¿Qué sentirías si encontraras tu buzón de correos inexplicablemente roto, la puerta de tu casa pintarrajeada, ese bonito parque de al lado de tu casa vandalizado, un contenedor de basura quemado, la Gioconda con un bigote pintado por algún gamberro? Pues eso es lo uno siente al ver esta bazofia de 2012.

Desafío total, el original, el de 1990 es una obra maestra de Paul Verhoeven, algo más que un recuerdo para muchos cinéfilos y amantes de la ciencia ficción, una obra de culto. Además es una pieza inimitable, única, algo que no necesita remakes ni versiones innecesarias. Ni siquiera envejece mal. Sus efectos son de los noventa pero siguen siendo impactantes, esa mujer con tres pechos, Schwarzenegger sacándose esa cosa por la nariz, los tiroteos brutales (entonces eran novedosos, hoy en día habituales en cualquier película), los ojos saliéndose de las órbitas en Marte, la base marciana, cuando aparece Kuato, la máquina de implantar recuerdos, la secretaria que se "pinta" las uñas, todo es imaginación desbordante, una sorpresa tras otra para el espectador.

Nada de esto aparece en esta película de 2012. Len Wiseman ha cogido el guion de la original, se ha apropiado de las partes que le ha dado la gana, añadido un poquito de soldados imperiales de Star Wars, un poquito de la urbe de Blade Runner, algo de Yo, Robot, MInority Report (esos coches por la ciudad) y todo junto, ha cocinado un mejunje fétido de acción y aventuras predecibles. Un insulto para el espectador.

Este Total Recall de 2012 nos ha roto la ilusión. No era necesario y nos lo han estampado en la cara.

No está la música de la original. ¡Quiero ver el partidazo de Canal+! (esto solo lo entenderán en España).

Sharon Stone y la maravillosa Rachel Ticotin, la rubia y la morena, la pérfida y la buena, el bien y el mal. Aquí vemos a dos actrices que parecen gemelas. ¡De verdad que no exagero, yo las confundí las dos horas de película todo el rato! Es lo más absurdo que he visto en una película: no poder diferenciar a personajes clave.

Tampoco está Michael Ironside, añoro el gesto de mala leche, esa mirada de villano bien hecha, el gesto de amor que hace cuando descubre muerta a Lori.

No perdono que no salga Marte. En la original del '90 vimos por primera vez en cine un planeta rojo detallado, más o menos creíble (es trampa argumental a toro pasado, hoy, en los años '20 del siglo XXI que Marte no es tan rojo. Entonces no había imágenes ni vídeos en alta resolución de los robots que hay ahora mismo en el planeta Rojo).

Para colmo de despropósitos, se nos dice que el mundo está compuesto de colonias exclusivamente anglosajonas, eso sí, con chinos por todas partes, ricos y pobres.

En resumen, una película no solo mala sino indignante. Quizá si no conoces la original de 1990 puedas ver esta de 2012 como una peli de acción y tal, pero nada más.

Como muchos niños de mi generación, los que vivimos en primera persona la época en que se emitió por primera vez Mazinger Z, tengo un recuerdo nostálgico, épico, absolutamente idílico de esta serie. Pero eso son los recuerdos de infancia, lo que se nos quedó grabado.

Otra cosa es ver esta serie hoy en día. Yo lo intenté hace unos años, esperando encontrarme las sensaciones de éxtasis de mi infancia, esos momentos de quedarte absolutamente embobado ante el televisor, de quedarme castigado "sin ver Mazinger" por haber hecho alguna travesura, de placer absoluto, místico. Y llegó la decepción. La serie ha envejecido muy mal. Hoy en día es terriblemente indigesta. Fui incapaz de ver más de diez minutos. Todo mi gozo en un pozo.

Moraleja: a veces no es bueno ser valiente y afrontar los retos de la vida. Te expones a riesgos no calculados cuyas consecuencias son imprevisibles. Destrozar un recuerdo infantil es cruel y pagué caro mi imprudencia. Si alguien tiene el mismo recuerdo mítico de Mazinger Z y tiene la tentación de volver a verla, medite antes de hacerlo y escarmiente en cabeza ajena, fiándose de mi experiencia.

Tengo que sopesar mi recuerdo maravilloso y el bofetón de realidad que supuso verla de adulto muchos años después. Mi siete es generoso pues me aferro a que pese más un recuerdo bonito en mi votación.

North by Northwest, Con la muerte en los talones, título comercial en España, película de Alfred Hitchcock de 1959.

Para no engañar a nadie, debo decir que es mi película favorita de Hitchcock. No me cansaré jamás de volver a verla una y otra vez. A partir de aquí todo lo que comentaré será en tono laudativo hacia una de las numerosas obras maestras del genio británico. Si a alguien no le agrada la película le recomiendo no seguir leyendo y si alguien no la conoce, entonces deberá contrastar mi crítica con alguien que la desprecie y sacar sus propias conclusiones contrastando opiniones dispares.

