La serie más esperada del año ha llegado y su episodio piloto despeja de un plumazo las pequeñas dudas que pudiésemos albergar, sobre todo los fans de “Breaking Bad”. “Uno” confirma el enfoque de “Better Call Saul” como apéndice y expansión del universo creado por Vince Gilligan.

La incomparable vís cómica del personaje interpretado por Bob Odenkirk podía hacer pensar en la creación de un show totalmente nuevo y diferente, que entrara de lleno en el terreno de la comedia pura y dura pero nada más lejos de la realidad. Gilligan apuesta sobre seguro y de manera inteligente manteniendo intacto el tono, particular y genuina mezcla de comedia y drama, además de la estructura y el estilo instaurado en “Breaking Bad” para que ambos shows sean totalmente complementarios formando un todo, haciendo totalmente imprescindible haber visto la mítica serie para disfrutar la experiencia en toda su plenitud.

En el piloto dirigido por el propio showrunner de la serie volvemos al Albuquerque creado por Gilligan, familiar y reconocible al instante gracias al personal estilo de dirección, la fotografía y recursos estructurales como el ya célebre “cold opening” previo a la cabecera de la serie, dedicado en esta ocasión a confirmar la flexibilidad en cuanto a lineas temporales, pre y post “Breaking Bad” con las que va a jugar la serie, ya comentada previamente por sus creadores. Cimientos de probada eficacia y terrenos conocidos enfocados a convertirse en un regalo a un actor y un personaje con infinitas posibilidades que pedía a gritos un protagonismo mayor en cada aparición.

El protagonismo de Odenkirk es absoluto, dominando y apareciendo en absolutamente todas las escenas de este piloto que comienza una historia de orígenes y de primeros pasos en el camino del verborreico letrado de pocos escrúpulos Jimmy McGill hacia su particular visión del éxito y su transformación en Saul Goodman. Unos dificiles comienzos en los que se nos muestra a un McGill sin blanca, sin tantas tablas y seguridad en sí mismo como el Saul que todos conocemos, pero con el mismo espíritu marrullero y la misma avidez por arrancarse la etiqueta del fracaso y alcanzar un supercaso que le lleve a prosperar económicamente por la vía rápida.

El piloto ya muestra a unos cuantos personajes conocidos que se cruzarán en ese camino, como el primer encuentro con el implacable Mike Ehrmantraut interpretado por Michael Banks, y empieza a perfilar con paciencia y con cuentagotas a los nuevos. El de más peso será Chuck, el hermano de Jimmy, interpretado por el veterano Michael McKean en un papel que puede reportarle al fin el gran reconocimento dentro de una extensísima carrera, sobre todo como secundario a lo largo de tantísimos años.

Trás disfrutar a Saul Goodman dominando negociaciones en despachos, comisarías y salas de interrogatorio en “Breaking Bad”, otra de las grandes satisfacciones que reporta “Uno” a los fans es el poder ver al fin como se desenvuelve nuestro protagonista en un juzgado. La escena más divertida, impregnada de un humor negrísimo marca de la casa, transcurre durante el juicio de uno de los casos de poca monta con los que sobrevive. Una escena que retrata la personalidad y métodos del abogado manipulador vendedor de humo. al igual que el discurso para líar y convencer a los hermanos skaters, primeros reclutas de su estrambótica red de contactos criminales. Saul en estado puro.

Un comienzo satisfactorio que tranquiliza a los escépticos y nos hace intuir que vamos a ver lo que deseábamos y mucho más, abriendo una trama, que a pesar de moverse en terrenos ya explorados, va a estar llena de sorpresas. Seguiremos “Better Call Saul” esperando con ansia cada ración semanal y compartiendo impresiones con vosotros. No os la perdáis.

http://losreyesdelmando.com/2015/02/07/critica-better-call-saul-episodio-1-uno/#more-4505

“Las películas de espías de hoy en día son demasiado serias”, le dice un ceceante Samuel L. Jackson a Colin Firth en uno de los diálogos que comparten. En un mundo de modas tan cambiantes como el del cine, el Bond de Pierce Brosnan acabó agotando la imagen del refinado superagente que no se despeina ni se arruga el traje durante una pelea para dar paso a Jason Bourne, imponiendo una renovadora tendencia realista en el género que seguirían franquicias tan asentadas como la del propio Bond o “Misión: Imposible”.

