de sintonía. ¿Les ha ayudado esta crítica a decidir qué película quieren ver? Absténganse, por favor, de evaluarla en función de cualquier consideración que no tenga que ver con su utilidad, incluido si les resulta divertida, repugnante... Si hay usuarios que pueden estar de acuerdo con mi valoración pero que consideran que mis comentarios no son útiles o vice versa, por favor, puntúen la crítica exclusivamente acorde con su grado de utilidad. Tras esta observación, pasamos a nuestra crítica.

Crítica a parte de la primera temporada:

He pasado ya varios episodios en este mundo de fantasía y siento decir que el resultado es bastante mejorable. Esta serie ofrece paisajes bonitos y buenos efectos especiales, pero no termina de despegar acorde con sus ambiciones. El principal problema, a mi juicio, tiene que ver con los personajes y la trama. La serie está planteada para adaptar la historia de las novelas a quienes no las hayan leído y este objetivo se cumple de manera razonable. El curso de la trama se puede seguir sin mucho conocimiento de la mitología fantástica. El problema es que, en el proceso, el argumento recurre a tópicos y convenciones genéricas, que demuestran escasez de creatividad. Varios episodios sufren de incoherencias a lo largo de su desarrollo. Algo parecido sucede con el segundo elemento del que quería hablar: la caracterización de los personajes. Los protagonistas no terminan de cuajar. Pese a algunos esfuerzos en darles profundidad y de hacer que interactúen juntos, en general se quedan bastante planos y sus motivaciones no están completamente claras. En consecuencia, resulta difícil para el espectador empatizar con ellos y sentirse emocionalmente implicado en las aventuras que viven. Ninguno resulta querible y es incluso complicado diferenciarlos, psicológicamente hablando. Simplemente, siento que ninguno de estos personajes me importa un comino. A esto se le suma que los actores tampoco realizan ninguna interpretación especialmente notable. Creo que nadie hace un mal trabajo, pero nadie llama la atención tampoco. Estos dos factores juegan en detrimento de la serie. Por ejemplo, el primer episodio contiene una larga secuencia de combate que es visualmente muy llamativa. Sin embargo, (con una única salvedad que no voy a desvelar) carece de un valor narrativo sólido, lo cual lleva al espectador a desconectar y perder la atención a medida que aumenta el despliegue de efectos especiales. Quizás la excepción en este sentido sea el personaje que interpreta Rosamund Pike (la MVP de la serie), que me resulta el más interesante y siento curiosidad por ver cómo progresa.

A pesar de estos problemas de planteamiento, como digo, visualmente la serie está lograda. Las secuencias de visiones, por ejemplo, aunque breves, captan mi atención y me mantienen intrigado por ver qué podría suceder en el futuro. El villano, al menos por el momento, no me impresiona demasiado, pero puede ser que me sorprenda a medida que la serie prosiga. Todo dependerá de lo que tengan planeado y puedo dar voto de confianza.

En resumen, aunque a ratos entretenida, 'La Rueda del Tiempo', desgraciadamente, no termina de encontrar su voz a nivel creativo y es una serie pasable, al menos por ahora. Evidentemente no es lo peor que se puede ver en la tele, especialmente si la finalidad consiste en matar el tiempo de forma distendida y sin mucho pensar. No tiene malos ingredientes, pero no puedo evitar tener sentimientos encontrados hacia ella, y ojalá me gustase más. Dicho esto, espero que su ejecución y desarrollo mejoren próximamente y que, a medida que avance, el resultado final resulte más satisfactorio. De ser así, estaré encantado de revisar mi valoración, pero por el momento es un...

Nota: 5.3 / 10

En su primer minuto, el atmosférico thriller 'A Haunting in Venice' nos mete por calles vacías. La lluvia cae sobre Venecia. Hace frío. Mientras suena una música inquietante, las palomas blancas revolotean de un lado a otro hasta que un cuervo negro sale de la nada y rápidamente se abalanza sobre ellas. En ese momento, Hercule Poirot se despierta sobresaltado y sudoroso. Retirado y cansado de la monotonía de resolver casos, Poirot pasa su tiempo en un jardín de Venecia, hasta que en una misteriosa casa se invocan a los fantasmas del pasado y, tras un brutal, inexplicable y macabro asesinato, Poirot se ve obligado a resolver un nuevo caso. Con las puertas cerradas y sin posibilidad de escapar de la mansión, todo el mundo es un potencial sospechoso.

