Pues bien, esta es la historia de dos almas incomprendidas, llenas de defectos y virtudes que entran en una espiral de sentimientos y de miedos para mantener una amistad que ni el tiempo ni la distancia parece que pueda acabar con ella.
Parecería una película para niños pero todo lo contrario, es una película para adultos pues tiene un sentido del humor muy refinado, y no todo son bromas que entienda un infante.
Resulta ser una buena comedia, pero es una mucho mejor película dramática. Encierra tantos pensamientos e ideas sobre la felicidad y la soledad de las personas que haría falta verla varias veces para captarlas todas.
Quien más sufre y siente la imperfección es Mary, la niña australiana que da nombre al título de la película. Su pequeña marca de nacimiento que lleva en la frente y tanto detesta es el centro de sus conflictos. Recibe de parte de sus compañeros de escuela constantes burlas, y ha optado por alejarse del mundo y de la vida social para sumergirse en la soledad.
Todo trata de la incomprensión, de miedos, de los abusos (¿quién no ha sido maltratado o insultado alguna vez? Quien diga que no, miente como bellaco).
Es tal la incomunicación que sienten los personajes en la película, que el mismo relato no presenta una voz en directo hasta la mitad del film. Hasta ese entonces, lo único que se oyen son voces en off. En principio la de un narrador que nos presenta a los personajes y las ciudades en las que viven, y luego las de Mary y Max a medida que van escribiendo las cartas. El narrador inicial es quien se hace cargo del silencio en el que viven los protagonistas hasta ese entonces. Puesto que en sus rutinas ambos están acostumbrados a la soledad y al no-diálogo, la única manera de llegar a ellos es a través de alguien omnisciente que nos diga lo que ellos aún no pueden. Así nos enteramos de sus ansiedades de una amistad, de sus pasiones comunes y de las múltiples coincidencias que ambos tendrían si tan solo se conocieran. Y luego sucede el descubrimiento entre ellos, cuando Mary y Max empiezan a querer comunicarse el uno con el otro y a querer hablar a través de las cartas, aparecen en el film sus voces en off. Es ahí cuando los personajes comienzan a oírse y a hablar y nosotros a acceder a sus sentimientos más silenciados. Conocemos sus desesperadas ganas de comunicarse: lo vemos en la larga extensión que tienen las cartas que redactan, y en la gran cantidad de posdatas que ambos escriben al momento de finalizar la escritura. Los dos parecen necesitar que el encuentro con la carta y con el amigo lejano se prolongue lo más posible, porque en tanto haya posdatas y más cosas para decir, la sensación de estar junto a alguien dura y la soledad, el silencio de la rutina que viene después del punto final se demora interminablemente.
Al fín y al cabo, todo se perdona porque somos imperfectos y debemos aprender a vivir con ello. Esa amistad perfecta es la que los repara de la amargura total, y los ayuda a superar sus defectos. Esa perfección es la que les basta para una vida menos gris.

Lo mejor: La sencillez de un relato cándido en un mundo cada vez más en blanco y negro como nos muestra la cinta.
Ambos protagonistas.

Lo peor: Quizá no sea tan recomendada para niños, ya que estos no conectarán al 100% con la historia.

Esta es la conclusión a la que debieron llegar los críticos de la mostra hace unos años con "Let´s get lost", película biográfica sobre la vida de uno de los mayores representantes del jazz moderno: Chet Baker.

Lejos de hacer un baremo sobre los premios internacionales que ganó para ser un documental, me centraré en recomendarla para todos aquellos amantes de la música en general.
Bruce Weber, su director, no reparó en mostrarnos las singularidades del trompetista y cantante y de sus allegados. Comenzando con su infancia, ascenso y posterior declive en su infierno personal que iba más allá de las malas compañías y el coqueteo con las drogas.
Nos desnuda el alma de un músico que no destacó por una técnica depurada, sino por ser de esos "seres raros" que destacan por la intuición artística y el arte de la improvisación y que vió el fín de sus días en la ciudad de Amsterdam cuando decidió poner fin a su vida.

Aquí no hay trampa ni cartón. Sólo la figura que mira a cámara casi todo el tiempo y disfruta con ello recordando viejos tiempos de gloria y alegrándose por ello. Sus familiares, amantes, amigos (pocos) y equipo hablan de su experiencia con alguien que está en constante movimiento porque no tiene casa. Persona o personaje, que sólo está dispuesto a dejarse ver... o no.

Weber nos ofrece una joya en blanco y negro en la que muestra como Baker vive la sombra de ese sueño peterpanesco en la que llega, delante de un público que ha olvidado quien es, a entonar ese "Almost blue" que toca el corazón.