Como las mencionadas tendencias son cíclicas, el tándem formado por Mark Millar y Matthew Vaughn eligen el mejor momento para reivindicar de nuevo la figura del superagente clásico y demostrar que se puede adaptar a las mil maravillas a los esquemas del blockbuster de acción de esta época.

“Kingsman: Servicio Secreto” utiliza las bases creadas por el director y el guionista de comics en “Kick Ass”, desarrollando y evolucionando un estilo propio para fusionar los lenguajes de comic y cine, ya reconocible a pesar de ser solamente su segundo proyecto juntos. Vaughn consigue su película más redonda, corrigiendo y aumentando de manera inteligente todos los aciertos narrativos y – sobre todo – visuales mostrados en la mencionada “Kick Ass” y la magnífica “X-Men: Primera Generación”. Un estilo de acción especialmente descarado y salvaje a la hora de mostrar altas dosis de violencia, atenuada en esta ocasión por la acertada decisión de no mostrar una gota de sangre en pantalla (de no haber sido así “Kingsman” hubiese entrado directamente en la categoría del cine gore).

Entrar en el terreno del homenaje tiene sus inconvenientes, más aun si hablamos de un género con reglas y estereotipos tan marcados. Durante su primera hora “Kingsman” puede parecer que peca de falta de originalidad ya que todo el proceso de reclutamiento, el periodo de adiestramiento, los gadgets o el letal sicario suenan a vistos mil y una veces. Lo único que realmente descoloca por su novedad es el villano encarnado por Samuel L. Jackson.

Vaughn y Millar utilizan el recurso de dar la vuelta como un calcetín al típico villano de la saga Bond, despojándolo de cualquier atisbo de glamour y sofisticación. Un recurso novedoso que convierte al malo de la función en una exagerada antítesis de los héroes: un nerd norteamericano que viste al estilo hip-hop,come hamburguesas, cecea al hablar y se marea si ve sangre frente al más alto grado de sofisticación, estilo, flema y elegancia puramente británicos de una organización cuya tapadera es una sastrería y en la que para ingresar, es tan necesario dominar armas y técnicas de combate como saber llevar un traje a medida, comportarse como un gentleman y saber apreciar un buen licor.

Aunque en dicho tramo no ocurra realmente nada que no hayamos visto antes, la película no aburre en ningún momento y avanza con dinamismo gracias a sus magníficas escenas de acción, una buena dosificación del humor que nunca cae en la parodia y una muy buena química entre sus dos protagonistas.

Colin Firth debuta por todo lo alto en el blockbuster de acción puro luciendo su porte de gentleman inglés sobradamente conocido y empleándose sorprendente bien en las escenas físicas, mientras que el joven Taron Egerton, cuando consigues dejar de fijarte en lo mucho que se parece a Cristiano Ronaldo (clavadito, parece un mini-clon) llena la pantalla derrochando simpatía, carisma y encanto chulesco. Ambos alcanzan una compenetración perfecta en su relación tutor-pupilo.

Todo podría haber quedado ahí. Una versión de “My Fair Lady” actualizada y aplicada al cine clásico de espías entretenida, agradable y simpática. Entonces llegamos a LA IGLESIA.

Cuando se cierran las puertas de la iglesia ya no hay vuelta atrás. En ese momento Matthew Vaughn nos coje por los mismísimos y nos deja boquiabiertos metiéndonos literalmente de lleno en la escena de acción más brutal y salvaje rodada en años. Un exhuberante plano secuencia que vale el precio de la entrada a un cine por si solo, lección absoluta de planificación y dirección que deja a la fantásticas secuencias del pub y el salto en paracaidas en meros aperitivos. En este punto la película pisa a fondo el acelerador y no lo suelta hasta llegar a un desenlace absolutamente salvaje y pasadísimo de rosca.