He seguido con interés durante los últimos 6 años las nuevas versiones de Hercule Poirot protagonizadas y dirigidas por Kenneth Branagh. Me gustó 'Orient Express' por las decisiones creativas y los matices psicológicos que aportaba a la caracterización de Poirot. 'Nilo' me dejó algo frío con una paleta de colores que, aunque interesante, me sacaba del paisaje egipcio. 'A Haunting in Venice' es hasta ahora la película más corta pero también la más compacta de la saga. Con 'Venice', la saga hace una transición tanto temática como en lo que respecta a la popularidad de las novelas en las que se basa. 'Nilo' y 'Orient Express' son dos de las historias más conocidas de Agatha Christie, pero creo que 'Halloween Party' no había sido adaptada nunca antes a la gran pantalla. El resultado es un giro hacia el género de terror que junta la deducción detectivesca con el mundo sobrenatural. En este sentido, la película nos da lo que promete, sin mucha innovación pero sin cometer ningún error garrafal de planteamiento. La saga acierta no solo con este cambio de rumbo si no también al mantener la ambigüedad en las preguntas que plantea. He mencionado antes que lo que me interesaba de 'Orient Express' (y lo que faltaba en 'Nilo') es el desarrollo del personaje central. Este es un aspecto que 'Venice' consigue pulir al hacer que una mente racional se enfrente a cosas que no puede comprender. Los mejores momentos ocurren a medida que Poirot explora y cuestiona los límites de su propio intelecto. En este sentido, la primera mitad de la película resulta más sólida que la segunda, ya que las preguntas que se nos plantean son más sustanciosas que las respuestas que nos dan.

Si bien la idea principal no es muy original, los curiosos usos de la cámara por parte de Branagh junto con una escenografía atractiva y un vestuario variado mantienen la atención del espectador. Desde el punto de vista formal, Branagh sintetiza los giros de cámara que funcionaron bien en 'Orient Express' y los sitúa en un contexto apropiado y con una cinematografía adecuada. A esto se le suma la pertinente introducción de toques humorísticos que suelen recurrir a lo largo de la saga. Al igual que en las películas anteriores, estos momentos divertidos son escasos y están dosificados, así que no van en detrimento del misterio, lo cual se agradece (todos sabemos lo fallido que puede ser el humor cuando no conviene). Curiosamente, la música no fue compuesta por Patrick Doyle, un colaborador habitual de Branagh, si no por la estupenda y hábil Hildur Guðnadóttir. Mezclando sonidos que recuerdan a la banda sonora de 'Tár' y 'Joker', Guðnadóttir nos trae melodías y compases que encajan muy bien en las escenas y contribuyen notablemente a generar suspense y expectación.

Como era de esperar, las actuaciones son buenas por parte de todos los miembros del reparto (en general mejor que las de 'Nilo'). Me parece muy evidente que Branagh disfruta cada segundo de su papel como Poirot y se nota que se lo pasa como un niño. Michelle Yeoh está muy bien en su reducido tiempo en la pantalla y lo mismo se puede decir de Tina Fey, e incluso Jamie Dornan (un actor que, sinceramente, no me gusta demasiado) está, en términos generales, aceptable. La que más chirría, sin embargo, es Kelly Reilly en su papel como Rowena Drake.

Evidentemente, no es una película perfecta. En cuanto a los aspectos menos impactantes de la película, podemos decir que el misterio en sí parece más complejo de lo que termina siendo al final. Hay algunas escenas de exposición que pasan demasiado rápido, casi hasta de forma apresurada. También es cierto que la tensión decae a medida que el argumento alcanza su clímax. Además, a ratos el argumento reposa en clichés innecesarios. A pesar de estos problemas, en general se trata de una película entretenida y apropiada según se acercan las fechas de Halloween. La decisión de adaptar y dar a conocer uno de los relatos menos famosos de Agatha Christie me parece en sí misma loable porque ayuda a exponer al público general a historias que, aunque clásicas, siguen siendo nuevas para muchas personas. Bajo la confiada dirección de Branagh y el trabajo de un buen equipo de montaje y un buen elenco (como viene siendo habitual en esta saga de Poirot), 'Venice' contiene, en mi opinión, escenas interesantes y a veces hasta sorprendentes. Es una película funcional, sí, pero bastante decente e incluso tal vez la mejor entrega de la saga al menos hasta ahora, así que espero que guste a los espectadores. Yo, por lo menos, me alegro de haber ido a verla al cine.

