¿Qué tiene Clannad que lo haga diferente de otras adaptaciones de visual novel con un protagonista beta y multitud de mujeres rodeándole?
Absolutamente nada.

A la hora de hablar de Clannad deberíamos primero hablar de su precedente cronológico y temático más inmediato: Kanon. Kanon es el anime intermedio dentro de la llamada Holy Trinity de las adaptaciones de visual novel de Key que KyoAni adaptó entre 2005 y 2008 compuesta por Air, Kanon y Clannad, tras las desastrosas adaptaciones homónimas producidas por el hoy infame Toei Animation. En este anime se pueden ver muchos patrones, tópicos y estructuras usadas posteriormente en Clannad: setting escolar, harén implícito con aparente desinterés romántico típico de Key, conversaciones individuales que pueden ser tan acartonadas que prácticamente estuvieras viendo el frame congelado de la visual novel, arcos argumentales en los que el protagonista ayuda a una de las chicas, desapareciendo las otras mientras, pasando las ayudadas a ser completamente olvidadas en los arcos posteriores, y un largo etcétera. Kanon en sí no es un terrible anime y probablemente sea una buena adaptación, pero se notaba la falta de experiencia de KyoAni en ese momento. Las VN de la Holy Trinity son terriblemente arcaicas tanto en estructura como en el apartado artístico (los ojos son DEMASIADO grandes) para los estándares actuales y eso se puede ver en otras VN más modernas adaptadas por otros estudios, que ya tienen un carácter más dinámico y una estructura más fluida, lo que conlleva que si bien a Key le encanta hacer historias humanas con elementos fantásticos y sobrenaturales, entre una estructura arcaica y una adaptación al medio demasiado rígida se origina un producto bastante artificial y deshumanizado.

Clannad, por su lado, aun siguiendo estas estructuras, resuelve parte de estos problemas, consiguiendo un producto más orgánico. Sin embargo, tener mayor fluidez narrativa no encubre sus grandes fallos a nivel de serie y personajes.

Clannad, así como sus predecesoras, consiste en un personaje masculino ayudando a las chicas que va conociendo y con las que se va relacionando, juntando mútiples elementos como drama, comedia, aspectos sobrenaturales, y una subtrama romántica. Al igual que las adaptaciones previas de Key, el motivo por el que este personaje es tan "voluntarioso" es porque el anime intenta hacer una amalgama de las rutas de la VN y adaptar en la medida de lo posible todas las mencionadas rutas. Como se puede deducir, esto genera un problema: La VN de Clannad es exageradamente larga, y adaptar todo ese contenido en 23 episodios es absolutamente imposible. Sin embargo, Clannad también hizo un mejor trabajo que sus precedentes en ese apartado, no sintiéndose tan forzado al cambiar de arco o que los sucesos no pasen excesivamente rápido, por falta de tiempo. Por otro lado, al mantener la estructura de arcos argumentales con la chica de turno como eje central, se produce una gran división narrativa ue resulta en un producto artificial fuera de lo que sería una VN. Además, los dos primeros arcos cubiertos en la serie (los de Fuko y Kotomi) son exageradamente largos y tediosos, con algunos puntos a favor, pero narrativamente muy lentos.

Quitando al personaje principal y su amigo Sunohara, la mayoría de los personajes son chicas, todas con una personalidad bastante definida y diferentes entre sí, si bien muchas coinciden en pecar de un moe excesivo. Aunque Furukawa Nagisa no me desagrade como personaje, en ciertos momentos parece que sólo a Sakagami Tomoyo y Fujibayashi Kyou les funciona la cabeza a velocidad normal.

El personaje principal, Tomoya, por su lado, es un personaje bastante completo, ya en Clannad. Cumple su rol de ser influenciado por las chicas y sus arcos para desarrollarse de forma más lúcida que en las adaptaciones predecesoras, pero lo más importante, al menos en esta primera temporada, es su caracterización básica: sarcástico, de humor fino y con un buen balance entre ser una persona incomprendida con lo que realmente es: un macarrilla que no hace nada realmente malo. Su pasado, motivaciones y desarrollo son correctos ya en Clannad, y con Sunohara forma un buen dúo cómico, dado que la comedia es sin duda lo mejor de esta temporada, ya que el drama del que presume esta serie es artificial y forzado, al menos en los arcos de Fuko y de Kotomi. En el de Nagisa, sin embargo, el ritmo es mucho más adecuado que en los anteriores y el drama es creíble en bastante medida.