Salvaje y elegante a partes iguales y extremadamente divertida, “Kingsman” es un auténtico misil que confirma a Matthew Vaughn como uno de los directores de acción del momento. El primer blockbuster que nos llega este año ha dejado el listón realmente alto para los que llegarán.

http://losreyesdelmando.com/2015/02/05/critica-kingsman-servicio-secreto/

Como si tomara a Mel Gibson -otro actor australiano convertido en director- como espejo en el que mirarse, Russell Crowe ha elegido un estilo marcadamente clásico para su primer largometraje trás las cámaras. “El Maestro del Agua” es un proyecto ambicioso y no exento de riesgos para un debut. Un viaje que navega entre el retrato intimista y las grandes epopeyas con hechuras de superproducción.

Ambientada un año después del fin de la primera guerra mundial, el film centra su atención en las consecuencias de la batalla de Galípoli entre las fuerzas militares de Australia y Nueva Zelanda y el ejército turco, en especial la dolorosa pérdida de los tres hijos de un granjero zahorí de la Australia rural.

Ante lo ambicioso del proyecto, Crowe cumple de sobra con la primera premisa de cualquier director: rodéate de los mejores. En el apartado interpretativo su talento está fuera de toda duda a estas alturas. Es muy bueno, lo sabe y demuestra que no es imprescindible que alguién le muestre el camino para componer el más minucioso retrato posible de Joshua Connor, su personaje. Protagonista absoluto de la historia, Crowe se echa a las espaldas la película también delante de las cámaras para contar la odisea de un hombre que lo ha perdido todo, al que su intuición innata llevará al otro lado del mundo en busca de esperanza.

Crowe se rodea de un elenco muy solvente empezando por Ayshe, una Olga Kurylenko perfecta de nuevo en su dominio de los acentos (el turco en esta ocasión) que empieza a pedir a gritos un papel verdaderamente protagonista, alejado de ser siempre el objeto romántico del protagonista. También es agradable comprobar como se desenvuelve Jai Courtney lejos del género de acción, pero si duda la gran revelación es Yilmaz Erdogan. Fantástico en cada segundo de su actuación, extremadamente convincente como sabio hombre de honor atrapado en las conscuencias y la sinrazón de la guerra y derrochando presencia y química en su relación con Crowe y con Cem Yilmaz, el actor turco que interpreta a su lugarteniente.

Al buen trabajo del elenco de actores hay que sumarle otro aspecto técnico que eleva a “El Maestro del Agua” por encima de la media: el maravilloso trabajo de fotografía del maestro Andrew Lesnie. El ganador del Oscar por su labor en “El Señor de los Anillos” otorga a la película un acabado final majestuoso, muy especialmente en el espectacular abanico cromático que crea para la ciudad de Constantinopla y la impresionante manera de resaltar la belleza, textura y colorido del vestuario.

Quizá solo un par de aspectos pueden cuestionarse para que la película no termine de ser completamente redonda. Uno es la estructura del guión que da la sensación de intentar abarcar demasiado. A veces parece que el libreto estuviera destinado a convertirse en una gran novela o una mini-serie televisiva, más que en un largometraje de una hora y cincuenta minutos. En su empeño por retratar de manera tan minuciosa la experiencia vital por la que pasa su protagonista, el relato se dispersa y se aleja demasiado de la potente trama principal. De esta manera hay fragmentos en los que literalmente te olvidas de que el protagonista se encuentra buscando los cuerpos de sus hijos caidos en combate mientras se desarrolla su historia de amor, conoce las costumbres de la sociedad turca o se relaciona con el pequeño hijo de Ayshe.

El otro aspecto es que es poco sutil en su intención de emocionar y algo obsesiva en su continuo empeño de resultar bonita. Sobre todo en el uso tan marcado de la banda sonora (realmente preciosa) que parece invitarte a empujones a que te emociones durante cada segundo de película. Puede que una enfatización algo excesiva en una historia lo suficientemente potente e intensa en el aspecto dramático.

Pequeños pecados de exceso que no ensombrecen los numerosísimos aciertos de una opera prima de lo más recomendable. “El Maestro del Agua” es un conmovedor alegato antibelicista y una gran odisea vital, dramática, emocionante y realmente bella. Un debut que verdaderamente no lo parece.

