arrow
Haz click aquí para copiar la URL
España España · Palma (Mallorca)
Críticas de Miquel
Ordenadas por:
1.667 críticas
<< 1 90 99 100 101 334 >>
7
7 de diciembre de 2005
32 de 36 usuarios han encontrado esta crítica útil
Obra dirigida por el polaco Andrzej Vajda, basada en la novela "L'affaire Danton", de Stanislawa Przybyszewka. Obtuvo el premio Louis Delluc y el Cesar al mejor director.

La acción tiene lugar en París entre septiembre de 1793 y abril de 1794. Narra la historia de Georges J. Danton que, tras unas semanas de reflexión y descanso, regresa a París dispuesto a enfrentarse a Robespierre. La película confronta los ideales de justicia, libertad y democracia, que atribuye a Danton, y el imperio del terror impuesto por Maximilien de Robespierre. Ambos habían colaborado estrechamente en las etapas anteriores de la Revolución y habían compartido el liderazgo del grupo jacobino. La película muestra la valentía, el arrojo, la popularidad y la determinación de Danton. Frente a él se alza la figura enfermiza, enjuta, solitaria, dubitativa, gélida y autoritaria de Robespierre, que ha excluído a Danton del Comité de Salud Pública (Gobierno de la República) y ha decidido imponer un régimen de terror, juicios políticos y ejecuciones rápidas, convencido de que el bien común del país justifica el mal particular de la muerte por precipitación de algunos inocentes. La película ofrece al espectador la posibilidad de contemplar una lucha entre dos personajes clave de la Revolución. Uno reivindica la soberanía del pueblo, el otro desea el poder absoluto; uno sabe que el apoyo popular es fuente de fortaleza y seguridad y el otro vive atemorizado por la debilidad propia y la del Gobierno que preside; uno confía en las reglas del juego democrático y el otro las subvierte; uno interviene como perdedor y el otro como ganador efímero y sin garantías. Ambos saben que se necesitan mutuamente para sobrevivir, pero la reconciliación es imposible por las urgencias que dicta el miedo. El paralelismo entre Danton y el Sindicato Solidaridad es similar al que se puede establecer entre Robespierre y Jaruzelski. La película no se estrenó en Polonia hasta 1989.

La música aporta unas brillantes composiciones atonales de percusión metálica y de viento, que contribuyen a crear un clima de fatalismo y drama. La fotografía se recrea en la descripción de la angustia de unos y la frialdad amedrentada de otros. Explica la dureza de las condiciones de vida de los presos y el ambiente opresivo y perturbador en el que viven amontonados. Predominan los colores oscuros, las imágenes de barrotes y rejas y los exteriores luminosos vistos desde interiores lóbregos. El guión se concentra en la narración del enfrentamiento dramático entre dos personajes poderosos, otrora aliados. Presta poca atención a la descripción matizada de los mismos. La crítica francesa consieró que la figura de Robespierre resultaba esquemática y caricaturesca.

Película de época, bien ambientada y bien interpretada, que expone unos hechos cruciales de la Francia revolucionaria de 1793/4.
Miquel
¿Te ha resultado interesante y/o útil esta crítica?
8
6 de mayo de 2010
31 de 34 usuarios han encontrado esta crítica útil
Penúltimo film que completa el realizador Ernest Lubitsch (1892-1947). El guión, de Samson Raphaelson, colaborador habitual de Lubitsch, adapta libremente la obra de teatro “Birthday” (1934), de Laszlo Bus-Fekete, también llamado Leslie Busch-Fekete. Se rueda íntegramente en los platós de Fox Studios. Es nominado a 3 Oscar (película, director y fotografía). Producido por Ernest Lubitsch para la Fox, se estrena el 11-VIII-1943 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en NYC a lo largo de 70 años (1872-1942) y brevemente en una mansión rústica de Kansas. Henry Van Cleve (Ameche), de 70 años, muere con mala conciencia por la vida desordenada que ha llevado. Le pesan sus devaneos de mujeriego, juerguista y calavera, y sus frecuentes infidelidades matrimoniales. Por ello se presenta espontáneamente en el vestíbulo del infierno, donde es recibido por un diablo vestido con corrección y elegancia, al que llaman Su Excelencia (Cregar). Le ruega que le cuente su vida para juzgar si merece o no la pena eterna. En el relato tienen papeles importantes su mujer Martha Strabel (Tierney), su padre Randolph (Calhern), su madre Bertha (Byington), su primo Albert (Joslyn) y su abuelo Hugo Van Cleve (Coburn). Henry es caballeroso, elegante, educado, cínico y vividor. Martha es atractiva, hermosa y cautivadora. Los padres son severos y estrictos. El abuelo Hugo es comprensivo, liberal y el mejor amigo de Henry. Albert es soso y presumido.