Para mí es tan obvio que se trata de una película grandiosa que me ha parecido más motivador leer las (pocas) críticas de FilmAffinity negativas que la gran mayoría de críticas elogiosas hacia Con la muerte en los talones.
Me han llamado la atención algunos usuarios que tienen cientos, incluso millares, de críticas y sus estadísticas apenas una docena de dieces. ¿En toda la historia del Cine solo les parecen magníficas una pocas películas? No puedo evitar pensar que hay gente snob, que le gusta hacerse el interesante racaneando la nota de obras culturales a las que ha dedicado horas y horas de escritura. Salvo que te pagaran por ello, no logro entender que un cinéfilo, alguien que ame el Cine, tenga un gusto tan exageradamente exquisito teniendo en cuenta que existen miles y miles de películas de todos los países y culturas. Difícilmente puede la excelencia ser algo tan precario, solo al alcance de tan pocos. Por supuesto que lo bueno es minoritario pero ¿Hasta esos extremos?

Mi teoría se confirma en cuanto se curiosea cuáles son las "preferidas" de este tipo de usuarios, frecuentemente películas menores, algunas: auténticos bodrios. Es decir son personas caprichosas y despreciativas, lo que se suele definir como "cuñaos".

Leo también gente que busca en el cine de Hitchcock lo único que es capaz de comprender, lo canónico, lo lineal, lo "realista", el statu quo, sin alterar. Dudo que estas personas entiendan lo que es el Cubismo, el Surrealismo, el Puntillismo, el Expresionismo, La Nouvelle Vague o cualquier otra corriente artística que se aparte de lo establecido, de lo estandarizado o de lo políticamente correcto. Dudo aún más que entiendan que esas "desviaciones" son deliberadas, a veces incluso experimentales y, sobre todo, dudo que entiendan que son visiones inteligentes, algunas tan inteligentes que solo artistas geniales son capaces de hacer.

Hitchcock fue un genio. Hizo un cine muy personal. Un cine fácil de entender para quien quiera entenderlo. Un cine con licencias creativas, narrativas y argumentales donde prima el cómo sobre el qué. En Con la muerte en los talones lo importante no es lo que se cuenta, el qué, sino cómo se cuenta. Se trata de disfrutar de emociones como el suspense, la intriga, la empatía con un personaje en peligro, incomprendido, aislado del tejido social en su lucha en solitario contra todo y contra todos. Esta última característica es típica de muchas películas de Hitchcock, gente con psicopatías, fobias, filias, problemas conductuales y emocionales pero sobre todo con el sentimiento de sentirse perseguido y luchar por superar la adversidad.

Por supuesto, nuestro querido Roger Thornhill (Cary Grant) tiene estas característica. Personaje a la medida de un Cary Grant que borda el personaje, lo hace suyo como pocos podrían haberlo hecho. Irónico, golfillo, ocurrente e ingenioso, un antihéroe injustamente tratado y redimido; en la trama es confundido con un tal Kaplan y perseguido como tal por los villanos de turno, villanos de superlujo pues Vandamm es nada menos que James Mason y uno de su pérfidos ayudantes, Martin Landau (el capitán Koenig en la serie Espacio 1999).

Las peripecias de Thornhill pasarán por numerosas situaciones de peligro, algunas memorables por su originalidad, emblemáticas de cualquier Enciclopedia de la Historia del Cine. La escena de la avioneta es más que un referente cultural. Portada de discos de música, libros, carteles publicitando mil cosas... Ver el plano frontal de Cary Grant huyendo aterrado con una avioneta de fumigar intentando matarlo en más que una imagen, es como la boca de los Rolling Stones, la cara del Che Guevara, la Estatua de la Libertad o incluso la imagen de los cuatro presidentes estadounidenses del Monte Rushmore (lugar icónico elegido por Hitchcock para la lucha definitiva entre los protagonistas y los villanos).

Hay gente que no entiende que el guion está intencionadamente manipulado para crear una historia de ficción cuya finalidad es divertir al espectador. Es irrelevante si la madre de Thornhill es solo algo mayor que su personaje, si hay o no un microfilm en una estatua, que tipo de guerra hay de telón de fondo en la historia (se dice literalmente que es la Guerra Fría pero nada más) o si las aventuras tienen sentido o no. Con la muerte en los talones está hecha para sentir emociones muy concretas que una historia convencional difícilmente sería capaz de recrear si nos encorsetamos a la realidad más rigurosa.

Esto es arte, no un documental. Y contarlo bien también es en sí un arte, no se puede contar de cualquier manera. Los cameos de Hitchcock en sus películas no son casuales, son un guiño al espectador, son algo que se busca por diversión como si se tratara de encontrar a Wally. Forma parte de la experiencia lúdica, un componente más.

