El pasado viernes 30 de septiembre tenía lugar un evento histórico en los cines de nuestro país: el enigmático director vasco Víctor Erice estrenaba su nueva película después de 40 años de su último largometraje de ficción (El sur), y 50 después de conseguir la Concha de Oro con su ópera prima “El espíritu de la colmena”. Lo que sirvió de reclamo para no esperar más y adentrarme a mi cine habitual ese mismo día.

Más de 20 años después de la desaparición de Julio Arenas, mítico actor español, su amigo y director de la película que estaba rodando en el momento del suceso, Miguel Garay, es entrevistado para un programa de televisión que pretende recordar la figura de tan ilustre actor del panorama patrio cinematográfico.

La vuelta de Erice ha sido una gran noticia para todos los amantes del cine con mayúsculas, porque el nuevo trabajo del director vasco se degusta a fuego lento (de hecho, una mujer de voz “sabinera” que estaba sentada cerca de mí repitió en varias ocasiones lo lenta que era), para desembocar en una apoteósica parte final que vuelve a encumbrar a Erice en los altares de nuestra cinematografía (pasada la hora, la voz “sabinera” no volvió a pronunciarse).

Viendo la película, te das cuenta de que es una lección de cine, un cine que se saborea despacio, como el whiskey que degustan los protagonistas. Los pausados planos, el diálogo, los personajes: todo es parte del puzle que crea el director para hablarnos de la fragilidad de la memoria, de la melancolía y, sobre todo, de la supervivencia de las personas a lo largo del tiempo.

Un irreconocible Manolo Solo y un impecable José Coronado son los personajes que llevan el peso de la película, secundados maravillosamente tanto por Ana Torrent como por Mario Pardo, dejando los protagonistas unas actuaciones que dan el empaque necesario para fortalecer la historia.

Una película que a pesar de sus 169 minutos de duración nos adentra en un cine de otro tiempo, que se agradece disfrutar en estos tiempos de velocidad e inmediatez. ¡Gracias, Víctor Erice!

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La sección Nuevos directores del Festival de San Sebastián es una puerta de entrada al cine emergente. En esta ocasión, nos encontramos con una pareja de directores que también lo son en la vida real y que en su ópera prima han dejado tan buen sabor de boca que se han alzado con el premio esta edición. En la proyección asistió el elenco de la cinta, que se llevó un gran aplauso al finalizar.

Sophie es una chica de 15 años que vive en Nancy, dentro de un problemático entorno familiar. Un encuentro casual hace que consiga un juego de llaves de la casa de su amiga Jade, que va a pasar las vacaciones fuera con sus padres. Sophie ve la oportunidad de alejarse un poco de su familia y pasar tranquilamente unos días sola, pero no contaba con la presencia del hermano mayor de Jade, Stephane, que también planeaba pasar solo el verano. Con mucha sutileza, las vidas de ambos jóvenes irán entrelazándose.

Jeanne Aslan y Paul Saintllan cocinan a fuego lento una historia, simple a primera vista, pero que cala profundamente, gracias a un magnífico guion que evoluciona sin fisuras. Una cinta que habla de familia, de clases sociales, pero que se centra sobre todo en la curiosa adolescente y el desencantado joven.

La elección de Céleste Brunnquell para el personaje principal es de lo más acertada, creando una Sophie curiosa que se debate entre cuidar de su familia y sus ganas de vivir. Para el personaje masculino tenemos a Quentin Dolmaire, que clava al joven que vive cuestionando su presente pero que se encuentra feliz con la presencia de Sophie.

Una delicada película sobre la adolescencia y la juventud que nos ha gustado mucho. No sé si llegará a la cartelera comercial o se tendrá que disfrutar en el circuito de los cineclubs.

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Hoy en día el negocio de la cocina está muy en boga, con programas diarios en distintos canales televisivos, incluso con reality shows en los que participan adultos, famosos y niños. También con muchos restaurantes buscando reconocimiento con una estrella michelín. Pero siempre hay pioneros, y es ahí donde pone el ojo el director galo Eric Besnard para narrar el origen del, según las crónicas históricas, primer restaurante francés.

Después de quedarse sin empleo, de la noche a la mañana, por querer innovar en sus platos, el cocinero Pierre Manceron conoce a una misteriosa mujer que, a la postre, le animará a abrir un restaurante en la Francia de 1789, justo antes de la Revolución Francesa.

