Vi “Widows” (“Viudas”, RU – EEUU, 2018) dirigida por Steve McQueen [1969-] a quien recuerdo por “Shame” (2011) y “12 años de esclavitud” (2013), con guion de Gillian Flynn [1971-], quien decide centrar la acción en las mujeres y no en los hombres, como suele suceder en el género de acción. El reparto es imponente: Viola Davis (aplausos), Michelle Rodriguez, Elizabeth Debicki, Colin Farrell, Liam Neeson y Robert Duvall, entre otros. Se trata de una adaptación de la miniserie británica homónima de 1983, pero en este caso ambientada en la actual Chicago. Trata de cuatro mujeres, lideradas por Verónica (Davis) que heredan una deuda de sus maridos, todos criminales, quienes murieron en un asalto. Para pagar la deuda deciden terminar una tarea que dejaron empezados sus parejas. La cinta no tiene mayores elementos estéticos para resaltar, salvo la buena interpretación de Davis. Estamos, digámoslo de entrada, ante una obra de entretenimiento basada en una aventura y thriller criminal, pero que le apuesta a la exhibición de la complejidad como un personaje más de la trama. Me explico mejor. La trama, por sí, es algo compleja. El espectador debe estar concentrado para seguir los diferentes desenlaces de la historia. Pero además de ello, en la película se dan cita complejidades del entorno de Chicago, del cual cada una podría dar lugar a una larga y profunda reflexión: la brutalidad policiaca, las diferencias sociales entre estratos económicos, la corrupción política, el racismo camuflado, la inmigración latente y la violencia de género, entre las complejidades más relevantes. Son tantos los elementos socioculturales que allí se mezclan, que un espectador crítico se queda con la pregunta si era necesaria tanta complejidad para un filme de entretenimiento. La respuesta es un “no”, pero el director, claramente, quería dejar su sello en la cinta (y lo logró) a la vez que así nos ofrece una mirada más realista posible, pues en la cotidianidad todos esos elementos están presentes e interactúan continuamente con las personas de la calle. Sin embargo, creo que se le dio demasiada importancia a la familia de políticos corruptos cuando, a la larga, no fueron tan determinantes para el desenlace de la trama. En conclusión, es una obra que entretiene y engancha al espectador, a la vez que le ofrece un toque de realismo con la complejidad de elementos socioculturales que ofrece, permitiendo reflexionar que lo complejo es más real que lo simple. Pero no se le puede pedir más allá de esto a esta película. La recomiendo como un filme de entretenimiento que supera el promedio, bajo por demás, que hoy día ofrece la industria de Hollywood en lo que atañe al género de acción. 2020-01-28.

Vi “All Is True” (“El ultimo acto”, 2018, RU), dirigida y protagonizada por Kenneth Branagh [1960-] –reconocido como uno de los actores y directores que mejor conoce las obras shakesperianas–, y con guion de Ben Elton. El reparto es de lujo: Kenneth Branagh (aplausos), Judi Dench
(aplausos), Ian McKellen (aplausos) y Jack Colgrave Hirst, entre otros. La película narra los últimos años de la vida del mejor escritor en lengua inglesa: William Shakespeare, quien se retira a su hogar, con su esposa e hijas, luego de que su teatro, el famoso Globe Theatre, se quemara en 1613. En dicho retiro con su familia, Shakespeare intenta cerrar el duelo por la muerte de su hijo y reencauzar la relación con su esposa e hijas. Ahora bien, la cinta se caracteriza por estar entre el drama romántico y el biopic. Pero no crea el espectador que es un filme histórico de uno de los personajes más controvertidos (a la vez del que no se conoce tanto como se cree) de la historia de las letras, sino que es una versión libre, con algunas conjeturas y especulaciones, del período menos conocido de Shakespeare. Desde el plano estético, hay méritos importantes como las interpretaciones estelares. Por ejemplo, es magnífico el diálogo entre el Conde de Southampton (Ian McKellen) y Shakespeare (Branagh). Aplausos merece, además, la fotografía, responsabilidad de Zac Nicholson. En cuanto al contenido, ya aclarado que la obra no pretende darle al espectador una verdad sino una interpretación especulativa en tono dramático –como le hubiera gustado al propio Shakespeare–, podríamos mencionar el relevante toque de humor y los matices de ternura que terminan por humanizar al ídolo. A fin de cuentas, toda gran persona no deja de ser eso, una persona, sometida a intrigas públicas como privadas, con problemas que pueden ir desde lo digestivo hasta asuntos de Estado. Aquí Shakespeare está representado como alguien atravesado por el drama del autoexilio (el retiro de un hombre exitoso a sus aposentos privados), las tragedias familiares y los traumas personales, como cualquier mortal de la era isabelina, aunque resalta la narración es que son problemas intensos –aunque comunes– de un ídolo universal. Es que un daño de estómago no será retratado igual si quien lo padece es un soldado o un mariscal. Con base en lo anterior, quisiera invitar a meditar lo que significa reconocer la humanidad del deificado, en este caso, la dramaticidad (que supone la cotidianidad y la normalidad) de la vida privada de un hombre público. Empero, poner las luces del cine (que son públicas) sobre esa cotidianidad-normalidad de los grandes hombres, sigue siendo la lógica de pensar como público lo que es privado o personal. Solo si la película pudiera mostrarnos que los padecimientos personales son comunes en dicha época, pero no por ello menos intensos para quien los sufre, podría el espectador entender la humanidad del ídolo. Tristemente, esta cinta centra demasiado su lente, que es público, en la vida privada de un hombre más que público, una persona que, como Aquiles, ya es universal. La recomiendo entonces. 2020-01-27.

