Ni Vietnam, ni 11-S, ni desembarco de Normandía, ni guerra fría, ni crisis de los misiles, ni guerra de Irak, ni Pearl Harbour... ningún momento de la reciente historia militar norteamericana fue más crítico que lo que empezó a ocurrir aquel 4 de junio de 1942.

Unos Estados Unidos en plena economía de guerra pero aún no preparada del todo se enfrentó a la Armada Imperial japonesa que habían ganado todas las guerras desde 1905 cuando derrotaron a la Rusia zarista. Esta fue además la última batalla ganada en inferioridad numérica y técnica por parte de los norteamericanos de su historia, a partir de este momento siempre tendrían ventajas comparativas sea cual fuere el conflicto que se tratase.

No digo que Estados Unidos hubiera perdido la SGM en caso de haber sido derrotado en Midway, pero puedo asegurar que no la hubiese ganado. Al perder el control absoluto del Pacífico, la cadena de desastres hubiera sido tremenda, ya que Hawaii hubiera caído inmediatamente y toda la costa oeste de Estados Unidos no hubiera tenido ninguna defensa naval de importancia contra los portaaviones japoneses. Es decir, la guerra la hubieran sufrido en su casa y hubieran tenido que firmar la paz, dejando a Europa sola contra los nazis. Fíjense si fue importante Midway.

En cambio el resultado fue al contrario. Las fuerzas aéreas y navales japonesas quedaron tan diezmadas, que ya todo era cuestión de tiempo, sólo eso. Y así ocurrió.

Notabilísima película bélica, de esa gran década que es para ese género los años setenta –entre la visión de la guerra Blancanieves de los sesenta o la rambiana de los ochenta-, dirigida por Jack Smight, al que el propio Charlton Heston recomendó a la Universal después de haber trabajado con él en “Aeropuerto 75” y donde se nos muestra de forma encomiable todos los detalles de lo que es la estrategia y la táctica militar, además con unas escenas de acción espléndidas para la época.

Con un reparto de campanillas, quizás algo desaprovechado –por ejemplo James Coburn, o Robert Mitchum sólo salen en un par de escenas-, la película incorpora imágenes reales de la época con otras de ficción entrelazadas con gran mérito, además de la música de John Williams perfecta para el ambiente.

Quizá la historia de amor entre la japonesa y el hijo de Heston sea poco apropiada y le reste seriedad al film, pero se trataba de darle un aire más humano y hablar del conflicto sin rencor, y lo consigue, porque a los japoneses se les trata muy dignamente, muy por encima de lo que es el cine bélico habitual.

No se pierdan estas dos horas que reproduce la batalla que pudo cambiar la historia.

En la segunda mitad de los setenta se estaba produciendo el reverdecer del cine australiano, hasta entonces prácticamente inexistente, con directores como Peter Weir, Bruce Beresford y George Miller. Este último con su opera prima "Mad Max" consiguió siete nominaciones (tres galardones) a los premios australianos de cine además de barrer en taquilla. Con un exiguo presupuesto y un elenco tanto artístico como técnico que debutaban en esto del cine se obtuvo unos meritorios resultados. Eso sí, la película tiene un argumento más sencillo que una manta a cuadros, y cualquier spaguetti-western de segunda fila cuenta lo mismo, es en definitiva la venganza lo que mueve al protagonista a realizar su acción. El argumento no da más de sí, en realidad se trata de un cortometraje que para que dure noventa minutos se alargan escenas y situaciones innecesarias que se hacen eternas. Es sin lugar a dudas su estética lo que resulta más interesante, en ocasiones cercana al cine friki. Una película legendaria, clásica en los video clubs durante años, con muchas escenas impactantes y bien rodadas, pero que en conjunto no deja de ser un producto a valorar por lo que supone para la historia del cine y no tanto por sus méritos cinematográficos que son más bien escasos. La segunda parte de la trilogía es bastante superior y parece que guionista y director encuentran mejor donde situar y como desarrollar el mundo y los personajes del film. Mel Gibson, como casi siempre limitado, no deja de ser una cara bonita, sin muchas prestancias para la interpretación como ha demostrado a lo largo de su carrera.
En definitiva, una opera prima que parecía apuntar a que tendríamos un buen director y que George Miller ha demostrado en su filmografía que no lo es en absoluto.

No debe resultar nada sencillo hacer un guión donde se intenta dar profundidad y abolengo a ciertos diálogos y situaciones cuando el punto de partida es un cómic. Y ese es la mayor virtud pero también el mayor defecto de esta película. Intentar crecer como proyecto y a la vez seguir siendo lo que siempre fue, una historia de superhéroes y villanos. Y no es fácil poner una vela a Dios y otra al diablo, por eso aquí tenemos más escenas surrealistas que en muchas películas de Buñuel.

