Resulta no menos que preocupante que un titulo de las características de Rescue Dawn haya acabado directamente en las estanterías de videoclubs sin pasar, aunque solo fuera de tapadillo, por las salas españolas, una curiosidad que alerta sobre el penoso criterio de distribuidoras y productoras a la hora de dar salida a sus productos, una verdadera lástima que un película tan conseguida como esta y con una estrella al frente de su reparto (Christian Bale) no sea considerada con la estima que se merece, una cinta bélica que adjunta a su particular sello de autor, Werner Herzog filmando quizás su film más comercial, un sendero respetuoso al género mucho más que eficiente.

Rescate al amanecer viene firmada por uno de los cineastas más inclasificables del cine alemán, un autor de marcado signo que aunque se desenvuelve aquí en unos parámetros menos arriesgados que de costumbre no deja de avisar sus inquietudes y estilos creativos, un Herzog que narra con pericia la caída del piloto Dieter Dengler en el territorio hostil de Laos, con la guerra del Vietnam asomando en el horizonte y las atrocidades de un lugar minado de peligros, un aviador soñador y valiente que acabará preso de unos captores al lado de otros sufridos prisioneros, un enclaustramiento que será utilizado por Herzog para describir pausadamente unos lazos de unión entre personajes, destacando una protectora amistad de Dieter con Duane (Steve Zahn), un hombre débil que contrastará con el carácter inquieto y salvaje del héroe protagonista.

Adulta, profundamente reflexiva y naturalista (como es habitual en el director de Grizzly man la naturaleza es un elemento fundamental en la historia) este dramático cuadro de supervivencia va digiriendo con sumo detalle un mensaje antibelicista y asfixiante de dolor y sufrimiento que no necesita de obvias acentuaciones en su discurso para resaltar sus intenciones, las de un largometraje doloroso y representativo de la crueldad y resistencia en tiempos de guerra y de la necesidad de unión y compañerismo como única salida posible al fantasma de la locura y el desaliento.

LO MEJOR: La banda sonora de Klaus Badelt, una fantástica orquestación que, aunque con perdonables ecos a Salvar al soldado Ryan, confirma la buena salud de uno de los mejores y más aventajados pupilos de Hans Zimmer, un Badelt que ayuda y mucho en la implicación humanitaria con la perseverancia y angustia de Dengler, un Christian Bale manifestando con acierto, otra interpretación física intachable.

LO PEOR: Su lamentable trato en las carteleras, relegando un producto de primera fila a posiciones imperceptibles de los, cada día mas numerosos, directos a Dvd en nuestro país y su final, que sin contar detalles será visto, erróneamente, como un exceso de patriotismo.

No albergaba ninguna esperanza con respecto al último trabajo del mediocre Ron Howard, un director que nunca me ha demostrado valía en sus numerosos intentos cinematográficos, un Ron demasiado malcriado por esta industria que lo encumbró de forma ridícula con su horrible y maniquea Una mente maravillosa o que pone en sus manos proyectos de gran envergadura totalmente desaprovechados por su falta de fuerza y conocimientos, un veterano que se ha paseado por todos los géneros sin despertar el más mínimo sentimiento ni forjarse un estilo creativo propio, pero es quizás por esas sensaciones preestablecidas que agrada y sorprende encontrarse en Frost/Nixon una película mucho más seria y correcta de lo imaginado, una narración informativa y educativa que expone a la luz unos hechos históricos interesantes al mismo tiempo que indica síntomas de evolución en el cine de Howard.

Frost contra Nixon basa su documentada materia en la obra teatral de Peter Morgan (The Queen), relatando de forma brillante y amena las entrevistas llevadas a cabo por un famoso presentador británico (David Frost) al polémico y calculador ex presidente americano Richard Nixon, unas conversaciones realizadas tres años después de su sonada dimisión de la Casa Blanca debidas al famoso escándalo del Watergate, un careo sensacional que ensalza el excelente trabajo de los actores, unos soberanos Michael Sheen y Frank Langella que exprimen con ganas unos personajes mimetizados por sus profesionales caracterizaciones, un plantel actoral que santifica la cuidada selección del coral reparto.