La serie no es completamente vacía en términos temáticos pese a lo que pueda parecer. Aunque todo esto es explotado mucho más en la segunda temporada, explora los temas de la fugacidad del tiempo, el avance inexorable de la sociedad y, sobre todo, de la familia. La serie revuelve mucho el concepto que cada personaje tiene de la familia y las diferencias entre ellos. Sin embargo, no dejan de ser ligeros esbozos, un pequeño aperitivo temático no desarrollado hasta más adelante. En Clannad, nada llega a ningún punto en concreto.

En conclusión, Clannad es un anime con muchos problemas. Posee personajes excesivamente artificiales y moe, así como situaciones con drama forzado, flojo, idealista y no creíble ni dada la naturaleza de la serie. Sin embargo, la serie por lo general se centra más en una comedia bien hecha y demás elementos que sí están bien ejecutados. Molestan algunas cosas ya mencionada pero es una serie decente que se puede ver sin mayor problema, quitando los terribles episodios sobrantes del arco de Fuko, sobre todo. Si bien es cierto que deja demasiadas cosas en el aire, estas son resueltas en la temporada siguiente, Clannad: After Story, de la que hablaremos en otra ocasión, pero ya auguro que merece la pena verse esta primera temporada para ver esa, sin duda alguna.

Crítica originalmente escrita por mí en https://destinoorphanikiv.wordpress.com/2018/12/05/mi-obra-maestra/

“Para ser un artista de éxito es necesario ser ambicioso y egoísta. El que hace arte porque no sabe hacer otra cosa tiene una especie de discapacidad.”, decía en uno de sus extremadamente sinceros diálogos el personaje interpretado por Luis Brandoni, el pintor en decadencia Renzo Nervi. Y es que tal y como ocurría en películas anteriores del director, Gastón Duprat, el arte es vista como una industria cruel y mercantilista en la que las cualidades que hacen notoria a cierta obra artística sólo es mostrado para conseguir vender el cuadro de turno al mejor postor. Eso provoca que Renzo y todos los artistas, en cierto modo, compitan agresivamente por su sustento, pero Renzo, ya sea por la industria como por su propia misantropía, es una caricatura de lo que fue décadas atrás. Confinado a una ruinosa casa de la que no puede pagar el alquiler, transita trastornado su vida clamando al viento su grandeza pero sin vender una sola obra, sin avanzar a la vez que el tiempo. Su único contacto y apoyo es su marchante de arte, Arturo (Guillermo Francella), que le brinda su amistad aparentemente casi de forma unilateral debido a los trastornos elitistas.

Uno de los grandes problemas de Mi Obra Maestra es que no parece tener un rumbo claro o temática definida. Ahonda en su crítica a sistema de comercio del arte y a su movimiento de carácter pecunario, pero es dispersa durante la obra y poco sutil. En cierto momento de la película, también toca el concepto de la eutanasia con una aproximación interesante al querer darse debido a autoconscientes limitaciones mentales y vitales, y no tanto debido a limitaciones físicas, como en Million Dollar Baby (Clint Eastwood, 2004) o Mar Adentro (Alejandro Amenábar, 2004). Sin embargo, la película no se la llega a tomar en serio y prácticamente se convierte en parte del humor negro presente en la obra.

El punto que podríamos catalogar como céntrico en la película es la relación de amistad entre los dos protagonistas. Con grandes interpretaciones de los dos actores, la química existente y las realistas interacciones entre ellos dotan de una inusitada vida a la película. Son dos personajes con una caracterización amena y marcada, con un desarrollo decente durante la obra. Chirría sin embargo la incuestionable amistad de Arturo por Renzo, dado que no tenemos contexto tangible de esa amistad que dura décadas. Aún así, es mejor que recurrir a múltiples y convenientes saltos en el tiempo, que hubieran alterado el notable ritmo y dinámica de la película. Es posible que el personaje de relevancia más flojo sea el encarnado por Raúl Arévalo, que parece una caricatura de un niño bien que busca lavar su autoimpuesta culpa primermundista mediante un tour de pobreza por las américas. Llama la atención su incorruptible unidimensionalidad al ser una persona buena por el simple hecho de ser buena, un personaje cuya mera existencia fuerza la trama a avanzar a su final, pero su personaje como tal no llega a ser desarrollado en ningún momento.