Una bonita película que combina dosis de drama, misterio, romance y sátira para trazar la sociedad de la convulsa época prerrevolucionaria. Una cinta que entra por los ojos como si fuesen frescos de la época, con una posada en medio de la campiña francesa donde se recrean espectaculares bodegones que parecen salir de la pantalla.

Besnard ha contado con la colaboración del chef francés Thierry Charrier como asesor para la elaboración de las recetas que se cocinaban a finales del siglo XVIII, con un gran resultado donde la comida es el eje fundamental de la trama. Cabe destacar la autenticidad del reparto en la creación de personajes maravillosos.

Una película que puede pasar desapercibida en la cartelera, pero que merece mucho la pena disfrutar de su deliciosa historia.

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Compitiendo en la Sección Oficial de la 69 edición del Festival de Cine de San Sebastián pudimos ver la nueva película de la directora peruana Claudia Llosa, que esta vez adapta para la pantalla grande la aclamada novela homónima escrita por Samanta Schweblin, quien también ha participado en la escritura del guion.

Amanda decide pasar el verano en un pequeño pueblo de la campiña argentina acompañada de su pequeña hija, Mia. Allí conocerá y quedará prendada de Carola, una mujer que vive allí con su marido y con su misterioso hijo.

Como Amanda describe en la película, la distancia de rescate es el continuo cálculo por parte de Amanda de la distancia necesaria con su hija para mantenerla a salvo de cualquier peligro. Un continuo agotamiento que hace tener una conexión muy especial con su hija.

Llosa hace utilización de la voz en off y el flashback para contarnos una historia sobre el miedo ancestral que tiene toda madre con sus hijos: por un lado hay que darles libertad para que se vayan convirtiendo en personas, pero por otro hay que protegerlos. Ese equilibrio puede llegar a ser terrorífico y muy doloroso, y la directora lo sabe reflejar conectando con la naturaleza que nos rodea. A pesar del halo misterioso que envuelve la película, la estructura de la película hizo que desconectase en ciertos momentos.

Tanto Dolores Fonzi como María Valverde están creíbles en sus respectivos papeles, transmitiendo la buena química que hubo entre ellas en el rodaje. La localización trata de ser otro elemento importante en la historia, pero, aunque tiene potentes escenas que llegan al terror, la película termina siendo algo caótica en su desarrollo.

Una difícil adaptación que, a pesar de la buena intención y el empeño por parte de la directora, no nos llega a calar del todo, sintiendo una ligera distancia con la película.

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Después del gran éxito cosechado con Campeones (2018), Javier Fesser vuelve a la dirección de largometrajes para regalarnos una desternillante comedia basada en un guion escrito allá por el año 1988, perdido entre los cajones, y que redescubrió durante una mudanza. Un estreno que, a consecuencia del año pandémico, ha tenido que variar su orden y se puede ver en Amazon antes de su llegada a los cines.

Ramón está a punto de heredar el imperio del transporte que ha forjado su padre con el sudor de su frente. Bermejo es un meticuloso veraneante que busca la primera línea de playa para no perderse el amanecer. Ayoub es un inmigrante sin papeles que intenta ganarse la vida y que se cruza en el camino de Tina, una mujer insufrible a la que le arregla el jardín. Alipio es un empresario desesperado con un problema de ludopatía. Cuatro historias independientes que en algún momento llegan a entrelazarse.

Fesser recupera la esencia del comic que emanaban trabajos suyos anteriores (El secdleto de la tlompeta, El milagro de P. Tinto) y nos presenta una película cargada de color y gran potencia visual, en la que se nos dibuja unos personajes a los que le persigue la desgracia divididos en cuatro capítulos, tocando el terreno del cortometraje en el que tan a gusto se encuentra el director madrileño.

La película recorre varios puntos del área geográfica de nuestra España, desde las playas de Gandía hasta la particular sonoridad del acento aragonés. La cinta está cargada de grandes dosis de humor negro, con la que reírse de las situaciones, indignarse con ciertos personajes, para al final acabar emocionándose. Mucha de la culpa es del sensacional trabajo que realizan los actores, prácticamente desconocidos para el gran público, que nos llegan muy adentro; Pol López (visto en la serie Vergüenza), Chani Martín, Laura Gómez-Lacueva, Matías Janick y Alberto Castrillo-Ferrer.

Una divertida comedia que nos trae aires frescos que nos despeinarán, dentro de lo que cabe, de la monotonía y aburrimiento que nos ha tocado vivir este año. Una pena haberla visto antes en la televisión, pero algo es algo.

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