Una obra que cuenta con rigor y detalle los entresijos televisivos y periodísticos de un programa noticioso arrebatador, un combate frente a frente en donde ambos contrincantes supuran admiración, odios, respeto y encontradas aspiraciones, unos tensos momentos que son el eje motor de un film esplendido, que esconden las temidas limitaciones de Howard en su caustica y sencilla (dejar el peso motriz a sus actores es una opción de lo más acertada) película político televisiva que no llega a rozar otros acercamientos sonados a la vida del controvertido líder (Todos los hombres del presidente, Nixon) pero que en manos imperfectas de Howard son celebrados con algo más de entusiasmo e interés de lo acostumbrado.

LO MEJOR: Frank Langella, el actor reaviva un Richard Nixon de imponente presencia tanto física como vocal, una composición muy completa, mitad humana y mitad endiosada del presidente estadounidense. La fotografía de Salvatore Totino, un iluminador que tiene mucho que ver en la actual asimilación artística de Ron Howard, filmando su mejor película hasta la fecha. La conversación telefónica entre el presentador estrella y el dirigente político, la confesión final y la lograda plantilla de actores secundarios.

LO PEOR: Pensar que un material tan valioso como este hubiera caído en miradas más competentes que las del director de Apolo XIII, y la invisible partitura de Hans Zimmer.

Darren Aronofsky consolida poco a poco su innegable condición de autor prodigio dentro del actual cine americano, un cineasta salvaje con alma indie que realiza obras de notorio riesgo, películas experimentales y a contracorriente, un cine cada segundo más personal y tremebundo, así, sin parches ni excesos disecciona en The wrestler una reflexión triste y fulminante de un personaje que viene a engrosar dignamente todo el glosario bendito que el 7º arte ha dado y dará de los perdedores, un solitario que vaga sin rumbo hacia los infiernos, un Mickey Rourke que logra (papelón creado a su imagen y semejanza) esa fragilidad necesaria para raptar sentimientos y ganar fieles seguidores en su oscuro sacrificio interno.

El luchador se representa en arrebatadora catarsis emocional, puro terrorismo cinematográfico, una plegaria que Aronofsky inmortaliza en la piel de un guerrero agotado, un ritual de dolor y filosofía vital, una de las más directas confesiones sobre la propia existencia.

Randy “The Ram” no cicatrizará del todo sus heridas en la hermosa historia de amor, mimada por Aronofsky con romántica melancolía, con una madre stripper, papel que Marisa Tomei materializa en milagro, quedando ya muy lejos su polémico Oscar de manos de Jack Palance y demostrando una increíble madurez tanto física (luce una figura despampanante) como interpretativa, una mujer que verifica su buen gusto a la hora de elegir sus trabajos, ella junto a Rourke son la química que hace rodar esta magullada colección de lamentos. Un mártir (muy bueno el momento en que Cassidy le dice a Randy si ha visto o no La pasión de Cristo) que busca en el fin del abismo una familia perdida, una hija despechada por la ausencia de un padre en el tiempo, una paz que solo habitará en su dura profesión de batalla, de rugir en un cuadrilátero que no podrá dejar jamás. Aronofsky filma un trozo de vida con la naturalidad y fiereza de un drama TOTALMENTE RECOMENDABLE.

LO MEJOR: La curiosa y detallista ojeada al oficio del wrestling, el respeto y cariño entre compañeros de profesión. La colosal performance de Rourke, el otrora sex simbol de los 80 resucita en un acierto de cast inaudito. Marisa Tomei, de un atractivo cegador, el combate/discurso final, la relación triangular entre Randy, Cassidy y su hija Stephanie (Evan Rachel Wood, la dulce chica de Across the Universe) y la faceta de Darren Aronofsky como director/productor.

LO PEOR: Que las vivencias de los “loser” sean un redil común en el cine y que pueda tener ciertos ecos de Rocky Balboa, última y decente entrega de la famosa saga pugilística.

Eventualmente aparecen ante nuestros ojos pequeñas películas que casi sin avisar reavivan la esperanza en el cine moderno, estas pasan por denominarse crowd pleaser, agradables sorpresas que alimentan de forma natural al corazón de medio mundo dentro del insípido panorama cinematográfico. Danny Boyle, cineasta poco dado al encasillamiento, se resarce de su último y algo más ambicioso fracaso (Sunshine) para lograr una cinta simplemente extraordinaria.

