La película de Carol Reed, director de EL TERCER HOMBRE, es una correcta cinta de género histórico, quizás la última de las grandes películas históricas que produjo Hollywood en los años 50 y 60. CLEOPATRA es de 1960, y está es de 1965. Como dijo León Daudet de Dios al final de la creación: "On sent la fatige" (se nota el cansancio), los films históricos de superproducción acaban en ese momento, y este, en concreto, marca un punto de inflexión: ya no es una aventura épica como EL CID o una epopeya religiosa como LA TÚNICA SAGRADA, sino una película de ámbito intelectual. Carol Reed quiere reflejar la lucha del artista con la sociedad y, sobre todo, consigo mismo...
Interiormente la trama se centra en el choque de estas dos personalidades: Julio II, que quiere su Capilla Sixtina, y Miguel Ángel, que no desea pintarla porque prefiere la escultura. Ahí está el choque del mecenas -en este caso todo un Papa- y el artista, el choque del artista con los prejuicios morales de los cardenales, que tildan su obra de pagana, y el choque de Miguel Ángel con su propio anhelo de perfección, descontento con las pinturas que le están saliendo, y destruyendo los frescos para empezar de nuevo.

Luis Racionero

El hecho de que Orson Welles escogiera adaptar esta obra al cine no sorprende a quienes conocen su carrera artística, marcada principalmente por un interés casi obsesivo por la Caída del hombre y la pérdida de la inocencia. ¿Cómo podría exorcizar Welles sus demonios si no fuera llevando al cine la vida de personajes titánicos, de enorme peso moral, psicológico y dramático?
Y no sólo eso, sino que el mismo encarnaría a dichos personajes, para complacerse una y otra vez en la ascensión y caída de los hombres poderosos, como un dios omnipotente que goza con su propia inmolación...
La traducción que hace Welles de la obra de Shakespeare no podría haber sido más acertada, pues capta la esencia misma de la tragedia de Macbeth que no es otra que el enfrentamiento de sus dos principales protagonistas a la aterradora realidad: su propia corruptibilidad.
Orson Welles contó con una financiación muy escasa que le obligó a rodar la totalidad del film en poco más de tres semanas, en un estudio y con decorados que antes habían servido para rodar películas del oeste.
Aún así, su Macbeth figura hoy entre las obras magistrales del séptimo arte, pues en ella captó, como lo haría en el pasado William Shakespeare, la grandeza y la miseria del alma humana.

Federico Trillo-Figueroa

Ana de los mil días se distingue de otras películas sobre Enrique VIII porque, además de fascinada por la personalidad contradictoria del soberano, da protagonismo a la también contradictoria Ana Bolena y trata de equilibrar la divulgación histórica (con lo que personajes de la Corte como Wolsey, Cromwell o Norfolk tienen también gran importancia) con el drama sentimental.
La película parte, con buen criterio, de dar por sentado que el espectador conoce su desenlace: comienza con Enrique a punto de firmar la orden de ejecución de Ana Bolena y el resto es un largo flashback que explica la historia de amor y de desamor ( o de renuncia al amor, porque la tragedia de Enrique es ser un hombre que se busca pretextos políticos para eliminar a sus amigos y a sus esposas).
Si Enrique es un personaje complejo, también lo es Ana Bolena que, por una parte, en principio le odia por haberla obligado a anular el matrimonio con el joven al que estaba prometida y luego acaba queriéndole y, por otra, va "contaminándose" de la mentalidad y los usos de Enrique y exigiendo ella misma que rueden las cabezas de sus enemigos. Esa tensión entre contrarios y, sobretodo, entre los propios sentimientos e intereses de los protagonistas dan dimensión dramática al espectáculo de decorados y vestuarios y a la lección de historia de Inglaterra.

Francisco Marinero

El nombre de Carlo Broschi, llamado Farinelli, se puede encontrar en cualquier libro sobre técnica vocal. También cualquier manual de historia de la música repetirá su nombre. Constituye una referencia irremplazable. Farinelli encarna idealmente ese momento en la historia de la voz humana en que se produce el predominio vocal de los castrati, aquellas personas a las que se las sometía de niños a una brutal operación para que sus voces no perdieran su brillo, su intensidad y su alcance al llegar a la pubertad. Y que siguieran sonando con una resplandeciente pureza infantil aunque el físico de quienes las poseían hubiera entrado en una fase de progresivo deterioro...
Corbiau intentó reanimar unos cuantos fragmentos de la vida del cantante y centrarse en un episodio históricamente significativo como lo fué su presencia en Londres, en el teatro de la Nobleza, donde formó parte esencial de la lucha entre facciones musicales, que tuvo como consecuencia la ruina -temporal- de uno de los mayores de toda la historia de la música: el alemán Georg F. Haendel.
El respeto reverencial que en la película muestra Farinelli hacia el maestro sajón es históricamente creíble aunque no existan testimonios sobre ello. Es lógico que un hombre de la sensibilidad del castrato soprano- que esa es la denominación técnica de su tipo de voz- admirara al autor de El Mesías y de tantas otras maravillas. No podía ser de otra manera.

Javier Alfaya

KIKA es la historia de una chica optimista, vital, inocente e inconsciente como una niña: superviviente de múltiples desgracias de las que es víctima. En esta película intento hablar de la hostilidad y de la agresividad que caracteriza la vida en las grandes ciudades. Mi mensaje es que sólo conseguiremos sobrevivir a este infierno a base de vitalidad, inocencia y optimismo, como Kika-personaje. La película denuncia la incomunicación en la que viven todos sus personajes. Todos mienten, todos ocultan algo. La comunicación sólo existe como profesión (Andrea presenta un programa de televisión, Nicholas Pierce es escritor, y Ramón, fotógrafo) pero nunca como intercambio o relación sincera entre las personas que comparten una vida, una familia o una ciudad.
Una época como la actual, con tanta información directa sobre las desgracias del prójimo, lejos de provocar solidaridad consigue el efecto contrario. Nunca hemos tenido acceso a tanta información; sin embargo, las personas nunca han estado más solas y menos atendidas, porque las desgracias ajenas se muestran sólo como parte de un gran espectáculo.
(Pedro Almodóvar)