El film suma comedia, drama, fantasía y romance. Es un trabajo rico en sutilezas ingeniosas y ocurrentes. El humor visual predomina sobre el verbal, a diferencia de obras anteriores. El discurso es menos sofisticado que el habitual del realizador y más natural y espontáneo. El humor es más americano (referencia al humor neoyorquino) y el tono que emplea es más sosegado y natural. La comicidad no se presenta de modo torrencial, sino que se adapta a las característica de un relato destinado a la contemplación sosegada y tranquila de las cosas. Los lances de humor son menos evidentes, más silenciosos y más sutiles.

Los cambios no responden a decisiones caprichosas del realizador, sino a la necesidad objetiva de adaptar tonos, estilos y contenidos a una situación diferente, marcada por la incorporación del país a la IIGM (7-XII-1941). Pese al enorme esfuerzo de guerra que asume la población, el clima general que se vive en la calle es de honda preocupación. En 1942 y 1943 el conflicto se ve incierto y difícil. Es por ello por lo que Lubitsch administra su humor de modo más amable, menos corrosivo y menos hiriente. Trata de hacerlo compatible con una historia de buenos sentimientos e ideas abiertas y tolerantes, que ensanchan el espíritu y le trasmiten sensaciones de fuerza y capacidad de resistencia.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
Miquel
¿Te ha resultado interesante y/o útil esta crítica?
7
16 de febrero de 2008
31 de 34 usuarios han encontrado esta crítica útil
Film realizado por Mario Camerini. El guión, escrito por Franco Brusati, M. Camerini, Ennio De Concini, Hugh Gray, Ben Hecht, Ivo Perilli y Erwin Shaw, se basa en "La Odisea" (s. IX adC), de Homero. Se rueda en exteriores de Italia y en estudio. Producido por Carlo Ponti y Dino De Laurentiis para Lux Films, se estrena el 6-X-1954 (Italia).

La acción tiene lugar entre los siglos XIII y XI adC, en la travesía por mar entre Troya (NO de Turquía) e Itaca (SO de Grecia). El poema de Homero se basa en escritos y tradiciones anteriores, que recoge y funde en un texto de gran valor. Mezcla referencias históricas y legendarias. Se considera cierta la existencia de Troya, de la que se conoce la ubicación. Parece probada su destrucción y despoblamiento a causa del asedio y toma de la misma con motivo de una guerra entre griegos y troyanos. La causa de la guerra sería el rapto de la princesa griega Helena por el príncipe troyano Paris. "La Odisea" narra el accidentado viaje de regreso a casa de Ulises (Odiseo en griego), tras 10 años de guerra. La cinta adapta con notable fidelidad el texto de Homero.

El film suma los géneros de aventuras, histórico/legendario y "peplum". Divide la narración en 4 cuadros: visita a la tierra de Ceres, estancia en el Reino de los feacios, peripecia en la isla de los Cíclopes y episodio de las sirenas. La narración hace uso del "flashback" para explicar la recuperación de la memoria de Ulises durante su paso por la tierra de los feacios. Cada cuadro se ajusta a una estética y a un cromatismo diferentes: en el primero se hace uso de un tono burlón y fantasioso y de un cromatismo abigarrado (rojo, azules y verdes); en el segundo la narración adquiere una dimensión irónica y temible, mientras los espacios y el cromatismo devienen progresivamente opresivos; en el tercero se subraya el ritmo visual de la acción, que tiene lugar en un espacio cerrado y tenebroso; y en el cuarto se explora la dualidad del protagonista, amante del hogar y aficionado al riesgo, en el marco de un juego de luces y colores sombríos.

