Mi primer acercamiento a Terence Davis, constituye para mi todo un descubrimiento sobre una sensibilidad, enfoque, y forma de ver las cosas, que no había visto antes.

Rodada en dos partes, con años de diferencia (de ahí las diferencias físicas entre algunos de los protagonistas), Davies retrata una familia, que al final es el retrato de una época, que casi puedes sentir y tocar, con una acertada propuesta estética, a través de momentos compartidos entre los personajes, sin seguir un orden lineal. Davies nos hace mirar por el agujero del tiempo, y descubrir como se vivía, y que se sentía, en los tiempos que él narra, que constituyen su propia juventud, y que nos acercan a lo más intimo de las personas.

Bella, pausada, un tanto fantasmal, poética, meticulosa en la ambientación, y con una constante que la recorre, que son las canciones de toda una época en la que no había más entretenimiento que algún programa de radio, y que cantadas en grupo, unían, entretenían y emocionaban a la gente.

Ahora mismo no soy capaz de recordar una película que al inicio de la misma me produjera un nudo en el estómago, y este no se deshaciera hasta varias horas después de terminar de verla.

Creo que la crudeza, la desnudez, la desesperanza y la permanente, y para mi emocionalmente debastadora, presencia de la infancia, produce una tensión, y un miedo latente, por lo que pueden hacer unos personajes, no malos, pero si perdidos, y superados por sus circunstancias y adicciones.

La desgarradora historia de dos hermanos, sólos, abandonados y traumatizados, es de una sobriedad, contención y realismo, que estremece en todo momento, porque como contraposición a su realidad, no dejan de ser personas llenas de humanidad, que buscan una segunda oportunidad, que afortunademante la película parece vislumbrar en uno de ellos.

Las interpretaciones de los protagonistas es prodigiosa, veraz y emocionante, la utilización del tiempo, y los matices por parte del director dan virtuosismo al relato, y la presencia infantil provoca tal nivel de emoción y tensión permanente por lo que pueda pasar, que no te quitas ese nudo del que hablo al principio de la crítica.

Todo lo dicho se resume para mi en un concepto, obra maestra, dura e incómoda, pero obra maestra, cuyo visionado para mi, que he sido padre recientemente, ha supuesto todo un desafío emocional.

Escribir sobre "Detour", es no sólo escribir sobre uno de los clásicos más incontestables de la serie B, sino hacerlo sobre todo un clásico de la historia del cine en general, y del género negro en particular.

"Detour" es una película negra, como lo son todas las películas de perdedores, un film donde el destino marca un camino sórdido y trágico a un protagonista que anhela algo mejor que nunca alcanzará.

Edgar G.Ulmer, curtido en la UFA, y especializado en películas de terror y serie B, compone un relato perfecto, donde la tensión, el drama y la incertidumbre se mantienen en todo momento, una historia efectiva, que va al grano y llena de acertados giros.

Poco más, hay que verla, disfrutarla y comprobar como es posible contar tanto y tan bien en poco más de una hora, solo hace falta talento, y una buena historia.

Realmente a todo cinéfilo debe de atraerle esta película, un exponente de terror de serie B, en el que aparecen Karloff en un registro no montruoso, en el que vemos a Lugosi en su última película "seria", y la primera película dirigida en solitario por el prolífico y polifacético Robret Wise, un director que luego nos daría décadas de buen cine.

Entrando en el film, tiene toda la impronta de la serie B, aunque más de lo malo (historia apresurada, alguna interpretación poco brillante, y efectismo frente a talento) que la originalidad, sorpresa y terror, que es lo que suelen provocar la buenas películas de este tipo.

Karloff está bien, y lo de Lugosi, es una pena, parece que no lo querían en la RKO para el film, y se nota, papel muy secundario, e intranscendente. Casi quien más me gusta es Henry Daniell, actor con personalidad que da mucha credibilidad a su papel de médico.

Respecto a la historia, correcta, se deja ver, no tiene grandes lagunas, aunque resulta un tanto deshilachada y apresurada en su desarrollo, me causa cierto interés, pero ningún atisbo de tensión o miedo.

Tras esa obra clave, con la cual el cine cambió, que es "Al final de la escapada", Godard se embarca en un proyecto donde superpone su personalidad a la de la propia obra.
El argumento es original, y un tanto rompedor, una mujer que trabaja en un lúgubre cabaret quiere tener un hijo, a partir de ahí, conflictos de pareja, terceras personas, y un estilo muy particular que salpica todo, quizás demasiado.
Godard está omnipresente en un film, lleno de guiños, miradas a cámara, referencias culturales, homenajes a Truffaut, y a Aznavour, pero sobre todo al propio Godard, que en un momento de la película hace decir a sus protagonistas "No sé si es una comedia o un drama, pero lo que si es, es una obra maestra". Quizás fue aquí donde Godard inició esa leyenda sobre sus escasos problemas de autoestima.
Fuera de todo esto, la película resulta original, se deja ver, a veces los golpes de timón de Godard te distancian un poco, y aparecen momentos de originalidad tales como que aparezca un parisino más interesado por oír la retransmisión radiófónica de un Madrid-Barca que por hablar de tener hijos con su pareja, situación esta que parecería impropia en una película de Godard, que para compensar, hace discutir a la pareja en silencio y dialogando a través de las palabras que aparecen en las portadas de los libros que tienen en casa. Todo muy sorprendente la verdad.
Por último reseñar a la actriz Anna Karina, una presencia atractiva, sensual, fresca y que como ya hizo Godard con Jean Seberg en "Al final de la Escapada" consigue que te medio enamores de ella.
Curioso divertimento