Uno ve y disfruta películas de la postguerra italiana. "El limpiabotas", "Ladrón de bicicletas"... le dejan a uno clavado en la butaca. Emoción, pasión algunas veces, sangre del sur que brota y anima historias muy tristes pero a la vez cargadas de humanidad. Caras tristes, curtidas, anónimas.
Después uno se pasea por la nouvelle vague, con películas a bote pronto correosas, que da algo de pereza verlas pero que a la que uno se zambulle en ellas acaban siendo una delicia en forma de conversaciones, pensamientos, imágenes. "Mi noche con Maud", por ejemplo. O los rostros de Anna Karina y Jean Seberg.

Y en esto que uno se encuentra con "El grito" y descubre una obra de arte en la que se combinan elementos de las dos escuelas: el humanismo, los desastres de la guerra vistos a la italiana, junto con la introspección, la soledad existencial francesa.

Un hombre prácticamente echado de casa que huye, huye adelante en busca de un algo que realmente está dejando atrás. Corre, viaja, escapa, intenta amar, pero infructuosamente: su corazón, su vida, su todo, solo puede verlo por el retrovisor.

Desconozco si hay películas de trazo similar. Leo que la escuela de Antonioni no tuvo demasiados discípulos. Sea como fuere, a mí me pareció un descubrimiento delicioso en que se hermanan las dos "esperanzas blancas" del cine europeo de los cincuenta: el neorrealismo italiano y la nouvelle vague francesa.

Te la recomiendo.

... te has bajado de tu Ferrari Testarossa descapotable rojo, Dire Straits a todo trapo (o algo de new age, según la cotización diaria de tus acciones), has desplegado tu traje eternamente recién planchado (de lunes a viernes, en finde polo Lacoste), gafas de sol Ray Ban, has abierto la puerta del ala derecha de tu humilde morada de 1000 metros cuadrados... y te has encontrado a tu mujer (botox, silicona, rubia, eternamente en los 25) en la cama con el jardinero (cachas, pero no tanto como tú), asesinándolos con tu supermóvil politono 4455? Vale, yo tampoco.

Pues aquí radicaba el problema de esta serie: que no colaba.

Aparte de esto, tenía gracia que en cada capítulo una chica absolutamente impresionante apareciera ligera de ropa.

Consejo por si algún día se vuelve a emitir la serie o, peor aún, sale en DVD con alguna revista (peores cosas se han visto): estad atentos hasta que salga el pibón 90-60-90. Como no volverá a salir chicha en todo el capítulo, podéis prescindir del resto de metraje. En serio, que yo caí en la trampa varias veces y seguí mirando, con el consiguiente disgusto final.

Con un convincente Bing Crosby, se nos plantea una película amable, que emana bondad y buen hacer. En ella Crosby interpreta a un cura enrollado y renovador que es destinado a una parroquia algo decadente a la que debe intentar engarzar con la comunidad en la que se encuentra.

La película en sí está bien, transmite optimismo, fuerza y amor al prójimo. Eso sí, también resulta un poco plana y previsible. Sin embargo, resulta agradable y además cuenta con la grandísima presencia de Crosby, que demuestra su gran voz en numerosas ocasiones, cantando solo o bien acompañado de Jean Heather.

En resumen, una película agradable a la que hay que exigirle lo justo, pero que no por ello deja de ser aceptable y recomendable.

Para finalizar, resulta interesante comentar que los premios Oscar entregados en marzo de 1945 premiaron esta historia de la bondad con nada más que siete estatuillas. En el de mejor película batió nada menos que a "Perdición", lo que invita a pensar en que se premió la luminosidad y el optimismo en esos días previos al fin de la Segunda Guerra Mundial.

Rafael Azcona y Fernando Trueba concibieron una divertida, agradable y entretenida historia que combina elementos históricos serios con tintes divertidos y jolgoriosos, en una película coral que obtuvo un gran reconocimiento.

Estamos a principios de los años 30 y la cuestión republicana está a flor de piel. Desertor del ejército, Fernando (Jorge Sanz) se refugia en la casa de campo de Manolo (Fernando Fernán Gómez). Al poco llegan las hijas de éste, lo que lleva a Fernando a tener serios problemas espirituales, y algo más "terrenales", con cada una de las cuatro.

Con el fondo histórico siempre presente y muy verosímil, Trueba traza una historia divertida, con toques ocurrentes y llena de vitalidad que deja al espectador con un muy agradable sabor de boca. Y, para qué negarlo, cierta envidia sana hacia el personaje de Jorge Sanz y sus devaneos amorosos con las cuatro hermanas: Ariadna, Maribel, Míriam y una jovencísima Penélope.

Escrita en 1962, "La plaça del diamant" es una de las obras cumbres de la escritora catalana Mercè Rodoreda, a la vez que de la literatura catalana del siglo XX en general. Yo la leí poco tiempo antes de ver la película y me encantó.

Así las cosas, la película adolece de lo más común en las adaptaciones de libros a la gran pantalla: se deja cosas que, si no has leído el libro, dejan cabos sueltos que dificultan la comprensión. Al tratarse de un libro en forma de monólogo, es de valorar el esfuerzo realizado por el director, pero se queda a medias y la sensación final es de que, una vez más, el libro gana la partida a la película.

En cuanto al reparto, está muy bien escogida Silvia Munt como Natalia, mientras que el personaje de Lluís Homar, Quimet, creo que está mejor dibujado en el libro. Lo que considero altamente loable es la ambientación en la Barcelona de la primera mitad del siglo XX: está francamente bien.

En resumen, considero que la película es una adaptación correcta del libro, sin más, en la que más que acercar a los espectadores a la obra se consigue que los que ya la han leído la evoquen, pero también añoren la maestría de Rodoreda a la hora de contarnos una historia absolutamente preciosa.