Vaya por delante que no he entendido el uso del blanco y negro. En este caso me parece más un capricho que un recurso narrativo, pero hay que reconocer que facilita una fotografía espectacular. Dicho esto, Belfast es una película a la que nada se le puede reprochar. Gira alrededor de los recuerdos y la idealización de la infancia, dejando a un lado el conflicto político que le sirve de contexto. No se trata de una crónica social.

El magnífico resultado sólo es posible gracias a una construcción de personajes de lo más completa: en número y en profundidad. Sobre ellos, llevados a la vida por unas interpretaciones brillantes, se sostiene toda la cinta. Maravillosa es también la música elegida, algo que era obligatorio dada la localización de la historia.

Por lo demás, es un largometraje lleno de belleza, simpático y tierno. No se presenta a sí mismo con aspiraciones de realismo ni de trascender. Es una película, sólo eso. Branagh presenta un trabajo sencillo y discreto pero cuidado al detalle, que pretende hablar al corazón y lo hace de una manera honesta, sin sentimentalismos. Se sirve del humor y la distancia para no agobiar al espectador y no hace falta llegar al final de su visionado para saber que te está gustando. Como siempre que se hace cine, merece la pena.

Está rodada esta cinta con muchísima seguridad, apoyada en un muy buen guión y una narración firme. Parte de un planteamiento original para abordar cuestiones ya muy manoseadas, pero se sumerge a una profundidad de la que suelen huir producciones mayores.

Esconde el argumento, detrás lo que podría considerarse la trama, varias historias poliédricas, individuales y colectivas, que se cruzan entre sí movidas por fuerzas que desarrollan el filme y lo dotan de sentido. Todas esas fuerzas pivotan sobre ideas tan poderosas como la culpa o el perdón, a las que sitúa en el centro de tantas y tantas contradicciones humanas, a menudo sin resolver en medio de las luchas internas a las que todos nos enfrentamos.

Komasa maneja todo esto con admirable precisión para mantener el pulso narrativo sobre la perfecta ambigüedad pretendida. Cuenta con la ayuda de una interpretación protagonista muy generosa y obtiene un resultado lleno de autenticidad, tan sorprendente como poderoso. Corpus Christi bucea en las raíces de la fe desde un prisma mucho más humano que teológico, plantea un relato intrigante y realista e invita a reflexionar sobre el daño y su reparación. Es un buen ejercicio para hacer examen de conciencia y, en definitiva, una película que no hay que dejar de ver si se tiene la ocasión.

Magnífico trabajo en todos los niveles. Es observadora, absorbente, tensa e intensa, sutil, tremendamente vital. La película se sostiene de manera casi invisible en sólidos personajes construidos sobre las fragilidades humanas, lo que es posible gracias a unas interpretaciones muy inspiradas.

La dirección cuenta con la sensibilidad necesaria para presentar varias historias en diferentes planos sin que se resienta ninguna parte de un filme que, por otra parte, es capaz de atrapar su propia historia sin que se escape un matiz. Ruiz de Azúa es precisa en la narración y dota de espacio a sus personajes, el suficiente para revelar sus emociones sin oprimir su intimidad.

La cinta describe conflictos cotidianos originados en niveles paralelos y crisis comunes en distintas fases de una vida, con la virtud de ser cercana sin necesidad de manipular al espectador con sentimentalismos baratos. Destaca por su honestidad, pero sobre todo por la naturalidad de su desarrollo. Hay escenas de gran costumbrismo, diálogos veraces y un denominador común durante más de hora y media: la justa medida de cómo debe ser una película.

La gran virtud de esta película es el doble relato que presenta. En el primero, a medio camino entre la fábula y la sátira social, tiene un tono amable y simpático para retratar la idiosincrasia del pueblo en el que se desarrolla. El otro, que en realidad es el principal, es el drama interior de sus personajes, sobre el que nunca se detiene la narración pero que late con elocuencia en cada plano. Hay que aplaudir el mérito de saber contar en segundo plano, así como el de convertir a todo un pueblo en un elemento vivo más de la historia.

La cinta está dotada de una profundidad vital muy ligera, lo que suele ser difícil de conseguir. Se puede encontrar en ella las motivaciones de sus personajes, pesadas, pero con un poso de esperanza que late en cada escena. Todo en la película, hasta lo que no es creíble, es serio, lo que sólo puede atribuirse a una narración madura y estudiada.

La rebosante ironía, igual que la extensa simbología utilizada, no es denuncia, sino más bien homenaje. A Irlanda, a sus tradiciones, a sus costumbres. La crítica se centra en el lado humano de los conflictos y la relación con los mismos.

Como era de esperar, el contexto irlandés siempre ayuda a la construcción de ambientes y envolver de belleza cualquier relato. Sin embargo, Almas en pena de Inisherin no sería tan potente sin su dúo protagonista. Farrell sigue dando mejores papeles en su madurez que cuando alcanzó la fama, mientras que Brendan Gleeson actúa a su nivel, con un personaje muy complicado de mantener en el tono de la película. Ambos transmiten mucha química y están perfectamente respaldados por el resto del elenco, sobre todo una sólida Kerry Condon y un Barry Keoghan que es capaz de mostrar nuevos matices en un registro que se aleja de su rol habitual.

El trabajo presentado por McDonagh es rotundo. Este cuento en apariencia sencillo esconde una gran labor de observación y detrás de cada imagen hay una reflexión elaborada. Se trata de un conjunto inteligente presentado con toda la intención del mundo. Hay humor, inteligencia, dolor y esperanza. Hay belleza. Hay soledad y hay compañías. Hay una historia que contar. Si la música perdura, aunque puede que esta cinta no lo haga, sí lo hará su poso en los corazones de quienes la vean.