Pero antes de entrar en harina, quería hacer una crítica a Batman como personaje. Porque en realidad ¿Quién es Bruce Wayne?
Básicamente un rentista, representa un modelo de acumulación de capital donde la producción es mínima, mientras que los beneficios se producen con movimientos financieros intangibles.
Si hace cien años ese tipo de personajes les daba por meterse en sociedades masónicas o practicar la caza con reclamo, a este le da por salir de noche y reforzar su ego impartiendo su justicia. Para ello dispone de fuertes sumas económicas desviadas de su sección de I más D, que en vez de encontrar pozos de agua o combatir el paludismo, se dedica a construir “juguetes” para el cada vez más hierático Christian Bale.

Este modelo vivencial, al margen de ningún control administrativo o judicial, pero supuestamente de parte de la ley, recibe el nombre de terrorismo de Estado. Y digo esto, porque en la película se dice en varias ocasiones que el Joker es un terrorista. Si aceptásemos una definición puramente semántica de dicho término podríamos darla por buena, pero no es así. El Joker no forma parte de un movimiento religioso, político o ideológico que intente socavar el status quo actual para implantar un nuevo régimen donde aplicar un nuevo modelo de organización civil. El Joker es un delincuente, podríamos como mucho aceptar mafioso, aunque lo más acertado es hablar de un psicópata petulante con egolatría exacerbada. Los terroristas por tanto son otros.

Al hilo de esto me preocupa seriamente los aplausos a la interpretación del malogrado Ledger. Lo digo porque en realidad lo que se aplaude es a la figura del Joker. Cuando Nicholson hizo “El resplandor” a mucha gente le pareció fabulosa su actuación –aunque eso fue más bien después- pero Jack Torrance era despreciable en sí. Aquí no, aquí el Joker a pesar de su brutalidad quiere engatusar y lo hace más que Batman. Que lo niños quieran disfrazarse de payaso más que de murciélago no es lo más recomendable y no hace falta pertenecer a la UNESCO para decírselo.

Luis García Berlanga, para muchos el mejor director de la historia del cine español. Puede ser, aunque creo que ha sufrido demasiado las modas de la crítica y el público.

Mientras que su primera etapa de los años cincuenta y sesenta ha quedado como una especie de Fátima donde todo es maravilloso, no pasa lo mismo con su época ya de la España constitucional donde sus títulos en general están bastante maltratados. Ya no interesaba igual.

Centrémonos en su primer periodo. Berlanga tuvo la suerte de ser uno de los artistas españoles que vivían en la España franquista y que eran valorados fuera de aquí, y además en la doble vía, en Francia y en Estados Unidos. Más no se puede pedir.

Cuando estrena “Plácido” a Berlanga le llueven las novias, en Cannes se le trata muy bien, le invitan hacer cine en el país galo, los americanos le nominan a mejor película extranjera… Es un momento de reconocimiento máximo, que realmente Berlanga no volverá a tener en esos niveles.

Todo ello hizo que “Plácido” estuviera en el imaginario colectivo como una obra maestra, pero no lo es. Siendo objetivos de esa primera etapa de Berlanga de los años cincuenta y sesenta “Plácido” está muy lejos del nivel de películas como “Bienvenido, Míster Marshall!” o “El verdugo”.

Y decir que es mejor que “Calabuch” o “Los jueves, milagro” es cuando menos discutible. Yo opino lo contario. ¿Por qué? Pues porque como decía otro usuario para ser una comedia le falta más humor y además hay una construcción de escenas muy repetitivas que terminan por cansar. Hombre, y Cassen tampoco es Fernando Fernán-Gómez, Pepe Isbert o José Luis López-Vázquez. Nada del otro mundo.

Lo mejor es la crítica de Berlanga a la hipocresía, las apariencias… pero todo ello con el régimen en España, ya lo decía nuestro genial valenciano, que sin censura la inteligencia decae. Que nos lo digan ahora.

Nota: 6,4.

Una buena película sin lugar a dudas, lo mejor de Sean Penn, que aunque lo intenta no le termina de salir una obra redonda. Y cuidado que es buen actor pero como director le falta un toque de genialidad. Jack Nicholson está fantástico y nadie podrá negar que hace una de sus cinco mejores interpretaciones. Película olvidada y marginada en Estados Unidos y que sin embargo en festivales europeos como Berlín o Cannes llamó la atención. Es verdad que la película es tramposa en varias ocasiones, que casi dos horas de metraje es excesivo para cualquiera que conozca la literatura de Friedrich Dürrenmatt (relatos cortos), que a mucha gente el final le decepciona y que no deja de ser un remake de "El cebo" de Vajda que es mucho mejor. Bueno pues aún así se trata de una película recomendable, con aires de cine independiente (los actores participan más como amigos que como profesionales por lo que apenas cobraron) y que transmite sensaciones, emociones y reflexiones por doquier. Ojalá todos los remakes fueran así. Buena intriga y mejor aún retrato y composición de personajes, es decir, mejor como drama que como suspense. Merece la pena.