Poco puedo añadir yo, que he visto la película varios meses después de su estreno. Que el Tosar se sale haciendo de Malamadre, que hace que la película crezca y con él tanto la historia como el resto de personajes se vienen arriba, que es un monstruo de la interpretación y que estamos ante posiblemente el papel más complejo y redondo del cine español en los últimos años.

Resulta que este tipo, Malamadre, un asesino, tiene un código ético, tiene palabra, tiene más credibilidad que un grupo de altos funcionarios del Gobierno que vienen a negociar con él para poner fin a un motín. Malamadre es un delincuente, pero es un hombre íntegro. Y eso es lo que más me gusta de la película: que los buenos no son tan buenos y venden a su madre si hace falta y los malos son malos pero no tanto como para ser desleales. Algunos, también los hay, son tan malos que se venden por cualquier cosa.

Celda 211 tiene al espectador en vilo durante el tiempo que dura, que ni me molesté en mirarlo porque se me pasó realmente volando. Y todo ocurre básicamente en dos escenarios: la galeria de presos peligrosos en la que se ha desatado el motín y la sala de mando de la cárcel. Ahí se teje una historia que parte de un funcionario que se ha quedado encerrado y tiene que sobrevivir haciéndose pasar por preso y deriva en un retrato complejo de varios personajes que van evolucionando con la película.

Quizás tenga algunas partes de pasteleo en forma de flashbacks para rebajar un poco la tensión y quizás algún giro del guión sea efectista, pero ninguna de las dos circunstancias le hace flaquear. Incluso la presencia de etarras, con crítica incluida al Gobierno vasco, es bienvenida. Se le podrá criticar que los terroristas no comparten celda en la realidad y están mucho más protegidos, pero esto es sólo una película inspirada en una novela, y como tal hay que disfrutarla.

Película típicamente británica, mezcla de comedia y de drama, con el toque ñoño propio de cintas como Love Actually pero con un guión mucho más inteligente obra del gran Nick Hornby. An Education es una cinta más que interesante que relata la historia de una joven de 16 años que se queda prendada de un tipo mayor que ella que la seduce con su dinero, sus regalos y una vida mucho más divertida que la que le ofrecen los estudios, los libros, las cuatro paredes de su cuarto y un chico pardillil que pretende ser su noviete.

Pero no es oro todo lo que reluce, por mucho que reluzca, y el tiempo va poniendo a cada uno en su sitio y descubriendo que el dinero es sólo eso, dinero, y que en la vida cada cosa tiene que suceder a su debido tiempo.

La peli está muy bien ambientada en el Londres de principios de los 60 y las interpretaciones son más que notables, en especial la de la jovencita Carey Mulligan. Por algo la han nominado al Oscar. Al igual que han hecho con el guionista.

Más me sorprendió que figure entre las nominadas a mejor película porque no la veo muy del gusto de la Academia y además es británica, pero como el año no ha sido especialmente fuerte y como en esta edición eran diez las candidatas, pues ahí que se ha colado esta An Education. Ojalá dé la campanada.

Pues sí, la he visto más de una y más de dos veces. Un grupo de jóvenes, que forman una banda de rock&roll, que ganan pasta a mogollón en poco tiempo, que se pasan con las drogas y que caen con la misma velocidad que han subido. Runaways es una película más de este tipo, como la de los Doors, como la de los Wonders, como la de Johnny Cash, como la de Charlie "Bird" Parker y como tantísimas otras. La única diferencia es que en este caso las protagonistas son todas chicas, pero además el resultado final es bastante flojo.

No hay historia más allá de una sucesión de canciones, de unas jovencitas rebeldes guiadas por un productor ávido de ganar dinero. La película se hace lenta, larga y aburridísima. Falta guión, faltan diálogos, falta de todo. Una película no se hace cortando y pegando canciones, por mucho que algunas sean temazos y suenen del carajo. Pero si lo mejor del producto es la banda sonora no hace falta pasarse casi dos horas sometidos a una tortura. Con descargárnosla habríamos tenido suficiente.

Por apuntar algo positivo se puede decir que la estética no está mal, que las chicas dan su puntito guerrero y rebelde y que toda la cinta está rodeada de un halo setentero-bowiístico que no le sienta del todo mal. Incluso el arranque es bueno, con Dakota Fanning haciendo un play-back de Bowie en la que puede considerarse la mejor escena de la peli. Pero el globo se desinfla incluso antes de que se haya inflado y la película se viene abajo en el primer cuarto de hora.

