Emotiva e intimista película del realizador finés Klaus Haro. El artista anónimo es una obra que desconocía, pero que me ha emocionado profundamente. Sin duda es una película a descubrir, una de esas pequeñas joyas que producen una gran satisfacción cuando uno la visiona.

Olavi (Heikki Nousiainen) es un ya veterano vendedor de arte que se queda fascinado por un retrato sin firma que descubre en una casa de subastas. Olavi es reservado, curioso, observador, taciturno y gran apasionado de la pintura. Está pasando por un momento económico complicado, motivado por la gran transformación que el mundo del arte ha sufrido en los últimos años, un mundo en el que prima más el dinero y la apariencia, que la creatividad artística y la investigación.
En este orden de cosas, Olavi se encuentra con que tiene que lidiar con su nieto, por un tema disciplinario de este. Hecho que genera entre los dos un gran acercamiento (a pesar de que el al principio hay una gran reticencia por parte de Olavi), un acercamiento que será clave en el desarrollo de la historia.

El artista anónimo es un drama que explora gran variedad de temáticas. Desde la redención, el choque generacional o la incomunicación entre padres e hijos hasta la corporativización y banalización del mundo del arte
Aunque creo que por encima de todo, el film que nos ocupa es una historia de redención de un padre que durante toda su vida se ha centrado en su negocio y se ha olvidado de su familia. Es una historia de reproches, de encuentros y desencuentros entre un padre y una hija cuyas vidas se han mantenido al margen durante muchos años.
Otto (Amos Brotherus) nieto de Olavi, es un personaje clave, ya que a través de su figura Olavi es consciente del alejamiento y el daño que ha causado a su hija, lo que conlleva a que por primera vez pida perdón y comiencen a cicatrizar sus heridas familiares.
La película además es una crítica importante al mundo del arte. Un mundo que, como decía más arriba, se ha convertido en un negocio, un mundo en el que la ostentación, la banalidad y el dinero predominan convirtiéndose en una lacra para personas que como Olavi, son apasionadas de verdad por la creatividad y calidad artísticas. Esta idea se ve reflejada de una manera muy clara cuando el viejo se ve obligado a vender su tienda, siendo sustituida por una National Gallery llena de luces y pomposidad, pero vacía de alma.

Técnicamente, la banda sonora resulta muy emotiva y la estética es intimista y sencilla al mismo tiempo. La fotografía está muy cuidada, y en general el guion funciona bien. Grandes interpretaciones tanto de Nousianien, como de Brotherus.

En fin, espero que esta crítica sirva para que pequeñas joyas como la que nos ocupa se descubran y sean más reconocidas a nivel internacional.

Tenia grandes expectativas a la hora de abordar el cine de Parajanov. En esta, su primera obra que veo, la decepción ha sido grande.
En realidad no puedo decir que sea una mala película, simplemente que tanto su narrativa, como su historia no me han interesado suficientemente.
El amor de Iván y Marichka es puro, poético y muy tierno. Es un amor idealizado, no en vano, es un amor que comienza en la infancia de ambos. Para más inri, sus respectivas familias están enfrentadas, con lo que su historia se hace aún más inverosímil.

Parajanov utiliza movimientos de cámara bruscos y continuados, que en mi opinión, no hacen más que crear confusión y mareo. Además el guión es prácticamente inexistente y la historia avanza a trompicones. Sé que las imágenes destilan poesía, pero la verdad es que en ningún momento me conmueven. Para rematar la faena, la utlización del sonido es nefasta, ya que, me parece que abusa de sonidos muy estridentes. Es por esto, que en muchos tramos, el film llega a irritarme.

El director soviético muestra la vida y costumbres del pueblo ucraniano, recreándose en su folklore y su misticismo. El sentimentalismo y la pasión son otros de los puntos que caracterizan al pueblo y a su percepción del mundo. Desde este punto de vista Los córceles de fuego se convierte en una obra de un profundo interés cultural y antropológico, amén que artístico.

Decepción, pero también curiosidad por ver otras obras del director, a fin de decidir si lo dejo a un lado o sigo adelante con su filmografía.

Maravillosa obra maestra, clásico entre los clásicos del género musical y del cine en general.

Boris Lermontov (Anton Walbrook) es el director de una compañía de ballet bastante exitosa. Es cínico, egocéntrico, obsesivo y autoritario. Su amor hacia el ballet es compulsivo y está obsesionado con llevar a lo más alto a su bailarina estrella, dejando esta toda su vida para centrarse única y exclusivamente en su amor al ballet. De ahí que desprecie cualquier forma de amor que no sea este, incluido por supuesto, el romántico.

Victoria Page (Moira Shearer) es una bailarina amateur, que en la fiesta de estreno de uno de los ballet de la compañía Lermontov conoce a Boris y mediante la influencia de su tía consigue la oportunidad de que este la contrate y empiece a bailar para su compañía. Su papel en el ballet Las zapatillas rojas la catapulta al estrellato. Su talento, su amor al ballet y los constantes ánimos de Boris hacen de ella una de las mejores bailarinas de la época.

Julian Craster (Marius Goring) es un estudiante de composición que asiste al estreno de ese mismo ballet de la compañia Lermontov. Al poco de visionarlo y escucharlo, se da cuenta de que la pieza es suya y que su profesor se la ha robado. Esto hace que, indignado, Julian se presente ante el mismísmo Lermontov para exigir explicaciones. Este hecho le da la oportunidad de trabajar para la compañía y demostrar su gran talento. El ballet de las zapatillas rojas es, como en Victoria, la oportunidad que le lleva a la fama y la gran demostración de su potencial.