El film prepara el terreno y facilita el rodaje de "Hércules" (P. Francisci, 1957) y el desarrollo posterior del género "peplum". Capta y reproduce el aire arcaico, dramático y fantasioso de "La Odisea", de la que constituye la adaptación al cine más celebrada. Las escenas de lucha focalizan la atención en la fuerza, agilidad y habilidad del protagonista, cuya grandeza se subraya mostrando su superioridad sobre las manifestaciones de los dioses (imagen de Hércules, maldición de Casandra, etc.). El guión construye un relato sencillo, razonable y simpático.

La música, de Alessandro Cicognini, ofrece cortes notables ("Ulises", "Penélope"), a los que añade fragmentos de gran fuerza descriptiva ("Isla de los Cíclopes", "Canto de las sierenas"). La fotografía, de Harold Rosson, ofrece un hábil uso de la luz y las sombras, un brillante cromatismo y un acertado despliegue visual. Interpretación destacada de Douglas.
Miquel
¿Te ha resultado interesante y/o útil esta crítica?
7
17 de enero de 2008
31 de 34 usuarios han encontrado esta crítica útil
Film realizado por Delbert Man. El guión es original de Stanley Shapiro ("Operación Pacífico", B. Edward, 1959) y Paul Henning. Se rueda en exteriores de NYC y en Universal Studios. Es nominado a un Oscar (guión original). Producido por Stanley Shapiro, se estrena en "première" el 20-XII-1961 (LA, CA).

La acción tiene lugar en NYC en 1961. Carol Templeton (Day) es ejecutiva de una empresa de publicidad. En los negocios se ve enfrentada a Jerry Weber (Hudson), director de la agencia de publicidad Ramsey. Ella es eficiente, trabajadora y decidida. Él es poco diligente y algo manipulador. El jefe de Jerry es Peter "Pete" Ramsey (Randall), acomplejado y confuso.

El film es una comedia romántica con elementos de humor y de musical. Desarrolla un cuento puesto al día de enredos, confusiones y malentendidos. Se presenta construido con ingenio y humor, a la manera de un "screwball". La historia es sencilla, efectista, gratificante y cómica. Busca divertir al público y obtener un gran éxito de taquilla que la convierta en un "blockbuster". Es el segundo film del grupo de tres, junto con "Confidencias a medianoche" (M. Gordon, 1959) y "No me mandes flores" (N. Jewison, 1964), protagonizadas por el trío Day-Hudson-Radall. Como recurso de comicidad hace uso, entre otros, de la inversión de géneros en el trabajo (mujer que trabaja como un hombre), que hoy resulta anacrónica. La interpretación del trío protagonista cumple a satisfacción. La escena del acuario es la más emblemática del film y una de las más conocidas de la pareja Hudson-Day.

Es interesante la documentación que aporta sobre el mundo neoyorquino de los negocios de los primeros 60, las costumbres de los ejecutivos, los métodos de captación y fidelización de clientes y la localización de la acción en la avenida Madison (5ª Avenida), centro de los negocios de publicidad. Aporta, además, documentación sobre la decoración de interiores, la moda del vestir, la tipología de cohces y otros extremos. El título español recoge el nombre de un postre de moda en aquellos momentos, el pijama, cuyos ingredientes son helado de vainilla, melocotón en almíbar, rodajas de piña en conserva, nata, flan de huevo y guindas. Se decía que su ingestión provocaba sueño, por lo que era aconsejable ponerse previamente el pijama.