Mucho se puede hablar de la trayectoria profesional de este señor tan mono que se dió a conocer de forma más grandilocuente por estos lares con su sorprendente para muchos e insulsa para otros tantos, "Hierro 3".
Es sabido que el surcoreano se caracteriza por hacer un cine pausado, sin demasiadas pretensiones y algo simple en cuanto argumento, que no en sí lo impactante de muchas de sus imágenes y la brutal puesta en escena de muchas de sus obras.

Pues con Moebius, ha rizado el rizo. Ya fue censurada en su país de origen y se dice, se comenta (vaya usted a saber si por darle más publicidad al tema o no) que provocó desmayos, vómitos y diarreas en más de un festival por lo truculento y mórbido de muchas de sus escenas. Y ya de por sí, la historia se las trae oiga...

La cinta va de un cornudo quien evita quedarse sin pene por un ataque de celos de la Crazy Of Pussy de su mujer (COP a partir de ahora) y al no poder hacerlo, la paga con el pobre desgraciado del hijo, que a falta de tener unos padres normales, se dedica al onanismo compulsivo como todos hemos hecho a su tierna edad y pierde su miembro.
La COP hace la sutil estrategia de "darse el piro" cagando raquetas y deja a los desdichados de Cornudito y Castrati sólos apañándoselas como pueden, intentando llevar una vida normal.
A partir de aquí todo es una espiral de sexo frustrado, palizas, vejaciones e incestuosas situaciones entre Papá-Mamá-Adolescente castrati-Tendera del barrio.

Pero "Moebius" es mucho mas que eso y como sucedía con el "Antichrist" de Lars Von Trier, la polémica puede hacer que no veamos lo que el director nos quiere contar. Igual que sucede con la forma elegida por Kim Ki-Duk para contarnos la historia con esta total falta de diálogos, el exceso de truculencia a la hora de afrontar la historia de las más bajas pasiones y obsesiones parece más una idea para llamar la atención que la mejor forma de contar la historia. La más que enfermiza relación entre padre e hijo y como abordan ambos el sexo se queda en muchos momentos en lo llamativo y no en la profundidad dramática que nos gustaría. Y es que es al espectador le es inevitable no centrarse en lo morboso y en el sexo del que hace gala "Moebius", por un momento y tras un largo arranque en el que Kim Ki-Duk deja claro cuales son sus ideas para desarrollar esta película parece que nos vayamos a encontrar ante una variante de Edipo. Pero si algo deja claro este mamoncete es que su cine es suyo y solamente suyo, desarrollando todas sus obsesiones haciendo de esta una cinta que resulta excesiva.
Por mucho que tenga algo que nos consigue cautivar, algo que nos impide dejar de ver la película durante la poco menos de hora y media que dura es que siempre tenemos la sensación de que Kim Ki-Duk ha querido jugar a ser provocador, algo que parece un remanente de alguna de sus antiguas obras. Pero ahí radica el fallo: en generar polémica por nada.

"Moebius" es una cinta realmente difícil de recomendar, así que cada uno decida si quiere dejarse perturbar por la provocadora cinta del director o dedicarse a ver cine más convencional.

Definitivamente (y como ya le he escuchado a más de uno) A Kim Ki-Duk se le ha ido la (p) olla.

Lo mejor: Lo disparatado de las situaciones. Lo innecesario de los diálogos en los que la historia ya habla por si sola.

Lo peor: El querer transgredir sólo por el mero hecho de hacerlo.

Ya el uruguayo Narciso Ibañez Serrador nos mostraba en "¿Quién puede matar a un niño?" las singularidades de una historia tensa, recalcitrante y muy cruda. Aquí parece que James Watkins (guionista y director) ha querido repetir la fórmula magistral de una trama de suspense/terror que mantiene pegado al asiento desde que se desencadenan los acontecimientos más violentos.
Pero ojocuidao, no mantiene en vilo porque la historia sea lo más original más de cien mil veces vista en otros trabajos, sino porque estás contando los minutos y segundos hasta ver como todos y cada uno de los niñatos son aniquilados con la muerte más cruel inimaginable.

“Eden Lake” sale victoriosa en aquel apartado que, una película de sus características, reclama con más fuerza: la creación de una atmósfera inquietante, tensa y realista. Un roce aparentemente sin importancia, pero que sabe transmitir la inquietud de que "algo terrible va a suceder" se ven aumentados en progresión geométrica a medida que avanza la trama, hasta convertirse en una vorágine de violencia descontrolada y crueldad sin límite.