Durante los ensayos de las zapatillas rojas Victoria y Julian se enamoran y comienzan su romance. Los une su amor a sus respectivos talentos, algo que va a marcar el final de la historia. Es curioso como la misma cosa que acaba siendo el origen de una historia de amor, puede acabar convirtiéndose en la razón de su separación. Aquí se expone algo que siempre ha perseguido a muchxs artistas: la lucha entre el amor a su talento y el amor a otra persona.

Por otro lado cuando Boris se entera del romance, estalla en cólera, ya que ve peligrar el amor que Victoria siente por el ballet, amor que él quiere que ella sienta de la misma manera en que él lo siente. Un amor obsesivo que le lleva a despedir a Julian, a pesar de su enorme talento. Es una historia de amor a tres bandas en la que el orgullo y los celos se convierten en los principales protagonistas.

Por último, no puedo dejar de hablar de la impresionante secuencia del ballet de Las zapatillas rojas. Fascinante la manera en que está rodada. Planos inverosímiles que dan lugar a un enorme trabajo de montaje. Los efectos visuales y sonoros son absolutamente bestiales. Durante toda la secuencia, sencillamente estaba con la boca abierta. Arte en mayúsculas.

En definitiva, una enorme obra maestra, una historia elegante, emocionante y bella sobre el amor, el talento y el arte.

Gran debut de Viggo Mortensen detrás de las cámaras. Falling es una obra potente y enternecedora, una obra que nace de las entrañas de un director que quizás haya vivido en sus carnes el relato que aquí nos presenta.

Falling gira en torno a un tema que siempre da que hablar y del que nunca se van a hacer las suficientes películas: la familia. Y es a partir del drama familiar a través del que Mortensen vertebra una historia dura y tierna al mismo tiempo, que logra emocionar de una manera sensible, que no sensiblera.

Willis (Lance Henriksen) es un granjero conservador que vive con su familia (esposa y dos hijxs) en la granja familiar. Es retrógrado, machista, racista y autoritario, a lo que se le suma un principio de Alzheimer o demencia, que hace que la convivencia con él sea harto difícil.
John Petersen (Viggo Mortensen) es hijo de Willis, y vive con su marido y la hija adoptiva de ambos en Los Ángeles. A pesar de haber sufrido continuos maltratos y humillaciones por parte de su padre durante su infancia y adolescencia, John es un tipo calmado, educado y abierto. Se ha prometido a sí mismo no entrar al trapo de las provocaciones de su padre, y a fe que lo consigue, con una paciencia infinita y digna de mención.

La historia está construida de manera que mediante preciosos y cuidados flashbacks, vamos conociendo pinceladas de la infancia y la adolescencia de John y de como era su relación con su padre y su madre. El continuo maltrato de Willis a su esposa hace que esta ya no pueda más y lo abandone.
Mortensen trata de mostrar cómo las heridas del pasado en el seno familiar afectan al devenir de todos los miembros de la familia, nos habla también de cómo los prejuicios y el miedo carcomen las relaciones humanas, y cómo a través del perdón, la comprensión y la infinita paciencia se puede amar a una persona, que por lo demás resulta totalmente despreciable. Están presentes, por tanto, temas como los prejuicios, el perdón, las relaciones paterno-filiales, el machismo, el racismo, el paso del tiempo, la vejez y la enfermedad.

A nivel ténico nos encontramos con una película que está contada con una profunda sensibilidad y delicadeza. La paciencia que Mortensen dedica a los muchos y bellos planos del entorno natural o la banda sonora, llena de nostalgia y ternura envuelven una historia que por su estética me recuerda a algunas películas del maestro Eastwwood. La interpretación de Lase Henriksen es muy potente y está llena de veracidad, Viggo Mortensen está magnigico en un papel comedido y de contención. La fotografía es espléndida.

Un peliculón en toda regla y un esperanzador debut que hace que no perdamos la pista del bueno de Mortensen.

Gran película de José Antonio Nieves Conde. Segunda que visiono tras su magistral "Surcos". El inquilino me parece una obra que refleja bastante fielmente la realidad de la sociedad española de los años 50, especialmente en cuanto al problema de la vivienda y el trabajo.

El inquilino es una película que bebe del ya ampliamente conocido y consagrado por aquél entonces movimiento neorrealista italiano. Su puesta en escena es magnífica, ofrenciendonos un retrato ácido, cruel y dramático de un problema que a día de hoy sigue estando muy vigente en nuestro país: la vivienda.
Evaristo (Fernando Fernán Gómez) es un practicante que está casado y tiene cuatro hijos. Es un hombre honrado, bondandoso y trabajador. Pero llega el día en que tiene que abandonar su casa, junto a su familia, porque van a tirarla. Su búsqueda infructuosa de una vivienda llega al punto de la desesperación, hecho que refleja de una manera brillante Nieves Conde, plasmando la angustia que puede llegar a producir el hecho de no saber si al día siguiente vas a tener un techo en el que dormir para tu familia. La crítica del director al Estado español es bastante evidente y, por ello, la censura se vio obligada a hacer de las suyas, cortando y manipulando algunas de las escenas.

Me ha llamado poderosamente la atención la solidaridad con la que se muestran los obreros encargados de tirar la casa, conscientes de que ellos podrían verse en esa misma situación en cualquier momento. Aquella España, con todos los problemas que arrastraba, tenía algo de lo que actualmente carece: el sentimiento de comunidad entre las personas.

A nivel técnico la película es austera y sencilla, incluso con cierto tono documentalista.

Obra notable en su conjunto.