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El continuo flujo de aparición de series televisivas de calidad estratosférica hace que productos no muy promocionados nos pasen a veces casi desapercibidos. Menos mal que en España tenemos a Canal + y su canal especializado, Canal + Series dedicándose al encomiable esfuerzo de no dejar escapar una buena serie y darle el trato que merecen.

Fué en la última edición del festival de series organizado por la cadena donde descubrimos el episodio piloto de “The Honourable Woman”, miniserie de 8 episodios de las cadenas BBC Two y Sundance Tv emitida el pasado verano. Dicho episodio piloto nos presenta a Nessa Stein, heredera de la multimillonaria empresa armamentística de su padre que decide dedicar todos sus recursos a promover la paz entre israelíes y palestinos, introduciéndonos de lleno en una entrevesada intriga empresarial, política y de espionaje.

“The Honourable Woman” no es una serie de consumo facil o ligero. Es exigente con el espectador, sobre todo en sus primeros episodios, debido a su ritmo extremadamente pausado y a la densidad y profundidad de la trama y del conflicto que retrata, donde se van presentando una gran cantidad de personajes que a veces es dificil ubicar. Esa sensación se va disipando muy poco a poco según la trama avanza gracias a un gran guión perfectamente diseñado, pero que necesita la complicidad del espectador y sobre todo de su paciencia, ya que la información se va administrando con cuentagotas. Una vez que entramos en el ritmo que nos marca Hugo Blick, guionista y director de la serie, solo queda disfrutar de la elegancia puramente británica con que la enrevesada madeja se va deshaciendo ante nosotros, sobre todo a la altura del tercer episodio donde entra en juego el recurso del flashback, imprescindible para ir asimilando las motivaciones que mueven a unos personajes fantásticamente perfilados e interpretados.

Es a partir de dichos flashbacks cuando la serie, sin llegar a pisar el acelerador del todo en ningún momento, crece en ritmo y en interés progresivamente desembocando en un climax realista, duro y muy coherente. Nunca abandona su tono pausado y su herramienta predominante es el diálogo, lo que consigue que los contados momentos de acción y violencia lleguen de manera especialmente brutal e impactante. Una violencia dura, cruda y muy realista.

Para entendernos, si “Homeland” nos fué presentada como la hermana adulta de “24″, “The Honourable Woman” es la madre de las dos. Un paso más allá en cuanto a realismo y complejidad en el retrato de un conflicto tan incomprensible como fascinante, mostrado de manera bastante objetiva, sin tomar parte en ningún momento por parte de ningún bando. Aquí no hay buenos muy buenos ni malos malísimos.

Tras todas estas virtudes, lo que termina por destacar a “The Honourable Woman” y elevarla a niveles muy por encima de la media es su visión marcadamente femenina. En los géneros en los que la serie se mueve (espionaje, terrorismo, tramas empresariales y políticas) donde el hombre siempre suele ser protagonista, o donde se tiende a masculinizar a los personajes femeninos para encajarlos, la obra de Hugo Blick se erige como un auténtico monumento a la femineidad cinematográfica. Y lo logra a través de dos protagonistas femeninas maravillosamente definidas e interpretadas.

En una producción tan marcadamente británica se apostó por una actriz norteamericana para el papel principal. La apuesta fué arriesgada ya que Maggie Gyllenhaal no venía avalada con la etiqueta de superestrella de Hollywood precisamente, sin embargo ha logrado una actuación memorable. Sin duda su papel de Nessa Stein debería catapultarla definifitamente. Elegante y aristocrática, con un perfecto acento británico, muy creible tanto cuando se nos muestra como una mujer de negocios implacable y decidida como cuando su personaje es inocente y confiada o vulnerable y presa de las dudas ante todos los que la rodean.

Porque dentro de todos los temas que trata la ambiciosa odisea que emprende la protagonista, uno destaca por encima de todos y es la confianza, como se ocupa de recordarnos la propia Nessa Stein en el monologo con el que comienza la serie y que abre cada episodio. La monumental lucha por encontrar esa confianza en sus socios empresariales, políticos, amigos, incluso familia imprescindible para alcanzar un objetivo sumamente ambicioso y utópico. Entre todas esas relaciones destaca la que se desarrolla con el otro personaje protagonista de la historia, Atika Halabi, el ama de llaves de la familia Stein que la actriz Lubna Azabal se encarga de convertir en el otro pilar femenino del reparto con su extraordinaria interpretación.