Pero lo realmente destacable de “Eden Lake” es que no se limita a sacudir conciencias a través de una espiral de situaciones que transmiten una intensidad y sadismo difíciles de soportar (algo a lo que sí se ciñe últimamente en algunas obras del cine de terror francés). Watkins se permite el lujo de introducir, sin demasiadas sutilezas, un cierto discurso social muy en boga en los tiempos que corren: el de una sociedad cada vez más entregada a la agresión y la violencia injustificada como único medio de expresión ante situaciones que perturban el estatus logrado por cada individuo.

Así, los jóvenes acosadores de “Eden Lake”, amparados en la fuerza y la confianza que les aporta la manada, responden de manera hostil a la injerencia de un adulto –que les llama la atención por tener la música demasiado alta-, al que ven como una amenaza a su propia libertad y manera de entender la vida. El problema no es tanto que puedan tener una naturaleza agresiva (en realidad, el único que sí demuestra ser un auténtico psicópata es el cabecilla del grupo), sino el hecho de no encontrar otros mecanismos de defensa y expresión que no sean la barbarie y la violencia.

¿Y qué ocurre cuando comprobamos, estupefactos, que esa actitud hostil y agresiva tiene sus raíces en algunos de los pilares básicos de nuestra sociedad, como son la educación y la familia? La respuesta de Eden Lake no puede ser más pesimista. La violencia engendra violencia. Y ante una sociedad predispuesta a la respuesta agresiva e intimidatoria, el futuro resulta muy incierto. Y si no, que se lo pregunten a la protagonista de la película.

Resumiendo: resulta dificil de creer que Michael Fuckbender no se cargara a todos los niñatos desde el minuto 1:00, porque todos sabemos que calza pollón y por eso es Michael Fuckbender. Al comenzar las primeras increpancias, se habría desenfundado el paquetón y se los habría fulminado en un pispás.

Lo mejor: La tensión generada en una historia de menos de dos horas. El clima creado durante toda la historia. La moraleja final.

Lo peor: La moraleja final (triste pero cierta).

Ante todo, dejar muy claro que NO he leído la novela y por lo tanto no puedo matizar en los cambios que se hayan realizado.
Por un lado tenemos un concepto bastante interesante que podría recordar a clásicos como "La fuga de Logan" y otros futuros distópicos en los que la humanidad está en relativa paz y armonía, pero tanto la novela y la película intentan subirse al carro de los best-sellers tipo "Los juegos del hambre" y "Crepúsculo".
Resulta atractivo el ideal de una partición de la sociedad en 5 arquetipos de conducta en la que todo parece justo y equitativo. La forma de presentarlo de forma resumida y concisa es bastante óptima y no deja lugar a la confusión ni duda. Todo mascado y digerido de forma breve para no llevarnos las manos a la cabeza.
Así, el relato se centra principalmente en narrarnos el adiestramiento de la protagonista en la facción a la que se ha unido, en este caso la de la Osadía. Aunque a este apartado le sobren algunos minutos y no sea precisamente original, he de reconocer que no se hace demasiado pesado en ningún momento. Además, la cinta se beneficia de un acabado técnico decente, tanto en el diseño de la urbe donde acontece la acción como en la representación de las pruebas mentales que ha de superar la protagonista. Buena parte de este mérito recae en el director Neil Burger, director de "El ilusionista". Pero por otro lado, no hay duda de que la actriz Shailene Woodley contribuye a que no nos creamos a su personaje, pues no transmite demasiado y la evolución que ésta experimenta. La labor de Theo James, Jai Courtney, Zoë Kravitz, Miles Teller y Ansel Elgort es simplemente correcta, existiendo además un buen plantel de secundarios (pero por desgracia, Kate Winslet tampoco está del todo aprovechada). "Divergente" mezcla amenidad y contenido con cierta pericia, pero le falla esa cierta "coherencia" dentro del género.
Lo que comienza a ser irritable dentro de la cinta es la clásica historia de amor acartonada que se ve venir a leguas con unos personajes autómatas. Lástima que Shailene Woodley no demuestre un rol más fuerte como ya demostró en el drama "Aquí y ahora", dejando su personaje en "Divergente" como una narradora más que como un personaje con garra.
Destacar lo odioso de la facción "Osadía": niños hormonados y aprendices de parkour a los que se les otorga el poder militar en una sociedad que, en teoría, funciona por lógica (¿?) y el poco interés o autoridad que demuestran el resto de grupos.
Dentro de un lo que un blockbuster que pretende llegar a ser esta cinta no está mal si lo comparamos con otras historias simples y planas, pero por desgracia se queda en un "quiero y no puedo" que pretende hacer caja en taquilla y seguir sacando secuelas cada año y, como no, dividir su capítulo final en dos partes.

Lo mejor: El concepto original de futuro alternativo.

Lo peor: Los personajes (tanto principales como secundarios) quedan un poco planos y transmiten muy poco, La falta de coherencia a medida que se desarrolla la historia.