A muchos les cuesta creer que en la cinematografía española se encuentren, no sólo joyas del cine -que las hay- sino también películas que cuenten con una valía asombrosa, aguanten el paso de los años y merezcan ser visionadas varias décadas después. Y el caso de “La piel quemada”, de 1967 y del director catalán José María Forn, es uno de ellos.

No es únicamente la temática del trabajo la que le otorga un aire post-neorrealista al film. Son también ciertas secuelas de la guerra (aun siendo distintas guerras) todavía visibles incluso estando el desarrollismo en pleno auge. Bien podrían haber firmado la cinta los herederos del neorrealismo italiano Zurlini, Bellochio, Comencini y compañía, y quizá habría recibido más reconocimiento con el paso de los años. Pero no, fue Forn el que la hizo y, aunque se trate de un tema que se ha dado y se sigue produciendo en todo país en vías de desarrollo, se trata de una película puramente española.

Lo es porque se reflejan unos hechos muy concretos de la historia de España, como son los movimientos migratorios que se asentaban en las regiones más ricas del país durante la década de los sesenta. Y lo es más aún por los conflictos que trata, por suerte o por desgracia, muy a la orden del día: el durísimo trabajo de la construcción, el turismo extranjero en las costas españolas y la emigración del pueblo, de la miseria y de la más absoluta humildad, al mundo desarrollado. Ese mundo tan añorado y deseado no es más que un pueblo corriente de la Costa Brava, como es Lloret de Mar. Eso sí, un lugar que sigue repleto de turistas décadas después, donde por entonces trabaja José de albañil. Allí espera a su mujer, sus hijos y su hermano, que van de camino desde Andalucía durante prácticamente todo el metraje, pues se trata de un largo desplazamiento el cruzar España, más aún haciéndolo con los medios más precarios del momento. Y se trata de un enorme acierto para el ritmo de la película que los parámetros temporales aparezcan delimitados de una forma tan clara. En este caso, es el viaje de los miembros de una familia y el padre que la espera, alrededor del cual se componen una serie de flashbacks de lo más inquietante, para adentrarnos en el sobrecogedor pasado de la familia. De esta forma, se consigue mantener al espectador en vilo durante todo el trayecto, pues uno sabe que éste desembocará en un final y lo está esperando con gran intensidad e impaciencia.

(sigue en el spoiler sin revelar el argumento)

Es digno a tener en cuenta que meses después de la aparición de “La dolce vita” surgiera una comedia -aunque de tono pesimista- cuyo título contradice al de la rompedora obra de Fellini.
En el caso de “Una vita difficile” la ruptura no existe de ese modo. Lo que sí encontramos es una gran historia en torno a la vida de un hombre desde el final de la Segunda Guerra Mundial y su evolución con el paso de los años. Se incluyen elementos documentales en la trama, que consiguen adentrarnos y reflejarnos perfectamente el contexto en el que se encuentran inmersos los protagonistas.
Qué decir de Alberto Sordi, genial, guiando la película en todo momento, cambiando de registro en varias ocasiones, encarnando a un personaje por el que se siente compasión, pero que por momentos no es del todo honesto.
Y bien es cierto que mucho de lo que se cuenta en esta película tiene gran parte de premonitorio. Un ejemplo claro es el del magnate que todo lo controla, en industria, política, medios de comunicación, incluso en el fútbol. Recuerda a un tal “cavaliere”, ¿no?

Los personajes de Truffaut se caracterizan por gozar de una enorme y elaborada personalidad. El caso de Antoine Doinel es el perfecto ejemplo de ello, y si vuelve a aparecer en más películas y éstas siguen funcionando es porque el personaje da mucho de sí, y gracias a la desbordante imaginación del director francés se permite el lujo de mirar hacia delante y dejar de lado a aquel recién adolescente para dar paso a un recién adulto más desorientado aún que por entonces. Y es que en esta película el polifacético Doinel no da respiro alguno, con una ambición laboral y amorosa delirante.

Empieza a ser ardua tarea esto de comentar semanalmente los estrenos de las películas españolas. Desde hace tiempo me considero un cinéfilo, por disfrutar de cuanto ofrece el cine y de poder pasar momentos maravillosos frente a una pantalla, superando muchas veces los de la vida real. Pero a medida que me voy familiarizando con el cine español industrial en el día a día y veo películas como 'Cruzando el límite', voy aceptando que soy más bien un cinéfago y no un cinéfilo. La diferencia entre ambos términos es que el cinéfago, según Jesús Palacios en su libro 'Goremanía', "come de todo y disfruta tanto del buen cine como del peor, sazonándolo todo con sentido del humor". Por eso, y muy a mi pesar, empiezo a aceptar que he cruzado el límite y estoy más cerca del grupo de los cinéfagos. Cada vez me importa menos si una película es de Saura, Amenábar o de este Xavi Giménez; si la veo en el cine, en DVD o en streaming; si pago cinco, ocho euros o me invitan. Quiero dejar claro que si hablo bien o mal de una película es lo de menos. La cuestión es ver cine y hablar de ello. Y para eso estamos.

