Último de los 5 films de los Marx realizados por Paramount. Se basa en un guión original. El productor fue Herman J. Mankiewicz (hermano de Leo). No obtuvo el éxito que se esperaba.

La acción se sitúa en un país imaginario centroeuropeo, Freedonia, vecino de Sylvania. La falta de recursos mueve al Consejo a pedir a la adinedara viuda Gloria Teasdale (Margaret Dumont) un préstamo de 20 millones de dólares, que ella acepta conceder si se nombra presidente del país a Rufus T. Firefly (Groucho), de quien está enamorada. El malvado Trentino (Louis Calhern), embajador y presidente de Sylvania, planea anexionarse Freedonia. Envía dos espías, Chicolini y Pinky (Chico y Harpo) para obtener información que desprestigie a Firefly y a la bella Vera Marcal (Raquel Torres) para que le seduzca y le prive del favor de Gloria. El humor se basa en la incoherencia de los personajes (nunca se sabe por dónde van a salir), excelentes gags verbales y visuales, la caracterización de los protagonistas, situaciones absurdas y surrealistas. La obra incluye frases ingeniosas: "¿A quién vas a creer, a mi o a tus propios ojos?", "No permitiré injusticias ni juego sucio, pero si se pilla a alguien practicando la corrupción sin que yo reciba una comisión, le pondremos contra la pared y daremos órdenes de disparar", "Si nos encuentran, estamos perdidos". Contiene parodias sorprendentes: la de los musicales de la época y las imitaciones de Paul Revere (héroe norteamericano de la Independencia), Lee, Grant y otros. Son sobresalientes las escenas del juego de sombreros, el puesto de venta de limonada (un crescendo de irritación), el espejo inexistente. Son antológicas la fiesta de bienvenida del presidente (acogido como un mesías salvador), el canto, baile y saltos de los diputados tras la declaración de guerra y la batalla final (evocada en numerosas ocasiones). El humor corrosivo y demoledor de los Marx ridiculiza la figura del tirano, el régimen dictatorial y la guerra.

La música está presente en los momentos culminantes, aunque en menor medida que en películas posteriores. Es destacable la canción "We're Going To War", que se canta en combinación con una brillante coreografía y la que interpretan juntos los cuatro hermanos. La fotografía, de Henry Sharp, ofrece un recital de negros intensos, grises de una gama amplísima, blancos y brillos (collar de Gloria, ribetes del vestido de Vera, pijamas de Groucho). La cámara se mueve con suavidad, presenta enfoques imaginativos y destaca imágenes cómicas (las muecas de Harpo, las cosas que éste saca de su bolsillo -soplete de fuego, campana, tijeras, etc.). El guión está muy trabajado y resuelto con acierto. La dirección de Leo McCarey pone orden a la anarquía de los Marx y consigue una de las mejores obras de su propia filmografía.

Considerada por muchos como la mejor película de los Marx, explica con maestría y buen humor que lo absurdo no está en la película, sino en la realidad.

Cuarto largo de Preston Sturges. Se rodó en exteriores de California y en los Paramount Studios, con un presupuesto de 1 M. dólares. Se estrenó en diciembre de 1941.

La acción tiene lugar en diversas localidades de EEUU (LA, Las Vegas, Hollywood). Narra la historia de John L. Sullivan (Joel McCrea), prestigioso realizador de cine, cansado de dirigir films intrascendentes, que quiere realizar una obra sobre la pobreza en el país. Para ello, disfrazado de mendigo y acompañado de una bella muchacha (Veronica Lake), disfrazada de joven indigente, inicia un recorrido que le lleva más lejos de lo esperado.

La película compendia géneros diferentes: slapstick (escena autobús), comedia romántica, drama carcelario, sátira, acción (huida en tanque ligero), documento social (dormitorio de los sin techo), musical, melodrama, crimen y cine en el cine. Con humor y buen sentido de la sátira, ironiza sobre la opulenica desmesurada (casa del director), las obsesisones de Hollywood, la violencia carcelaria, la inseguridad ciudadana, las penurias de los indigentes, la segregación racial, los matrimonios fiscales de California, etc. Cita con simpatía a dos directores: Capra y Lubitsch. Es sobrecogedora la definición de pobreza que propone: "Pobreza no es falta de riqueza. Es una peste, violenta en si misma y contagiosa como el cólera. Miseria, criminalidad, vicio y desesperación son sus síntomas". El hilo conductor del relato viene dado por el propósito de adaptar al cine el libro "Oh Brother, Wehere Art Thou?", referencia en la que se inspiraron los hermanos Coen. Suma humor visual, gestual y verbal, de género negro, tragicómico, satírico, burlesco, extravagante y basado en la exageración ("Te pareces a un chico tanto como Mae West"). Defiende el valor educativo del cine, la validez de la comedia y la trascendencia del humor. Juega con los cambios de identidad. Son escenas destacadas las caídas en la piscina, el comedor de indigentes, el robo de las botas, las maquinaciones lúbricas de las dos hermanas mayores y otras.