La música, de FranK de Vol ("Confidencias a medianoche"), aporta una partitura festiva y alegre, que incluye una canción original, "Lover Come Back", a cargo de Doris Day. Añade otras ajenas: "Comptown Races", "Dixie's Land" (en la sala de fiestas), "Should I Surrender" (canta D. Day en el fondo del score) y "Carry Me Back To Old Virginia" (canta Jack Oakie). La fotografía, de Arthur E. Arling ("El capitán de Castilla", H. King, 1947), es luminosa y colorista. Realza la expresión corporal y presta especial atención al rostro de Day. Pese al paso del tiempo, la obra conserva buena parte de su frescura y comicidad.
Miquel
¿Te ha resultado interesante y/o útil esta crítica?
8
17 de abril de 2007
31 de 34 usuarios han encontrado esta crítica útil
Séptimo largometraje de François Trufaut. Fue nominado a un Oscar (lengua no inglesa). Producido por Marcel Berbert, se estrena el 14-VIII-1968 (Avignon Film Festival).

La película, cuya acción tiene lugar en Paris en 1967/68, combina drama, comedia y romance. De tono ligero, alegre y aparentemente descuidado, se desarrolla a un ritmo muy vivaz. Incluye un punto de nostalgia y melancolía, subrayado por la canción "Que reste t'il de nous amours", compuesta e interpretada por Charles Trenet. El relato traspira sinceridad y cotidianeidad, derivadas en gran parte de las referencias autobiográficas que incorpora. Utiliza con frecuencia la técnica de sugerir, insinuar y evocar, con lo que el relato adquiere un aire ligero, fresco y fascinante.

El protagonista, Antoine Doinel, de unos 24 años, se mueve en un entorno de inestabilidad y provisionalidad, se siente desconcertado y desbordado por la sucesión de hechos y carece de seguridad en si mismo. Como método de autoafirmación repite ante el espejo su nombre y apellido, con evidentes deseos de elevar la autoestima. Trabaja en oficios mínimos: soldado de 2ª de reenganche, portero de noche de un hotel de barriada, auxiliar ("periscopio") de un detective privado, reparador domiciliario de televisores. Siempre le acechan la mala suerte, la fatalidad y el despido. En relación con las mujeres, la imprevisibilidad de las situaciones que se suceden no le permite racionalizarlas y gestionarlas. Opta por dejarse llevar, como si la vida fuera una aventura azarosa y contingente. Conoce, también, los primeros problemas con las mujeres (amores imposibles, celos). A la vez descubre que, más allá del amor físico, hay otro amor, el amor que es entrega mutua, libre y sin contrapartidas.

El film contiene escenas surrealistas, de una fantasía cautivadora, como el envío de cartas postales a través de una imposible red de tubos de aire comprimido o el encuentro con un extraño personaje que suma lucidez y extravío mental. Otras escenas crean situaciones mágicas, como el informe trasmitido por teléfono a la secretaria de los detectives, quien, tras tomar nota del mismo, pregunta: ¿Esto es un informe o una declaración de amor (a la mujer que Ud. investiga)?

El humor se hace presente a través de personajes pintorescos, con un punto de excentricidad, hechos hilarantes (detective que se hace pasar por catedrático), situaciones insólitas (detectives que investigan el adulterio de una mujer con un desconocido, que es uno de ellos), tratos poco habituales (hazme el amor ahora y luego te olvido para siempre), sorpresas mortíferas, visitas inoportunas. Las referencias cultas se centran en Balzac y su obra "El lirio del valle", evocación del amor de Fabienne Tabard. Es memorable la difereciación que establece entre cortesía y tacto.

Tercera entrega de las aventuras de Antoine Doinel. La música incorpora insertos vigorosos, alegres y románticos, como "Antoine" y "Fabienne".
Miquel
¿Te ha resultado interesante y/o útil esta crítica?
<< 1 90 99 100 101 334 >>
Preguntas más frecuentes | Política de privacidad / condiciones de uso | Configuración de privacidad | Ir a Versión MÓVIL
© 2002-2020 Filmaffinity - Movieaffinity | Filmaffinity es una página de recomendación de películas y series, y es un medio totalmente independiente cuya principal prioridad es la privacidad y seguridad de los datos de sus usuarios.
All Rights Reserved - Todos los derechos reservados