Somos muchos los que acudimos a ver una película española con la premisa de que vamos a encontrarnos con un producto de escaso brío y donde prime la exhibición del tetar de alguna actriz lanzada. Pues bien, no es este el caso. “Secuestrados” podría entroncarse con aquella saga que hace años originase el bueno de Brian Yuzna auspiciado por su amigo Julio Fernández, de la que sería sin duda su mejor y más brillante exponente. Se trata de una película que no parece española, aunque suene mal decirlo, con una planificación mimética y unos movimientos de cámara cuidadosamente coreografiados, algo alucinante, e incluso el recurso de De Palma (tan reiterativo y pedante por su parte) es utilizado con aplastante intencionalidad en pos de la acción. Que le den un Goya, un Oscar, o lo que sea, a Manolita Vellés ya. Manolita, no dejes de hacer cine, papeles como estos, eres “mu grande”, como Nerea, que es “mu grande”.

Cuando se piden reformas en aras de prever y proteger a la sociedad de este tipo de actitudes, siempre se tilda que en caliente no se puede debatir, y es que si no se debate en caliente no se debate. En vez de ser conscientes de lo que ocurre, se recriminan afirmaciones del tipo “con Franco se vivía mejor”, más seguro, y lo hace quien no ha sido atracado en su casa y violado. Ya está bien de hipocresía barata, si no hacemos algo pronto vamos a volver a ley de la selva, donde cada uno tenga un arma en su casa y no dude en pegarle un tiro al primero que se le ocurra cruzar la puerta.

De obligado visionado para ti, Alfredo. Y tú, José Luis, mejor que te abstengas.

Lo mejor: la magnífica interpretación (en especial de Manolita) y la genial dirección.

Ni que decir tiene que “Winter’s bone” es una película de ritmo lento, pausado, en la que cualquier susurro, cualquier ruido, de por si estremece, por el enclave en el que acaece, temeroso, aterrador, por quebrar la rutina diaria, esa rutina que garantiza la paz y la tranquilidad, y que es a la vez losa funesta de nuestra soledad.

En una sociedad con sus propias leyes, al margen del resto del mundo, aislada en una dimensión olvidada, es fácil encontrar paralelismos con el ritual ancestral de la mafia siciliana, con negocios ilícitos conocidos y practicados por todos, con el “padrino” respetado ejerciendo de jefe del clan, con la lucha entre familias, por las cuales corre la misma sangre, y con la máxima de que el chivatazo se paga con la vida.

Y en medio de esta cloaca inmunda crece una flor, esplendorosa, fuerte y vigorosa, una madre coraje capaz de dar su vida por mantener a flote el hogar, ese hogar que naufraga por los cuatro costados, que invita a tirar la toalla y abandonarse a la evasión de la droga, al alcance de la mano, reiteradamente ofrecida, y sin embargo, en un acto de valor supremo, siempre rechazada. Aunque la muchacha es consciente de que no podrá escapar de su responsabilidad, como lo han hecho los otros (de una manera u otra), alberga en el fondo un sueño interior, el anhelo de una cosa pequeña que los demás tienen, una vida normal.

Escribo esta crítica por amor a Alexz, porque no quería dejar escapar la oportunidad de elogiarla, aunque fuera en un ámbito que no la merece. La historia resulta muy atrayente, e incluso su planteamiento, así como todo lo surgido (los viajes astrales…). El recurso de la gemela es hasta brillante, por su lectura metafórica (me recordó a ratos la magnífica “Images” de Robert Altman). ¿Cuál es el problema? Que todo lo prometedor se torna previsible, insulso y decepcionante en manos de un director incapaz de sacarle partido a las posibilidades. Con todo, recomendable para todos los que no conozcan a esta gran cantante y actriz de magnética presencia (no perdérsela en el episodio 8.11 de “Smallville”).

Llegué al cine a las 17:11 (problemas resueltos) y contemplé con desolación que la película publicitada a las 17:30 se proyectaba a las 17:00. Reflexioné un momento y decidí comprar la entrada, luego me alegró no ser el único que llegaba tarde. Al poco de sentarme comprobé que la escena clave me la había perdido, pero bueno, enseguida me enganché. Tengo que decir que una película de Eastwood siempre vale la pena, y en esta ocasión ocurrió algo que hacía mucho tiempo no vivía: escuchar siseos mandando callar al personal (olé sus huevos). La verdad es que resulta recomendable, aunque te deje con un cierto sinsabor de esperar más, o desear que se cierren ciertos capítulos, porque sí, esta es una película inacabada.

Hablemos de las tres partes bien definidas:

La americana: con Matt Damon intentando vivir su vida lejos de ese “don” que tantos quebraderos de cabeza le provoca. No, Matt Damon no es Jennifer Love Hewitt, pero tiene a Jay Mohr al lado repitiendo el mismo papel. Damon es Eastwood, apesadumbrado, hastiado, cansado, pero con todo, comprensivo, paternal en cierto sentido. Bryce está tan adorable que dan ganas de abrazarla.

La francesa: o la fallida diría yo (aburrida), con una Cécile De France, enormemente desaprovechada, interpretando el papel más atractivo de la película pero sin darle la suficiente carga de profundidad (no por culpa suya). Casi se diría que esta parte no la hubiese dirigido Eastwood, sino fuera por algunos movimientos de cámara característicos y por esa escena del hospital, con la doctora que al despedirse con esa placidez aparece de nuevo Eastwood.

La inglesa: la más emotiva y cuidada, en la que cada plano ejemplifica el estilo de Eastwood, ya que Eastwood es uno de esos directores que ha logrado imprimir un sello personal a su cine que lo distingue del resto y lo hace reconocible (mérito que sólo tienen unos pocos). Extraordinarias interpretaciones y montaje perfecto (magistral Joel Cox).

De lo último de Eastwood, la mejor sigue siendo “Gran Torino”.

DeMille era un director tan enérgico (o incluso más) que Ford, e infundía en sus rodajes una tensión que trascendía e impulsaba la acción con un ritmo vibrante que jamás desfallecía. Un buen ejemplo de esto es “El signo de la cruz”, rompedora en más de un sentido (casi “gore”), con el ínclito Fredric March (menudo carrerón) ejerciendo de macho alfa dominante. La película en sí retrata a la perfección los pormenores de la época, la visión de los cristianos como secta proscrita, y lo hace desde la dureza de lo que conllevaba (sin escatimar un ápice de violencia). Luego vendría LeRoy y nos ofrecería una versión más edulcorada y familiar. A la postre la moraleja es la misma, la fe inquebrantable más allá del dolor y el sufrimiento consigue la conversión del más incrédulo y escéptico (¿o tal vez fue el triunfo del amor sobre lo humano y lo terreno?). Con todo, altamente recomendable, para apreciar como se merece a un gran director. Excelente fotografía (gloriosas armaduras brillando al sol).