La música se integra en la acción, subraya la ironía (con juegos de saxo), el drama, la tragedia y la alegría. Añade dos melodías ajenas: "Spring Song" (Mendelssohn) y "Let My People Go" (tradicional). La fotografía realza la comicidad visual, contrapone la serenidad del lago y la paz de la prisión, explica con imágenes superpuestas la confusión del amnésico, acelera la velocidad de las imágenes con fines cómicos y se beneficia del excelente vestuario de Edith Head. El guión elabora un relato de cuadros diferentes, enlazados por el viaje de Sullivan (homenaje al cuento "Los viajes de Gulliver", 1726). Mantiene un ritmo intenso y sostenido. Las interpretaciones de los protagonistas son acertadas y cautivadoras. La dirección crea una obra de referencias autobiográficas, rica en contenidos, matices y sugerencias.

La película es posiblemente la mejor del realizador, imaginativo e innovador, para muchos el creador de la "screwball comedy".

Dirigida por Howard Hawks en colaboración con Richard Rosson, es la adaptación al cine de la novela "Scarface" (1930) de Armitage Trail (pseudónimo de Maurice Coons). Se rodó en los United Artists Studios (Hollywood). Producida por Howard Hughes y Howard Hawks, se estrenó el 9-IV-1932.

La acción tiene lugar en Chicago entre 1928 y 1930. Narra la historia del ascenso y caída del gángster Tony Camonte (Paul Muni), inmigrante italiano, llegado a EEUU en 1920 con sus padres y su hermana menor. Pasa a formar parte de la banda criminal de Luigi Costillo, que le convierte en su guardaespaldas. Tras asesinarlo friamente, su nuevo jefe, Johnny Lovo (Osgood Perkins) levanta en él enorme envidia por el lujo de su casa y la belleza de su amante, la rubia Poppy (Karen Moley). Después del asesinato de éste y de otros jefes mafiosos, se convierte en el amo de Chicago, hasta que las ansias de dominar a su hermana Francesca (Ann Dvorak) provocan su declive y su perdición.

Paradigma del género de gángsters, se sitúa entre las 3 mejores producciones de la época dorada del género (primeros años 30), junto a "Hampa dorada" (1931) y "El enemigo público" (1931). Posiblemente es la mejor de las 3. Contiene numerosos hechos relacionados con la figura de Al Capone, como el sobrenombre "Scarface", la masacre del día de san Valentín (14-II-1929), el asesinato de Big Jim Colosino y otros, pero no es su biopic. Tony dirige una terrible carrera de asesinatos, movido por la ambición de conseguir dinero y poder en la ciudad del crimen y la corrupción, en la que marca un salto cualitativo consistente en el uso de fusiles ametralladores, con capacidad de 300 disparos por minuto. Los antiguos incidentes selectivos se convierten en masacres colectivas, que se ejecutan, con impunidad, desde coches en marcha a la carrera. La obra, de violencia extrema, incluye entre 26 y 28 asesinatos, al amparo de una censura más tolerante que la aplicada a partir de 1934 (Código Hayes). Tony, despreciable y fascinante a la vez, sediento de poder y riqueza y ávido de dominación, guarda similitudes con Macbeth. El compulsivo control que ejerce sobre la hermana contiene atisbos de un amor incestuoso. Fue objeto de un "remake", "El precio del poder" (1983).

La música combina jazz, melodías bailables y ambientales de salas de fiesta, con una bonita canción interpretada por una solista. La fotografía, eminentemente expresionista, crea imágenes de gran belleza por composicón y dibujo. Hace uso de soberbios planos secuencia, frecuentes elipsis y escenas fuera de campo, que refuerzan la dimensión trágica del relato. El guión añade a la violencia trazos de humor, negro a veces y macrabro ocasionalmente, soportado en gran parte por la figura del secretario Angelo. La interpretación de Paul Muni es posiblemente la mejor de su carrera. La dirección crea con los recursos precarios de 1931/32 una película culminante.

Obra emblemática del cine de gángsters y del cine negro de todos los tiempos.

Sexto largometraje de los realizadores Joel Coen (Mineápolis, 1955) y Ethan Coen (Mineápolis, 1957) (no acreditado), para algunos es una de sus mejores películas. El guión, ficticiamente basado en hechos reales, es original de Ethan y Joel Coen. Se rueda en escenarios naturales de Minesota y Dakota del Norte, con un presupuesto estimado de 7 M USD. Nominado a 7 Oscar, gana 2 (guión original y actriz) y obtiene el premio a la mejor película del Festival de Cannes. Producido por Ethan Coen y Joel Coen (no acreditado) para Working Title, se estrena el 8-III-1996 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en los primeros días del mes de febrero de 1987 en Brainerd (Minesota) y en otras localidades de Minesota (Mineápolis, Moose Lake...) y de Dakota del Norte (Fargo, Bismark...). Jerry Lundegaard (Macy), jefe de ventas de una empresa de compraventa de coches de segunda mano, con sede en Mineápolis, necesita con urgencia dinero para cubrir unas deudas personales. Contacta con dos mercenarios para que secuestren a su esposa Jean (Rudrud) y pidan a su suegro, Wade Gustafson (Presnell), un rescate de 80.000 USD, a dividir en dos partes iguales. Los mercenarios son Carl Schowalter (Buscemi) y Gaear Grimsrud (Stormare). Los hechos desencadenan la intervención de la sheriff de Brainerd, Marge Gunderson (McDormand), embarazada de 7 meses, que inicia una investigación. Jerry es tímido, apocado, frágil y de escasas luces. Marge, sencilla y tranquila, es sagaz y dispone de gran intuición. Carl es descuidado, incompetente y bastante tonto. Geaer es introvertido, pasa horas sin hablar, padece esquizofrenia y es violento y sanguinario.