Slumdog millionaire, obra que podría emparentarse con la modesta y poco conocida Millones, es una maravillosa odisea espacio- temporal que arropada de una bella historia de amor fecunda un dibujo desolador de una India tristemente hermosa y pobre, una ambigüedad que Boyle desempolva surcando en rítmico frenesí un mosaico audiovisual impresionante y vertiginoso, una joya que explosiona en su esplendorosa dirección multiángulos.

La entrañable historia de Jamal Malik, demuestra la fuerza constructiva de un texto imaginativo, fresco y original, una crónica duramente realista por las calles de Bombay, un honesto cuadro costumbrista salpicado de magia y ensueño. Nuestro protagonista será el millonario concursante de la versión hindú del célebre programa ¿Quieres ser millonario?, utilizado como escaparate para el reencuentro con su amada (Latika), una hermosa y ágil historia romántica que llevará al joven huérfano por situaciones de peligro, enfrentamientos y penurias en su búsqueda desesperada del verdadero amor. Slumdog Millionaire es una entusiasta delicia que dará mucho que hablar durante los próximos meses, una película que irradia vitalidad y desparpajo en cada rincón de su milagrosa existencia, todo un descubrimiento de fragancia exquisita, una verdadera experiencia de luz, color, transparencia y talentos.

LO MEJOR: El poderoso arranque y su emocionante desenlace, un círculo perfecto de maquinaria narrativa. La naturalidad y sencillez de todos sus intérpretes, la utilización de la música dentro del relato, la fotografía, la dirección de Boyle, los geniales títulos de créditos finales, un homenaje al mejor Bollywood. La cruda mirada a una India sufrida y descompensada. La poesía de su mensaje, la relación amor/odio de Jamal con su hermano Salim, la respetuosa representación de la infancia, el guiño a Los tres mosqueteros, TODO.

LO PEOR: Que la avalancha de premios conseguidos y los que quedan por venir (Oscars inclusive) le resten gramos de espontaneidad y frescura para ciertos sectores que se acerquen a ella con expectativas preestablecidas.

El iconoclasta Gus Van Sant logra un interesante acercamiento a la vida de Harvey Milk, el primer político abiertamente homosexual que conseguiría un cargo público de importancia en los Estados Unidos, concretamente en el año 1977 dentro de la alcaldía de San Francisco, pero el cineasta bascula, en su intento, entre el cine independiente que le dio a conocer hace ya algunos años y su vena más ramplona y comercial (El indomable Will Hunting, Descubriendo a Forrester) sin saber muy bien como captar la total implicación del espectador con una historia que Van Sant se empeña en materializar como un documento informativo rematadamente didáctico.

El director de Kentucky en su afán de remezcla visualiza el film alternando diferentes texturas y estilos, unas maneras que pasan por el tono documental, la cámara al hombro y el abundante material de archivo, no encontrando el adecuado modus operandi de un convincente manifiesto en favor de los derechos y libertades que solo atrapa a medias, siendo un zigzagueante biopic de resultado parcialmente insatisfactorio.

Pero hay que premiar a Milk allí donde acierta, en fabular una valiente apología del orgullo gay y retratar de forma brillante a la ciudad de San Francisco, en especial la calle Castro, eje central de la meca gay y primer termómetro de una sociedad activista que luchó con eficacia para su pleno reconocimiento y aceptación dentro de un sistema necesitado de cambios. Excelente resulta también la caracterización de Sean Penn como Harvey, el actor respira naturalidad y humanismo en la piel del comprometido supervisor político y no desluce en absoluto al trabajo quimérico del resto del reparto, mención añadida para un sorprendente James Franco, un ajustado elenco que otorga en Milk el equilibrio esperado, justificándolo como un cine reivindicativo y enormemente oscarizable.

LO MEJOR: Sean Penn, fantástico en un trabajo lleno de matices y sensibilidad. La relación sentimental entre Harvey y Scoot (genial James Franco), las primeras manifestaciones masivas por las calles de San Francisco, la sensible, aunque poco utilizada música de Danny Elfman y todos los discursos de Milk en su escalada entusiasta al trono político.

LO PEOR: La irregularidad de Van Sant, un autor demasiado pagado de sí mismo que no acierta en templar el target de una cinta que no cuaja nunca del todo, abusando de ese aire alternativo que aísla emocionalmente al público de la historia.