Mi Obra Maestra es una obra inconsistente. No tiene un rumbo fijo, por lo que trata varios temas, además de su propia sátira, con superficialidad y su final carece realmente de consecuencias, pero explora mejor la amistad, sus límites y el vínculo que puede unir a dos personas. Su ocasional comedia negra está bien colocada y elegida, aunque a veces resta fuerza a posibles momentos dramáticos. Irregular en cuanto a estructura, bien en cuanto a ideas y actuaciones y correcta en ejecución, salvo la mencionada superficialidad y algún giro de trama previsible. Estamos ante una obra que pone su foco en los personajes y cómo interactúan más que en la propia sátira que podría haber pulido y ocupado el eje central, pero sin duda el resultado es entretenido y disfrutable.

Crítica originalmente escrita por mí en https://destinoorphanikiv.wordpress.com/2019/01/17/los-fantasmas-de-ismael/

Ahondando en las tribulaciones psicológicas que padece un director de cine debido a su pasado, Los Fantasmas de Ismael comienza con inusitada potencia, mostrándonos una situación que no se corresponde con la sinopsis, al atraparnos en una, en teoría, película de espionajes que nuestro protagonista está rodando. Con una dirección alegre y ágil, así como sobria en los momentos adecuados, el director Arnaud Desplechin firma en esta obra una primera hora muy sólida, con un buen desarrollo de la trama y presentación de personajes, así como la interacción entre estos. Juega muy bien con el pasado y el presente en un aparente galimatías narrativo para definir mejor a sus personajes, consiguiendo cerrar el arco correspondiente al trío protagonista y sus situaciones sentimentales en un punto alto.

Sin embargo, al culminar el arco central de la película en la primera hora, la obra parece quedarse sin fuelle en la siguiente hora y cuarto de metraje, al poner su foco en numerosas tramas tildadas de secundarias desde el principio de la película. Si bien es cierto que los fantasmas de Ismaël no son sólo los referentes a su mujer desaparecida 20 años atrás, si no también los relacionados con su hermano y su familia, mezcla conflictos amorosos, existenciales y familiares, la película dentro de la película (una visión que el protagonista tiene acerca de la vida que lleva su hermano), así como la trama de la mujer y su padre, en un popurrí de nadería. De por sí son buenos ingredientes, con algunas escenas realmente buenas para cada subtrama, pero la sensación de falta de rumbo tras el primer tercio de película es notable. A esto se le suma su final basado en mera exposición, que parece ciertamente apresurado.

Pese a todo, durante toda la película Desplechin consigue mostrar la desazón, confusión y progresiva locura a la que se está arrastrando el protagonista debido a todos sus fantasmas, traumas y últimas vivencias. Muestra al público un hombre roto, tóxico y que se siente culpable debido a su confusión amorosa, para reforzar al final el mensaje del amor como cura del tormento. De esta manera, pese a lo irregular de su narrativa y propuesta múltiple, consigue llevar sus temas a buen puerto. Todo esto es ayudado enormemente por las interpretaciones de Charlotte Gainsbourg y la conocida Marion Cotillard.

Con robots gigantes, senos botando por doquier, una habilidad inherente para crear obras maestras y rezumando carisma ochentera vuelve el afamado estudio Gainax con una de sus obras más desconocidas, pero a su vez una de las que más atención precisa.

O debería decir, más que vuelve, que empieza, porque esta serie de OVAs comienza en el año 1988, siendo prácticamente la obra debut del neonato por aquel entonces estudio Gainax y el primer trabajo con la claqueta de uno de los directores de animación más brillantes y controversiales de la historia, Hideaki Anno, ya que sus inicios fueron como key animator en obras como Macross o Nausicaä del Valle del Viento, de Hayao Miyazaki. Menta decir que esta primera oportunidad a los mandos de su propia serie no fue desperdiciada, ni mucho menos, estableciendo muchas cuestiones temáticas y de estilo de cara a lo que en 1995 se convertiría en su opera magna, Neon Genesis Evangelion.