Desde Filmax, Julio Fernández nos presenta 'Cruzando el límite', la primera película de Xavi Giménez, que posee una dilatada carrera como director de fotografía en películas como 'Intacto' o 'Ágora'. La historia que se encarga de dirigir está inspirada en hechos reales y es la de un joven cuyas desavenencias con su padre le llevan interno a un centro. No es ni un internado ni un reformatorio, como no se cansa de repetir el director de la institución, al que interpreta Fernando Guillén Cuervo. Se trata del CIMCA (Centro de Internamiento de Modificación de la Conducta Adolescente), donde permanecen recluidos y aislados decenas de chicos y chicas bajo una absoluta disciplina. Los padres pagan por la reinserción de la conducta de sus hijos conflictivos, y los chavales se encuentran con un centro de torturas que poco tiene que envidiar al de Guantánamo. Con una treta similar se encontrará el público: pagarán por un drama juvenil, y se encontrarán con un suplicio en toda regla hacia los cinco sentidos. 'Cruzando al límite' es un compendio de atrocidades que desembocan en un final, al menos, esperanzador. El ritmo de la cinta es tan paupérrimo que acaba por resultar original. Demasiado efectismo videoclipero le resta credibilidad a la siempre necesaria e interesante reflexión sobre la educación y el trato a los adolescentes. Es de esas películas que avanzan, pero no. Que toman un camino y de repente, otro. Y entre tanto, se terminan.

Continúa en el spoiler sin desvelar partes relevantes de la trama. Si alguien encuentra algo verdaderamente relevante en la película, por favor, que lo diga.

A estas alturas de la carrera de Bigas Luna, nadie esperaba de 'Di Di Hollywood' una filigrana. Es más, después de 'Yo soy la Juani' creo que íbamos bien preparados a lo que nos ateníamos. Podría definirse como una especie de falsa secuela de la anterior. Esta vez protagonizada por Elsa Pataky, ampliando de nuevo su repertorio de fiascos a su filmografía como actriz. Aunque de ningún modo se le puede achacar el fracaso de la película a Pataky. En todo caso, es gracias a ella el que una cinta que debería pasar, no solo desapercibida, sino estar más enterrada que Ryan Reynolds en 'Buried', gozará de una parte significativa de público debido a su enorme popularidad. Esa fama no le viene de otro lugar más que de su despampanante belleza, que no es poco. Y no viene mal recordar que una actriz con ese espectacular físico debería estar mucho mejor aprovechada por los directores españoles. Hasta el momento únicamente ha sabido ser empleada como objeto sexual de segunda o tercera fila.

Claramente, Elsa Pataky se ha dejado seducir por lo que es, difícilmente explicable, uno de los directores más consagrados del cine español. La propuesta puede parecer atractiva e incluso el tráiler arroja expectativas de película modernista. Pero nada de eso. Todo es recargado a la vez que simplista. Además, Bigas Luna parece no tener inconveniente en dejar su impronta y acaba jugando con su musa. Lo hace de tal forma que incluso nos regala una secuencia erótica que poco tiene que envidiar a alguna de las que dejaron en su día desencajados a buena parte de los espectadores con su provocativa pero ya un tanto desfasada 'Bilbao'.

'Di Di Hollywood' es un penoso intento de recrear el ascenso al éxito. El retrato que se hace del ambiente hollywoodiense y de la ascensión a la fama es mísero. Una sola secuencia de la serie 'Entourage' (por muy falsa que también pueda ser) es en todos los aspectos más válida. De las penurias a la celebridad y al egocentrismo de Diana Díaz (ingeniosísimamente rebautizada como Di Di por su feroz agente). Nada nuevo y encima resuelto con prisas. Ojalá pudiera meterme con la moraleja de la película. Pero es que ni siquiera existe.

Otro matiz, y este digno de proyecto de tesis doctoral, es el "product placement" en 'Di Di Hollywood'. Son innumerables las marcas que aparecen continuamente en pantalla. En fabulosa armonía todas ellas con la música comercial que va encadenando casi una secuencia con otra. Incluidos en ese juego promocional algo nunca visto: cameos de los propios críticos, periodistas o profesionales del cine (como se hagan llamar los que aparecen). ¿Quizá un guiño hacia la crítica para soliviantar los palos que sabía que le iban a caer al llegar el estreno? Pues que sepa, Señor Luna: ni apareciendo cineario.com (o filmaffinity.com) en el pecho de Elsa Pataky hubiéramos sido capaces de hablar bien de su película. Por suerte o por desgracia, somos así.