Genevieve O’Reilly como la asistente personal de Nessa Stein, Eve Best como una ambiciosa agente del MI6 o Janet McTeer como jefa del servicio secreto británico completan el marcadamente femenino reparto en papeles más secundarios, pero igualmente sobresalientes en su interpretación.

En el apartado masculino se alza sobre todos un espectacular Stephen Rea interpretando a Sir Hugh Hayden-Hoyle, un cansado, cínico e irónico agente del MI6 a punto de retirarse. Cada linea de diálogo de su personaje es oro puro, en especial con su jefa y su ex-mujer y Rea está sencillamente de diéz.

Sin duda otra joya que roza la perfección que nos llega desde la televisión británica y que descubrimos gracias a Canal + Series. Si no os atrapa desde el principio dadle un poco de tiempo y acabaréis totalmente absorbidos y fascinados. Imperdonable perdérsela.

http://losreyesdelmando.com/2014/11/15/critica-the-honourable-woman/#more-2675

Con casi tres años de retraso llega esta interesante muestra de cine de espionaje a nuestro país, gracias a la reciente revalorización de su director e interpretes. Esta producción de BBC Films pasó bastante desapercibida en su día al contar con la presencia de Clive Owen, ya entonces algo alejado de la primera linea de Hollywood, como único gancho comercial.

Tres años después su director James Marsh está de plena actualidad gracias a “La Teoría del Todo” y su protagonista Andrea Riseborough, es reconocida gracias a sus trabajos en “Oblivion” y “Birdman”. El reparto lo completan otros dos nombres en clara progresión ascendente como Aidan Gillen (“Juego de Tronos”) y Domhnal Gleeson, asentadísimo en Hollywood trás films como “Frank”o “Invencible” y al que veremos en el episodio VII de “Star Wars”. Incluso el propio Clive Owen ha vuelto con más fuerza al candelero gracias a su soberbia interpretación televisiva en “The Knick”, con nominación al globo de oro incluida.

Nombres atractivos para el espectador dentro de una producción con poquísimas pretensiones comerciales. Si buscáis un thriller adrenalítico de espionaje, esta no es vuestra película. “Agente Doble” narra esta historia de mentiras y lealtades con los últimos coletazos del IRA en el conflicto del Ulster como marco de fondo de una manera extremadamente fría, que puede alejar al espectador que busque entretenimiento ligero.

La trama avanza muy despacio, a base de planos, miradas y silencios exagerademente largos. Sobriedad y realismo llevado al extremo dentro de una pesimista y plomiza atmósfera de la que película no consigue salir, ni siquiera en los contados arrebatos de violencia.

Superadas las dificultades que pueda acarrear su propuesta formal, “Agente Doble” contiene una interesantísima visión del conflicto irlandes a través de un retrato intimista de un ambiente familiar educado en la violencia. Una familia para la que la actividad terrorista es la única forma de vida que han conocido, en la que cada miembro asimila a su manera la inminente llegada del adiós a las armas. En el centro del huracán se encuentra Collette, fantásticamente interpretada por Andrea Riseborough. La película se mueve y respira a través de los enormes ojos de esta mujer dolorosamente sola, envuelta en la titánica tarea de sobrevivir dentro de una telaraña compuesta por su responsabilidad como madre, la lealtad a su familia y sus ideales y una insoportable presión policial.

Una interpretación contenida, sobria y alejada de cualquier artificio al igual que el resto del estupendo elenco. Clive Owen protagoniza la trama puramente policial del film, que aunque es bastante convencional, aporta con el proceso de investigación del misterio una buena dosis de interés que se agradece bastante para afrontar el tramo final.

La Aventura y Good Films han repescado un film muy competentemente realizado en términos técnicos y artísticos, al que una pizca de ritmo y emoción hubiese convertido en auténtica joyita.

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