Se puede pormenorizar aún más en las técnicas narrativas que utiliza Hitchcock, su uso de los simbolismos, su maestría con el enfoque, con la puesta en escena, con el onirismo, con el ritmo pero me parece prolijo volver a describir el talento del genio.

Moon, sin traducción en España, quizá porque mucha gente sabe que se refiere a la Luna y, por tanto, no necesita comercialmente cambiar de título es una notable película de ciencia ficción ideada por Duncan Jones en 2009.

Esta cinta británica trata de un hombre, Sam Bell, interpretado por Sam Rockwell que vive y trabaja en la Luna en un próximo futuro en una explotación que suministra energía a la Tierra. Tiene un contrato de tres años y su única compañía es el robot GERTY cuya voz en inglés la pone Kevin Spacey.

Es una vida monótona, rutinaria y solitaria pero cumple una misión muy útil. Pero las cosas se van a complicar para Sam. Pronto empezarán a sucederse extraños sucesos sin explicación aparente que pondrán al personaje en una difícil encrucijada a vida o muerte.

Paso a spoiler:

No es lo mismo la vida carnal que la vida de la carne. En Carne viva, título original: Prime Cut (cuya traducción y sentido no tienen nada que ver con su título comercial en España, puesto que se refieren al corte de carne de primera, el que supuestamente daría un buen restaurante, creo que se me entiende) vemos una evolución, el concepto de vida humana en tres fases, que pasa de la carne muerta (la película empieza con un crimen de unos mafiosos en EE.UU. que introducen el cadáver en salchichas de unas empresa charcutera), pasando por la carne viva comercializada, es decir no está del todo "viva" al tratarse de chicas muy jóvenes brutalmente tratadas como mercancía que literalmente se venden en una subasta clandestina de la América profunda y termina con la liberalización de las chicas (aparte de la resolución de la trama que luego detallaré) que consiguen convertirse por fin en carne viva. Se está "muerto" literalmente en la primera fase, muerto en la segunda metafóricamente hablando y vivo en la tercera cuando la vida humana adquiere dignidad. La carne es una especie de metonimia o icono, como cada cual quiera interpretarlo.

Pero la versión española va más allá porque se centra en el estilo tanto argumental como cinematográfico. En efecto la película narra una historia muy cruda, con situaciones de dolor físico y psicológico que ponen a los personajes en "carne viva". Y también al espectador ante el espectáculo de tanta rudeza y violencia sin compasión.

Y qué mejor que elegir a dos actores perfectos para recrear esta atmósfera como son Lee Marvin que hace del agente Nick del FBI, tan áspero que ni besa a la chica rescatada, interpretada por Sissy Spacek cuando el momento lo requiere (un hombre duro pero moralmente intachable que salva literalmente de la garras de los abyectos mafiosos a la chica y se genera una inevitable relación personal contra natura: no pegan como seres humanos pero las circunstancias provocan una situación romántica) y por otro lado, Gene Hackman que hace del jefe mafioso, de nombre Mary Ann (curioso, es nombre que asociamos más a mujer que a hombre, aunque esto no parece tener ninguna trascendencia en el relato).

Duelo interpretativo inmejorable entre estos dos colosos para esta cinta de 1972 firmada por Michel Ritchie que lo mismo te hacía una peli tan pulp y setentera como esta que comedias puras y duras.

En Carne viva asistimos a una historia de cine noir ambientada el el contraste entre el entorno rural del personaje de Hackman y el urbano de Marvin. Hackman se mueve en granjas, campo, chicas que se exhiben entre paja, animales, comidas de hermandad sin finos modales y Marvin en la ciudad, en cafeterías, en restaurantes de cierto nivel, en la ciudad. No pensemos que la historia tenga alguna toma de partido entre estos dos hábitats porque uno sea es de los villanos y el otro el de los buenos. Solo es una forma de generar un antagonismo visceral entre los contendientes. Son personajes distintos en todo salvo en la rudeza.

En esta película el erotismo que generan los desnudos, bastante explícitos como no podía ser de otra manera, de las protagonistas añade aún más crudeza a esta "carne viva". El espectador no recibe dichos desnudos como algo estético o erótico sino como parte de una historia truculenta, epatante.

Lee Marvin, cuando invita a cenar a la chica, la lleva con un vestido casi trasparente a un refinado salón donde otros comensales no disimulan su mirada escandalizada y Marvin aprovecha su gestualidad implacable para afianzar que la chica es moral y digna por el hecho de ser persona, sea cual sea su atuendo. Son las miradas puritanas el escándalo, no la chica.

Película, en resumen, muy recomendable por su mensaje, por su agilidad y por su corto metraje, no llega a hora y media (86 minutos) de narración trepidante. Ritchie va al grano y es de agradecer.