Nota: 6.7 / 10

Poética, enérgica y filosófica, "El Cielo sobre Berlín" es una película triunfal y preciosa sobre las más elevadas bellezas de vivir una vida humana y nos recuerda la simplicidad y la sabiduría del día a día. "Cuando el niño era niño ..."

"El Cielo sobre Berlín" me parece un logro cinematográfico soberbio. Me ha encantado pero, evidentemente, reconozco que no es una película para todo el mundo. No porque sea dura de ver en cuanto a su contenido como lo es "La Lista de Schindler", sino porque su estructura narrativa es poco habitual. Invertimos various minutos en exposición de los protagonistas hasta que realmente empieza a desarrollarse el argumento propiamente dicho y aún cuando este comienza el ritmo es lento pero constante. Se siente personal, íntima, especial, única. Es una película reflexiva, matizada y conceptual, con una sofisticada e interesante premisa central, y precisamente por eso es una película pausada destinada para que la veamos tranquilos y podamos apreciarla con calma. Es en esos brillantes momentos pausados cuando alcanza su mayor profundidad psicológica y emocional y donde se siente con más vehemencia su poesía.

Seguimos a dos ángeles, Damiel y Cassiel, que han existido antes incluso del nacimiento de la humanidad y han sido testigos de los enormes cambios que ha sufrido el mundo. Invisibles a ojos adultos, Cassiel y Damiel se dedican a cuidar de los seres humanos. Durante la mayoría del metraje, vemos Berlín desde la perspectiva de los ángeles, que aunque son felices, ansían tener las sensaciones más cotidianas y banales de la vida humana, sobre todo a medida que vemos las inherentes limitaciones de su capacidad de cuidar de otros. La película alterna elegantemente el blanco y negro predominante con el color como metáfora existencial para marcar la frontera entre la vida angelical y la humana. De principio a fin, la película nos sumerge en el magnético imaginario del Berlín de la posguerra. Su contenido metafórico y su variado y vibrante simbolismo nos inducen a ver los ángeles, no tanto como seres fantásticos o sobrenaturales (dios está siempre ausente y los ángeles solo llevan sus alas durante los primeros minutos de la película), sino como algunas de las personas que pueden velar por nosotros en cualquier momento. Quizás por esa razón la película está "dedicada a todos los ángeles".

Cuesta un poco empatizar con los personajes humanos que conocemos al principio, pero a medida que nos acostumbramos a la forma de narrar, los vamos comprendiendo mejor. Gran parte de la historia se nos cuenta a través de medios visuales, y las habituales voces en off nos permiten escuchar los pensamientos internos de los personajes y por ello se nos presenta una visión de la vida humana en movimiento en el más puro estilo Joyceano. El personaje de Homero, que busca Potsdamer Platz y sueña con una epopeya sobre la paz, nos invita a pensar en la posibilidad de sanar viejas heridas. El personaje de Peter Falk aporta un toque humorístico y divertido que me ha arrancado varias sonrisas. Falk se interpreta a sí mismo mientras rueda una película sobre el pasado nazi de la ciudad. Aunque esta trama secundaria puede parecer, a priori, desconectada de los temas centrales de la película termina entrelazándose satisfactoriamente con el hilo conductor. Otro personaje importante es el de Marion, la hermosa trapecista del circo de la que Damiel se enamora sin ni siquiera llegar a poderse comunicar con ella.