Vi “Once Upon a Time in... Hollywood” (“Había una vez en… Hollywood”, 2019, EEUU) dirigida y escrita por el archiconocido Quentin Tarantino [1963-] y con un reparto lleno de estrellas de todos los tiempos del cine: Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie, Al Pacino, Kurt Russell, etc. La cinta narra la vida de una estrella de Hollywood, Rick Dalton (DiCaprio), quien, junto con su doble de riesgo –Cliff Booth (Pitt)–, lucha por mantenerse en una industria que se revoluciona continuamente. Paralelo a ello, se reescribe la historia de la masacre producida por la secta liderada por Charles Mason [1934-2017] donde murieron Sharon Tate (Robbie), la esposa de Roman Polanski, y otras cuatro personas. Para empezar, las películas de Tarantino, por el mero sello en su realización, pasan de inmediato al salón de la fama, no solo porque el director imprime un sello de calidad en sus obras, sino también porque hay toda una religión de seguidores que logran volver casi de culto cualquier obra de este aclamado director. Y no es para menos si tenemos en cuenta que estamos ante un filme de gran envergadura, que transmite una oda, un homenaje si se quiere, a la transformación del cine y a los últimos años de lo que se ha conocido como la “era dorada” de Hollywood, en la que se forjaron los gustos cinéfilos del adolescente Tarantino. Otro gran mérito está en que solo un director experto en escribir diálogos relajados, a la vez que entretenidos, puede lograr balancear el carisma de dos monstruos del cine, como lo son Pitt y DiCaprio. A esto se le suma las decenas de cameos donde aparecen varias estrellas de la industria, lo que hace pensar, exagerando un poco, que quien no apareció en la cinta, aunque fuese un par de segundos, es porque no está “fresco” en Hollywood. Habría que agregar que Tarantino se dio el gusto de que todas sus escenas tuviesen cuanto capricho quisiera, de manera tal que la ambientación pasa de magnífico a excesivo en cuanto el apego a los detalles. Solo una producción de casi 100 millones de dólares se permitiría tal despliegue en cada escena. Finalmente, aludiendo a los méritos de la película, señalo que estamos ante una espléndida “fábrica de sueños” que se verifica, especialmente, por la reconstrucción de los hechos de la masacre en la que muere Tate y otras personas. Al finalizar, parace que el amor cinéfilo termina en una fábula donde solo los malos, como acaece a menudo en los Western, salen perdiendo. Esta reconstrucción de la historia, aprovechando que la ficción permite imaginar pasados diferentes a los que conocemos, también la encontramos en otras obras del mismo director, en especial “Inglourious Basterds” (2009) con la muerte de Hitler en una sala de cine (!) en París. ¿Para qué la ficción si ella no puede enfrentarse y cambiar la realidad? Estamos pues ante un filme que logra, sinceramente, entretener a un espectador que se siente atraído por la oda al cine y la fábula de un Hollywood que sobrevive a los chicos malos. Tal vez un espectador más crítico eche de menos la falta de referencias políticas propio de una época, como la de 1969, donde hasta lo privado se volvía público. Empero, vale la pena verla. 2020-01-24.