Todo ello hace de The Runaways una verdadera decepción.

En el cine, si tienes una buena historia posiblemente tengas una buena película. La historia de cómo Nelson Mandela unió a un país que estaba al borde de la guerra civil a través de un mundial de rugby que contó John Carlin en El factor humano es sencillamente maravillosa, así que el primer paso ya estaba dado.

Hacía falta un tipo que no sólo se pareciera físicamente a Mandela, sino que le estudiara los movimientos y la forma de hablar hasta casi convertirse en él. Ahí entra un magnífico actor como Morgan Freeman, que se parece tanto a Mandela que más de uno tendría problemas para identificarlo si se ponen los dos con la camiseta de los Springboks, la gorra verde y las gafas de sol en una rueda de reconocimiento.

Sólo hacía falta un director que contara la historia de manera sobria, dándole protagonismo siempre a lo que ocurre en vez de alterar los hechos a base de flashbacks, forwards, cortapegas por aquí y por allá, planos subjetivos y tantas otras técnicas que aquí sólo servirían para arruinar la película. Es aquí donde aparece el mejor director, Clint Eastwood, para terminar de fabricar una estupenda película sobre cómo el deporte puede hermanar a blancos y negros tras años y años de apartheid.

La final del mundial está excelentemente reconstruida. Tanto que se mete uno en el partido y se hace fan de los Springboks como si fuera surafricano de nacimiento. Tanto que uno anhela ver a Matt Damon levantar la copa casi tanto como desea que Casillas levante la del Mundial de fútbol, que se celebra precisamente en ese país que unió Mandela dentro de unos meses. Tanto que, extrañamente, deja una sensación de optimismo nada frecuente en las películas de Eastwood.

Por ponerle un pero, quizás se deje muchas cosas del libro, que hace un retrato socio-político del país y quizás se centre demasiado en el rugby y no tanto en el odio entre blancos y negros latente tras tantos años de opresión y en la posibilidad real de una guerra civil entre ambas razas. Pero para eso está el espléndido trabajo de John Carlin.

Aronofsky retrata ejemplarmente en esta película la obsesión enfermiza que padece una bailarina encargada de interpretar el personaje principal en el Lago de los Cisnes. Ella, Nina (Natalie Portman), es tan insegura como autodestructiva, vive sometida por una madre sobreprotectora y acosada por un director teatral que le exige más allá de lo que puede dar (en todos los sentidos, absolutamente todos). En sus compañeras ve rivales que pretenden quitarle el papel.

Todo esto lo narra el director con unos planos bellísimos de los ensayos del ballet, con la música y la coreografía ocupando un papel principal, pero también recalcando el carácter autodestructivo de la joven Portman. La película nace de un argumento muy simple y se va adentrando cada vez en las profundidades del personaje de Nina, hasta el punto que el cisne negro que hay dentro de ella se va adueñando cada vez más del cisne blanco que aparentemente es. Con un punto de partida tan sencillo, es increíble la habilidad del maestro Aronofsky para emprender un profundo y prolongado descenso a los infiernos de la personalidad humana.

Si Portman no gana el Oscar a mejor actriz hay que impugnar la gala entera. Tiene buenas competidoras, como la adolescente de Winter's Bone, pero es que no hay comparación posible. Natalie está bellísima, pasa de sensual, inocente, jovial y risueña a dañina, malvada, perversa, enfermiza, trastornada.... Está enorme, sostiene la película con ayuda de una galería de impecables secundarios como el déspota director, su madre, su rival y hasta la bailarina a la que ella arrebató el papel, Winona Ryder, que aparece menos de tres minutos en escena, un tiempo más que suficiente para contar cómo de machacada se siente una reina destronada.

Se compara esta película con la anterior del mismo director, El luchador. A mí me parece que se asemeja más a La pianista, de Haneke, con toda esa carga de terror psicológico, enfermedad y automutilación que tenía aquella.

Hasta aquí todo lo bueno. Tras la tremenda puesta en escena, la película se viene abajo cuando el director recurre al surrealismo para enfatizar el trastorno de su protagonista. Lo hace bien entrada la historia, pero abusa de ese recurso. Tanto que hay escenas que no me creo, aunque su carga dramática sea brutal, lo que conduce al absurdo. Pese a ello, termina uno la película casi agotado, tenso por lo que acaba de ver.