"Ahora sé lo que ningún ángel sabe", nos comenta Damiel. Con su potente carga emocional y gracias a buenas actuaciones, sobre todo por parte de Bruno Ganz y Otto Sander, "El Cielo sobre Berlín" es un análisis definitivo sobre cómo y porqué el amor es lo que nos hace humanos. Tal vez, como demuestra la filósofa Martha Nussbaum reiteradamente a lo largo de su obra, el amor es lo que hace de nuestra vida una tragedia a veces, pero también es lo que le aporta su contenido y significado, y sin él no seríamos humanos, con nuestras fracturas y limitaciones, que a su vez nos traen la belleza, el optimismo y las emociones. Y no hay mayor historia de amor que la que consiste en amar la vida misma. "¿Cómo puede ser que yo, el que soy, no fuera antes de devenir, y que un día yo, el que yo soy, no sea más ese que soy?".

Al igual que Joyce, Montaigne, Shakespeare, Milton, Henry James, Eric Auerbach y muchas otras grandes figuras, la conmovedora, preciosa y alegre "El Cielo sobre Berlín" es una auténtica catedral del séptimo arte que destila humanidad en su estado más puro y nos invita a convertirnos no en ángeles sino en héroes, en héroes de la vida cotidiana... en héroes aunque solo sea por un día.

Nota: 9.0 / 10

David Fincher ya había demostrado su potencial con algunas de sus primeras obras que han alcanzado un estatus icónico como "Fight Club" y "Se7en". Con "Zodiac" y "The Social Network", Fincher continúa consolidando su soltura con el lenguaje cinematográfico y perfeccionando su excelencia técnica y estilística.
"Zodiac" es un notable thriller que me llamó la atención desde que la vi por primera vez hace ya bastantes años. Sin embargo, por razones que me son desconocidas, está bastante infravalorada en esta plataforma. Digámoslo claramente: no merece un 6.8 ni por asomo. Estamos ante una película excelente, compleja, incisiva, densa, tremendamente realista y sobre todo impecablemente realizada. No se hace lenta en ningún momento, pese a su, más bien, extensa duración, gracias a un sólido ritmo narrativo. Estéticamente, se trata de una película espléndida, que cuenta con mucha elegancia y personalidad. La sofisticación del guion al nivel de su construcción es evidente, ya que, sin apenas centrarse en el gore vinculado a los asesinatos, "Zodiac" te engancha de principio a fin de manera casi hipnótica gracias a sus ágiles diálogos y escenas de gran suspense centradas principalmente en la investigación en torno al temible asesino del Zodiaco. Todo esto va ligado al hecho de que es una película sobre un asesino en serie en la que no hay asesino en serie porque nunca el Zodiaco nunca fue capturado. Es un fantasma, una presencia.
Entre sus numerosas virtudes podemos observar el excelente trabajo de fotografía; las buenas interpretaciones de los actores (en especial los principales Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo y Robert Downey Jr.); un guion que presenta personajes muy bien desarrollados y que se sienten reales; la profunda carga psicológica de varias secuencias; el espeluznante final; el buen uso de la música; y la exquisita atención al detalle que ha puesto su director en cada toma. La película en su conjunto funciona tan bien gracias a que se consigue un excelente equilibrio entre thriller atmosférico y psicológico, procedimientos policiales y un concienzudo estudio de los personajes. Todo ello aporta un alto grado de realismo y credibilidad a la película, que alcanza sus mejores escenas en su segunda mitad, según va tomando importancia la trama de Robert Graysmith, sobre todo por cómo la película va brillantemente capturando la obsesión por el caso que es compartida por los personajes principales. Estas escenas, aunque en ocasiones algo predecibles, plasman la fragmentación de la relaciones profesionales y personales. En este sentido, la tesis implícita de la película es que el poder de un asesino sobre la vida de los demás va más allá de un simple acto de violencia física y, al hacerlo, las últimas escenas narran de forma sutil el proceso de creación de la propia película. Se exploran las diferentes formas en las que el caso drena a los protagonistas de su energía vital. Quizás el efecto más extraordinario que consigue 'Zodiac' es que, sencillamente, se queda contigo. Se te mete en la cabeza. Cada vez que la veo no paro de encontrarme a mí mismo obsesionado por el caso del Zodiaco. La ficción se convierte en una realidad para el espectador.
Una de las películas más logradas de David Fincher. Un auténtico tour de force.

Nota: 9.0 / 10