“El gran golpe” es una película que sorprende por su elaborada puesta en escena para un guión que comienza alternando la acción a la manera de entrada de insumos para fabricar varios productos finales a través de un circuito programado.
Esta alternancia es de alto nivel y se apoya en muy buenos recursos técnicos, sobre todo por una cámara ambiciosa que muestra muchos detalles de la fauna humana londinense, con muy buenos ángulos, colaborando así en mantener el interés y el clima de tensión que va siempre creciendo.
En cuanto a la historia en sí misma, muestra las contradicciones de orden ético y moral que lastra la sociedad británica para mantener el sistema monárquico intercambiando valores para dicho fin.
En ese sentido, esta película pretende dejar mal paradas a casi todas las instituciones políticas y sociales británicas de los años 70, al revés de lo que hacían los filmes del agente 007, por ejemplo, que las ensalzaban en clave de humor, lo cual dice mucho por el lado de la originalidad, aunque esto no significa que lo logre plenamente porque las pone al borde de la caricatura.
Por otro lado, a medida que avanza, la cinta se parece a otras como “Once a la medianoche” pero su profundidad y el desenlace diversificado no permiten compararla con películas de ese tipo sino, más bien, con otras de corte histórico-policial.
La película, en conclusión, es una buena razón para ir al cine.

Hay acción, drama, suspenso e intriga política en este buen filme del director Tony Tikwer que le da un nuevo enfoque cinematográfico a los problemas derivados de la globalización que consiste en identificar a las grandes corporaciones financieras como los titiriteros de los conflictos mundiales, los terroristas más asolapados que no están en ninguna lista negra y que ganan siempre a río revuelto de la manera más criminal y corrupta porque no hay ninguna institución que les pueda hacer frente de manera eficaz.
La puesta en escena es casi inmejorable con todos los aspectos técnicos al tope de las posibilidades resaltando la fotografía de un brillo plateado muy pronunciado.
Por el lado de las actuaciones, es más la presencia de una bien cotizada Naomi Watts y del popular Clive Owen, más acostumbrado a estos papeles, lo que vale antes que la resolución dramática.
Sin embargo, esto no significa que el guión deje de tener problemas ya que el discurso político se cuela en demasía en algunos diálogos donde participan los funcionarios bancarios lo que contribuye a percibir la cinta como un tanto manipuladora y aún más demostrativa de sus objetivos. Sin embargo, esa misma condición también sirve para comprender que los empeñosos y sacrificados agentes de la Interpol, como el que encarna Owen, que pretenden atrapar a una institución tan poderosa, son como superhéroes que rebasan sus funciones y cubren las de la policía secreta por un lado y por el otro son como reporteros que van a la caza de primicias, no para venderlas sino para cambiar el mundo.
Espectacular es la escena del tiroteo en el museo Guggenheim; muy buenas las que corresponden a las entrevistas en las torres de cristal de los Bancos donde se parapetan los directivos. Visualmente hablando, hay escenas que están demás pero en su conjunto, el producto es muy meritorio.

John Cassavetes zarpa en su embarcación privada llena de polizontes sin rumbo fijo evitando en todo momento la costa y los climas benignos; navegando hasta donde las fuerzas y la razón se lo permiten; cuando de pronto su barco es abordado por su hermana, encarnada por Gena Rowlands, alter ego femenino de su atormentada personalidad, quien trata de enrumbar la travesía hacia el puerto seguro.
Literalmente, el argumento descrito no es el que vemos. Pero sirve para explicar qué busca la película, es decir, graficar la búsqueda del amor y el desamor, cuando se ha tenido mucho o no se ha tenido nada o cuando lo tuviste y no te diste cuenta, cuando lo perdiste o lo utilizaste como desfogue.
Es un filme que propone una definición del amor a través de dos ejemplos de personalidades extremas y contrapuestas y en eso basa su originalidad. El guión y la puesta en escena evitan todos los clichés del cine comercial norteamericano contando, además, con unas estupendas actuaciones de los actores principales. Y esto se logra sin necesidad de sacrificar el humor, presente a través de toda la trama.
Interesante el personaje interpretado por Cassavetes que tiene, entre sus características, una analogía con el conde Drácula porque quiere alimentarse de los secretos de la gente para tener más sabiduría y poder en medio de su irracional desenfreno.
Si tendríamos que identificar el género de la película, este sería la comedia dramática donde el director, que también es el actor principal, con una serie de gestos y símbolos, homenajea y rinde culto a su actriz fetiche y esposa hasta la muerte, Gena Rowlands.

Esta película la vi en una sala casi vacía pero con tal mala suerte que detrás mío se sentó un grupo de cretinos que, debido a la publicidad engañosa, creían que se trataba de una de terror a la manera de “Viernes 13” o algo por el estilo ya que el título en Lima era “Los fantasmas nunca olvidan”. Por lo que durante toda la función tuve que soportar sus comentarios adversos, sus burlas, sus reiteradas amenazas incumplidas de retirarse de la sala y toda la cortedad cultural que este tipo de gente suele mostrar sin tener en cuenta a los demás espectadores que han pagado su entrada.
Por cierto que había quienes, más educados, esperaban ver una japonesa de esas que después se ven en la versión de Hollywood tipo “El aro”, “Agua turbia” o “Host” y la verdad es que estos no estaban tan errados.
En efecto, la cinta pudo haber tenido otro giro y titularse “Agua salada” para ponerse a tono con sus motivos ecológicos y con la moda de las predecesoras de terror y así quizá pudo haberse comercializado mejor pero justamente eso es lo que el director Kuyoshi Kurosawa quiso evitar haciendo una película diferente.
El problema es que su producto, mezcla de drama psicológico, policial y de terror no da muchas pistas para hacerle seguimiento, ofreciendo una historia retaceada y salpicada de ingredientes, incluso, con escenas muy teatrales y absurdas de terror que en vez de miedo pueden causar risa.
Sin embargo, todo este revoltijo audiovisual, adquiere sentido solo en el desenlace de la cinta, es decir, cuando la escena se traslada al sanatorio abandonado.
Estoy seguro que si esta película la veo por segunda vez, algo imposible en el cine de mi ciudad ya que estuvo en cartelera escasamente una semana, mi valoración subiría inevitablemente por obvias razones.
Pero de lo que estoy seguro es que las formas cinematográficas son importantes y es en esto que la película falla.

“Cinco días sin Nora”, el primer largometraje de la directora Mariana Chenillo, es una comedia dramática con mucho humor negro que habla sobre la realidad mexicana que es muy parecida a la del resto de Latinoamérica.
En efecto, en esta cinta se compendian las diferencias sociales, raciales y religiosas dentro de un contexto económico neoliberal que comercia con todo y con todos y se critica por igual a todos los estamentos, incluyendo los ritos judíos y la frivolidad católica.
La historia, de antemano, es previsible y está hecha así adrede porque de lo que se trata es si José, el personaje ex esposo de Nora, después del suicidio de esta última, enrolla la madeja o la tira al tacho, figurativamente hablando para no contar los detalles del filme.
La directora es también la guionista de la película y su mérito consiste en haber presentado los personajes en forma tal que se produzca un caos permanente y una tensión creciente sin incurrir en situaciones trilladas y demasiado melodramáticas.
Por otro lado, uno de los puntos débiles de la cinta está en las escenas retrospectivas producto de los recuerdos de José con Nora, demasiado lacónico en sus explicaciones y poco trabajado en su estética pero el más notorio es el facilismo con que se llega al desenlace.
Pero en conjunto, la película tiene tal poder de convocatoria y adhesión, que oculta sus defectos.