Inglaterra en los años 50. Reginald Dwight (gran Taron Egerton), es un niño prodigio de humilde y conflictiva familia que pronto empieza a brillar con el piano en la Academia y a componer sus propias canciones. Una vez inicie una duradera colaboración y amistad con su futuro letrista Bernie Taupin (un Jamie Bell que nunca defrauda), se convertirá en tiempo récord en Elton John, estrella del rock de éxito avasallador y fama internacional. Pero todo éxito conlleva un alto precio. Un arquetípico relato de redención, de ascenso al Olimpo de la fama, los récords de ventas y los multitudinarios conciertos y de descenso al infierno de la bebida, la drogadicción y la soledad. Una historia que se sigue con marcado interés gracias a un amplio repertorio de virtudes. Cómo no un gran reparto, con un brillante Egerton que también canta (todos, de hecho, lo hacen). El filme se atreve a mostrar al verdadero Elton, retratándole con dureza y sumergiéndose en sus hondas sombras. Y por último, el mayor elemento de frescura: el filme es un musical, que usa las canciones de Elton de manera dramática para avanzar la trama en excelentes números y coreografías injertados en la diégesis. Un filme de corte clásico y academia bien entendida, que entretiene sin por ello abandonar la honestidad y la gravedad psicológica para con la figura que se somete a escrutinio. Una muy grata película, que duda cabe.

Allí donde la presentación es brillante, esto no nubla nuestro juicio para vislumbrar que el fondo es tan familiar como siempre. El desarrollo de la trama es predecible, y los puntos obligatorios por los que el antihéroe debe pasar suceden, siendo la primera ruptura con su marido y el inicio del declive y las dudas un sector mal manejado a nivel emocional. Y por muy hondo que sea el infierno de Elton, la mirada general de él y evaluación de su figura es eminentemente complaciente (no en vano, produce el filme). Un filme tan disfrutable en el momento de descubrirlo como leve a la hora de anclarse en la memoria. Da más y mejor, pero sigue siendo lo mismo, acomodado y fabricado.

Vibrante, eficaz y claroscura, Rocketman es una de las veces en el cine reciente que mejor se nos ha contado una historia que conocemos demasiado bien.

Belgrado, año 1999. Territorio bombardeado a diario por la OTAN. El ya maduro y solitario Vlada (estupendo Leon Lucev) conduce por encargo un camión de Kosovo a Belgrado con un misterioso cargamento en la parte trasera. Durante el trayecto una serie de imprevistos le harán modificar su ruta. La carga de conciencia por aquello que porta lavándose las manos le perturbará hasta que vuelva a su hogar. Un filme pequeño y concreto, de cierta sordidez y frialdad. Una película que me sedujo por completo desde la más absoluta quietud y el minimalismo. Una película bélica sin atisbo de violencia, víctimas, confrontaciones o sensacionalismo morboso. Relato de un territorio desolado, un páramo despojado de la armonía y vaciado de armonía en pos de una perpetua calma tensa. Una película que crea en el espectador una continua desazón, pues la tragedia se presagia. No se ve pero se siente, la narración se desarrolla en una calma que precede a la tempestad y el horror se halla fuera de campo (sonido de los bombardeos, restos lavados de la carga del camión). Gran trabajo de Lucev, pero lo que más brilla del filme es su excelente trabajo de cámara. Tomas largas y planos móviles de seguimiento cuyos encuadres desafían nuestras expectativas (ahora sigue a Vlada, ahora permanece en la estancia que este abandona, ahora se decanta por otro personaje o se va a un árbol). Un largometraje con mucho cuerpo, filmado con mucho tino y esmero y cargado de matices históricos y sociales. Una sencillez de complejo desempaquetado.

El espectador no recibe ningún balón de oxígeno ni ayuda que permita reengancharse de manera más fácil a la que es una narración eminentemente mortecina. Es un filme con escasas acciones, menos aún personajes y lacónicas interacciones entre ellos, recargadas siempre de amargor, resentimiento y confrontación. Arduo es el paisaje emocional de nuestro antihéroe, y arduo por consecuente es el escenario cinematográfico por el que Glavonic nos hace transitar. Al espectador que no desee digerir filmes aburridos y que lea el cine únicamente por lo explícito sin considerar lo implícito es mejor recomendarle que se aleje de la sala. Es una película que mejora una vez abandonada en la sala, y que necesita imperiosamente de una reflexión posterior para ser comprendida adecuadamente. Del mismo modo que el tan positivo impacto que ha causado en mí es personal, no reprobaré a aquellos que no la encuentren tan rica. Filme difícil al que se antoja difícil volver.

Seca, enigmática y acongojante, La carga supone una refrescante mirada a la tragedia de sabrosa realización y atmósfera.

Salvador Mallo (Antonio Banderas tan notable como nunca ha estado) es un prestigioso director de cine que se adentra en su sesentena, estancado en un estadio de depresión, dolores físicos y drogas y tras meses sin escribir ni rodar. Momento de soledad y huida de compromisos en los que su cotidianidad carece de sentido. En estas pausas y reencuentros, no puede evitar que su pasado vuelva a su cabeza a partir de detalles de su día, siendo su reconciliación con el pasado y superación de sus sombras más importantes de lo que él cree. Una película sincera íntima, una confesión audiovisual en la que Almodóvar echa la vista atrás a sus heridas del pasado y a su primer cine a través de ese sosias interpretado por Antonio Banderas. El reparto está extraordinario, con mención especial para Julieta Serrano. Hermosísima banda sonora de Alberto Iglesias y encomiable trabajo fotográfico de Alcaine, que se aprovecha de una exquisita dirección artístico que a través de escenarios cotidianos pregna el cromatismo y esencia de la estética Almodovariana. Pero todo se mantiene gracias a un gran guión de diálogos y encuentros, en un drama de extrema destilación, que se desnuda de exhibicionismos formales para abrumarnos del pausado narrar, de ruptura continua del pasado amargo dialogando con el presente, en una historia especular con la que Pedro se reconcilia con nosotros y cierra un capítulo que carga a su espalda con una de sus grandes películas, que apela a las más intensas emociones de amor, melancolía y esperanza.

El calado emocional de la película es intenso, pero bien es cierto que si no hay una familiaridad previa con el acervo e imaginario Almodovariano no produce el mismo efecto durante el visionado. Más allá de una recreación poderosa de momentos y encuentros, no encontramos un argumento que embriague o sorprenda, en un desarrollo de acontecimientos que se encuentra en territorios familiares dentro del género dramático, o ajenos a la sorpresa. Y ciertos críticos podrán argumentar que combinando tantos pasajes distintos del pasado y personalidad de Salvador no llega a profundizar en ninguno de ellos. El hecho de que sea una gran película no es equivalente a que sea la mejor del director, ni una obra maestra transformadora. Pero sí un largometraje exquisito que puede convencer a todo el mundo.

Depurada, emocionalmente intensa e introspectiva, Dolor y Gloria es un extraordinario punto y aparte que cautiva desde la moderación de la memoria.