El film suma crimen, thriller y comedia negra. Combina un relato criminal atroz con humor negro fresco y sorprendente. Construida con precisión y cuidada atención al detalle, la obra resulta una delicia, que sorprende y cautiva. Aunque a primera vista parezca un trabajo desmañado, en realidad es esmerado, complejo y rico en matices. Se sitúa entre los mejores de los hermanos Coen.

El relato se apoya en el uso alternado de dos planos narrativos prácticamente paralelos: el triángulo que forma Jerry con sus dos cómplices calamitosos y la intervención de la policía de un pequeño pueblo por medio de la sheriff del mismo, una profesional inteligente, astuta, lúcida y eficaz. Como es habitual en ellos, los realizadores se sirven, tal vez con mayor frecuencia que en otros films, de la figura de la contraposición. La comparación de contrarios les brinda buenas ocasiones para resaltar los aspectos que desean destacar, dotar al relato de vibración e intensidad y proveer una fuente de humor y comicidad.

(Sigue en el “spoiler” sin desvelar partes del argumento)

Segundo largo de Polanski, primero de la etapa inglesa. Se rodó en Londres y en Twinckenham Studios (RU). Ganó el FIPRESCI y el Oso de plata de Berlín. Se estrenó el 3-X-1965.

La acción se desarrolla en Londres en 1964/65, durante 3 semananas. Narra la historia de Carol Ledoux (Catherine Deneuve), de 18/20 años, manicurista belga, que comparte apartamento en Londres con su hermana Elena (Yvonne Furneaux). Siente aversión al sexo y a los hombres. Es callada e introvertida. Con frecuencia, queda absorta en si msima, ajena a lo que ocurre a su alrededor. Trabaja en un salón de belleza, es guapa, de cabello rubio y larga melena, aparenta fragilidad y tiene una cara angelical. No presta atención al interés que siente por ella un joven apuesto y decidido, Colin (John Fraser), y la incomoda e irrita la presencia de Michael (Ian Hendry), pareja de la hermana, en la casa. Elena y Michael se van de vacaciones a Italia y la dejan sola 2 semanas. La soledad y el aislamiento la hacen revivir viejos recuerdos, que la sumergen en un mundo de alucinaciones, angustia, terror y locura.

La película expone el proceso que lleva a Carol a revivir su pasado. Alucinaciones, confusiones y desvaríos mentales pulsan en su interior con fuerza hasta provocar en ella tanta angustia que arruinan su cordura. El realizador ilustra el camino hacia la locura con representaciones surrealistas, que reproducen en la vivienda lo que sucede en la mente de la muchacha. Las paredes se agrietan, la superficie se torna blanda, de ellas emergen brazos que palpan a Carol, la sujetan y la oprimen. Los tañidos de la campana del Convento de monjas y los timbres de la puerta y del teléfono suenan con tal violencia que hacen vibrar el vaso de agua y los muebles, simbolizando los estragos que se producen en el interior de la muchacha. La perturbación que padece la lleva a defenderse con violencia de aquello que percibe como amenza violenta para su integridad. Golpea, corta a navajazos, hiere y mata en defensa de su inviolabilidad e intimidad. El cariz sombrío del relato se ve ampliado por la fobia de Carol a la luz intensa. El realizador muestra su afición al cine de todos los tiempos con referencias a "El gabinete del doctor Caligari" (Wiene, 1919), "La quinera del oro" (Chaplin, 1925), "Un perro andaluz" (Buñuel, 1928) y "Psicosis" (Hitchcock, 1960). La escena de los músicos callejeros es un homenaje a Fellini.

La música, del jazzista Cicho Hamilton, aporta una partitura de solos de flauta, clave, contrabajo y piano y de inquietantes fanfarrias. La fotografía, de estética expresionista, crea imágenes de gran belleza. La acción comienza con planos del ojo derecho de Carol y finaliza con un zoom de aproximación al mismo. El guión construye un drama psicológico de fuerza inusitada. La interpretación de Deneuve, de 22 años, es impresionante. La dirección imprime a la obra un preciosismo admirable.

Película de horror, locura, muerte, violencia e incesto. Imprescindible.