Mimosas (2016, España) dirigida por Oliver Laxe [1982-] y escrita por el propio director junto con Santiago Fillol. La fotografía es mérito de Mauro Herce (aplausos) y el reparto, actores naturales, está integrado por Ahmed Hammoud, Shakib Ben Omar y Said Aagli, entre otros. El género de la cinta, por motivos que veremos más adelante, es difícil de determinar. Podría decirse que pivotea entre el drama, la espiritualidad y el road movie. El filme narra dos mundos paralelos, el primero, trata de una caravana que intenta llevar el cadáver de un anciano a su lugar de origen para ser enterrado con los suyos; y el segundo, un viaje, en tiempos modernos, para rescatar a los caravaneros. Claro está que son tantos los puntos de fuga de la narración que cualquier resumen se queda corto. Antes que nada, la película tiene varios méritos estéticos. El primero, es la buena fotografía (que saca provecho de las imágenes de las montañas y del desierto); y el segundo, es un guion transgresor, lo que siempre está bien en tanto saca de su zona de confort al cine y al espectador. Sin embargo, digámoslo de una vez, por su forma narrativa tan poco convencional, por su excesivo conceptualismo y por sus tomas tan largas, la obra se vuelve en varios momentos aburridora. Es, en el sentido más estricto, toda una prueba de resistencia al espectador. Ahora, el que sea capaz de afrontar el reto (esta cinta no es para cualquiera) podrá sacarle jugo a ciertos aspectos que la narración le arroja para su análisis. Como lo insinué, estamos ante un filme indomable, toda una provocación, en especial porque el guion mismo no permite una lectura lineal, sino que está llena de conceptos y metáforas que deben ser interpretados en la lógica de dos mundos paralelos que se tocan, por medio del protagonista que participa en ambos escenarios, en clave de espiritualidad y fe que dan sentido a los rumbos que, externamente, parecen darse sin sentido. Pero en vez de ser los mundos platónicos-agustinianos (el mundo terrenal del dolor y el mundo divino de la verdad) aquí ambos mundos son mundanos, donde la principal diferencia está en el tiempo que rodea la narración. La fe comunica dos partes de la vida, la odisea de un viaje a las montañas y la espiritualidad que acompaña a los protagonistas (pues la fe es, en sí mismo, un camino sobre los caminos de la vida). Por demás, las tres partes de la cinta, según parece, corresponden a las tres posiciones del rezo musulmán. Empero, son tantos los conceptos y las metáforas que ir más allá de esos dos mundos, vía interpretación, queda a criterio de cada espectador. Desde mi experiencia personal, es muy difícil que dos interpretaciones de esta película coincidan, lo que no hace que alguna puede ser considerada falsa y la otra verdadera. Como bien dijo Nietzsche, no hay verdades, sino interpretaciones. En conclusión, esta obra es para un público que acepte que lo saquen de su zona de confort y que espera del cine algo más allá que mero entretenimiento. Que no espere una historia lineal, sino una provocación interpretativa donde lo único medianamente claro es que hay dos mundos que se conectan por la fe de los protagonistas. Dejo en manos de cada cual valorar una obra como esta, tan provocadora como enigmática. 2019-11-18.

Vi “The Favourite” (“La Favorita”, 2018, RU), del director griego Yorgos Lanthimos [1973- ], con guion de Deborah Davis y Tony McNamara. El reparto es de lujo (incluso se instaura un triunvirato femenino difícil de olvidar): Olivia Colman, Emma Stone y Rachel Weisz. La narración, ligeramente biográfica pero que no puede considerarse como histórica completamente, y con algunos toques de comedia negra y humor excéntrico, se centra en la última reina de los Esturdos, Anne (Colman), quien gobernó entre 1707 y 1714, y cómo ella afronta (o delega) los temas del gobierno en dos mujeres: Lady Sarah (Weisz) y Abigail (Stone). Es de señalar que la cinta ha merecido muchos premios, destacándose, sin ser el único, el Óscar a mejor actriz concedido a Olivia Colman. Estéticamente, la película tiene el sello propio de Lanthimos, al que se suma el extraño pero interesante manejo de cámaras, la buena fotografía (mérito de Robbie Ryan) y la contundencia de la música. Es de señalar que el director busca conscientemente reflejar la soledad de los personajes al ubicarlos en grandes espacios, así como inquietar al espectador al poner la cámara en lugares poco convencionales. Agrego, con aplausos, que las actuaciones protagónicas femeninas son de altísimo nivel. Ahora, pasando a temas de contenido, la obra toma elementos biográficos, pero no está interesada en modo alguno en reflejar con veracidad lo que sucedió, por lo que el espectador no puede creer que el filme le expone un pasaje de la historia política inglesa. Sin embargo, sí tiene valor político en tanto que la cinta logra expresar cómo la vida privada de los gobernantes termina por fundirse con la vida pública de sus organizaciones políticas. Si se me permite ser algo reduccionista, aquí la ambición, travestida de amistad, se retrata perfectamente en la conquista del cuerpo (y por ende del poder) de la reina. Los pecados se difuminan para terminar siendo políticas públicas. Una buena película para meditar los detalles privados del poder público. Podría pensarse que esa privatización de lo público, que permite que los asuntos íntimos de los poderosos terminen siendo políticas de Estado, fue algo muy presente en las monarquías, pero sigue siendo un sello propio de culturas donde se cree que el poder es moneda heredable entre familias poderosas. Otro aspecto que rescato, para un análisis posterior, es cómo se refleja el sistema de gobierno inglés, en este caso el cogobierno existente entre Parlamento y Reina, que si bien ha mutado mucho hasta nuestros días sigue, por el peso de la tradición, manteniendo algunos elementos que han logrado sobrevivir hasta nuestros días (para empezar, el espacio donde sesiona el Parlamento). Finalmente, debo señalarlo, la obra exige un compromiso del espectador, porque su forma narrativa (con su particular comedia grotesca), tan diferente a los usos comerciales a los que estamos acostumbrados, la hace lenta y, en algunos momentos, un poco aburridora. Pero si el espectador piensa, en los momentos en que el filme le permite divagar, en la fotografía, las actuaciones y el manejo de cámaras, podrá darle un merecido sitio a lo que ve. La recomiendo, con los matices ya vistos. 2019-11-15