Y es que el padre del anime tridimensional a nivel psicológico consiguió ya con Gunbuster marcar un antes y un después dentro de un género ya trillado en los 80, el genero mecha, siendo la primera realmente en introducir conflictos internos en los personajes y cuestionarse las acciones a un nivel tan profundo, aunque, comparada con la obra que, debido a sus similitudes, la eclipsó, Evangelion, podríamos decir que solo roza la superficie del subconsciente.

Gunbuster es una historia de superación, una leyenda de proporciones épicas narrada con epicidad, pero, y aquí su mayor problema, en muy poco tiempo. Así es, 6 episodios de media hora aproximada es demasiado poco tiempo para desarrollar las motivaciones de los personajes, situación del mundo y personajes secundarios de una forma siquiera aceptable. Nada de lo planteado u ocurrido en los 3 primeros episodios me puede afectar en lo más mínimo ya que, lejos de lo que yo valore o no a los personajes, ni siquiera otros personajes pueden ser afectados con semejante ritmo abrupto. Falla al desarrollar vínculos en pantalla con todos los sucesos acontecidos de forma tan condensada, pero una vez supera, con bastantes dificultades, la construcción del mundo que presenta, la serie mejora una barbaridad a nivel narrativo, consiguiendo usar de forma satisfactoria esos elementos positivos de los primeros episodios y crear esa resolución y esa epicidad tan distintivos en el mecha de Gainax (Anno e Imaishi).

La comedia en sí no es muy allá, con tipicos tropos y clichés de los 80, así como diversos formalismos (la estructura del entrenamiento del primer episodio, el gritar el nombre de los ataques) o mostrar desnudos sin pudor dado su formato de OVA, pero el drama está relativamente bien logrado al jugar con un concepto muy raramente presentado en el anime y en los medios audiovisuales en general. En términos espaciales, Gunbuster se presenta como una serie de ciencia-ficción "realista", donde tiene en cuenta las leyes de la física a la hora de moverse por el espacio. Es decir, si avanzas a la velocidad de la luz alejándote de la tierra, se generará una diferencia temporal entre ambas entidades, dando lugar a un drama de aislamiento y soledad ya que la sociedad avanza en el planeta mientras tú te has mantenido igual, habiendo pasado mucho menos tiempo. Gente que conocías de sentarse a tu lado en clase ahora tienen hijos a su cargo, y todo es diferente a como lo conocías antes. La serie, pese a su duración, brilla especialmente por esa parte, ya que prácticamente ningún anime espacial no cuenta con estos elementos, ni siquiera el templo de masturbación de los elitistas y, a mi entender, el mejor anime de la historia, Legend of the Galactic Heroes, poseía este elemento, ya por desconocimiento, ya por conveniencia dada la envergadura de su universo.

La serie tiene algunas conveniencias más en el transcurso de la misma, pero no es nada que perjudique la experiencia general en gran medida, continuando con la evolución de personajes y su epiquismo hasta el glorioso episodio final, que justifica la serie entera, siendo una obra de arte en sí mismo y trascendiendo el medio en más de un aspecto. Es un final espectacular, y cuanto menos meditabundo; no es el sacrificio de la humanidad, pero tampoco es alegre. Esa epicidad tan llena de carisma, con esa violencia tan agresiva y visceral que recuerda al más joven Tarantino, esos frames estáticos dibujados a mano con tanto desparpajo que los trazos dicen más sobre una batalla que la mejor animada de las secuencias, y un sacrificio que marcó una tendencia. Y, por encima de todo, esa escena final que te deja con esa satisfacción que tienes cuando presencias una maravilla atemporal del medio audiovisual.

La pregunta es, ¿justifica ese final todos los problemas que arrastra la serie, sobre todo en los primeros episodios, y que la serie trascienda como una obra maestra como tal?
En mi opinión, no. Pero matizando.

El final de Gunbuster no arregla todo lo visto hasta el momento, pero si que recompensa con muchísimas creces el haber llegado hasta ese momento. No es una obra que se caracterice por su solidez, si no por su genialidad. Todas las virtudes y defectos de Hideaki Anno se pueden apreciar en Gunbuster, generando una historia coming of age que cambió de ahí en adelante la perspectiva del género mecha y del anime en general, que disparó a Gainax rumbo a su obra maestra y que a mí, a Top wo Nerae! Gunbuster, me gusta considerarla "una obra maestra con numerosos fallos".

Recomendada.