Sin duda, "Toro salvaje" es la obra maestra de Martin Scorsese y la mejor actuación de Robert de Niro. Considero que ambos están mejor aquí, que en "Taxi driver".
Brillantemente dirigida, tanto en lo formal como en lo dramático, con fotografía en blanco y negro, y utilizando distintas técnicas fílmicas (pero en su justa medida). La película tiene una sobriedad formal y narrativa, que Scorsese ha ido perdiendo con el tiempo, y que se echa de menos.
No menos brillante, es la actuación de Robert de Niro, que realmente se funde en el personaje de Jack La Motta, la violencia que lleva dentro y que desata en el ring, la cual lo lleva al triunfo y al fracaso. Con una transformación psicológica y física sorprendente; y que va mucho más allá, del cliché de subir o bajar varios kilos de peso, para ganarse un Oscar.
Los secundarios, también están estupéndos: Joe Pesci, como el (generalmente) racional hermano y manager de La Motta (y no como el caricaturésco matón, que suele interpretar) y la estupenda Cathy Moriarty como la sensual, problemática y al mismo tiempo estóica esposa del protagonista.
Hay que tener presente, eso sí, que "Toro salvaje" es mucho más que una película sobre el boxeo, ni siquiera es sobre superación personal (del tipo "Rocky"); es en realidad una película sobre la violencia del ser humano y la posibilidad de redención, en un sentido casi religioso.
En fin, sólo se pueden decir alabanzas de este filme; que con justa razón, es considerado por muchos críticos, como una de las mejores películas de la historia del cine.

Gran película de Jean Renoir, algo subvalorada en comparación con sus obras del "realismo francés" anterior a la II Guerra Mundial, tales como: "La golfa", "Los bajos fondos", "La bestia humana", "La gran ilusión" y "las reglas del juego" (aún cuando en esta última, ya se vislumbra el gusto de Renoir por el tono de vodevil).
"French Cancan", es un exquisita comedia musical, que nos cuenta de manera libre la creación de ese ícono de la diversión de París, que es el Moulin Rouge, durante la llamada Belle Epoque (que abarca desde el fin de la guerra franco-prusiana hasta el inicio de la I Guerra Mundial); período histórico marcado por el optimismo y la fe en el avance de la humanidad gracias a la paz, la ciencia y la tecnología; y al mismo tiempo marcado por el imperialismo de las potencias europeas, que luego de repartirse el mundo, se estaban armando hasta los dientes para destruir al país vecino. Tal vez, por ésta razón Renoir nos entrega una película en tono de comedia musical y filmada integramente en decorados de estudios (tanto los interiores como los exteriores), por que claramente nos entrega una visión nostálgica e idealizada de la época; lo cual se agradece, tanto por su honestidad como autor, como por la coherencia y belleza visual de la película; que transmite realmente, una sensación de pintura impresionista en movimiento, con claras referencias a los cuadros de su padre, el famoso pintor Pierre-Auguste Renoir, así como también a los conocidos cuadros y carteles de creación de Touluse Lautrec (continúo en "spoiler")

No entiendo por que "El quimérico inquilino" fue tan mal recibida en su época de estreno; afortunadamente, el tiempo le ha dado el lugar que merece ésta estupenda película, a mi juicio la obra maestra de Polanski, donde demostró además su gran talento como actor. Creo que es la película que mejor refreja lo que es la paranoia a un nivel extremo; sin perjuicio de ello, Polanski deja una puerta abierta: tal vez no todas las extrañas situaciones que le ocurren al protagonista, sean producto de su enfermiza imaginación; ese es a mi juicio el gran mérito de la película: no ser obvia. Pero tal vez por lo mismo, la película fue incomprendida.
En cuanto a las actuaciones, a parte de la notable actuación de Polanski como el inmigrante polaco Trelkovsky, con su solapado sentimiento de desarraigo, timidez y su paulatina e inquietante transformación (no exenta de un humor extravagante y negrísimo), destacan todos los personajes secundarios, cada uno muy bien en su rol; con una joven Isabelle Adjani: simpática, sexi y desenfadada y que es el único personaje que entrega algo de comprensión y ayuda al protagonista; por otra parte, la estupenda (actoralmente) Shelley Winters como la "amable" portera del edificio; así como también, el intimidante dueño del edificio interpretado por Melvyn Douglas y todos los exéntricos vecinos.
Notable la creación de una atmósfera claustrofóbica de misterio y suspenso, salpicada de una perversidad tan típica del mejor cine de Polanski.
En resumen gran película, que supera a los trabajos más convencionales del director como "Chinatown" y por su puesto a la sobrevalorada "El pianista".

Antes de ver la película "El cielo protector", leí la maravillosa novela de Paul Bowles; por lo que me fue difícil quitarme los prejuicios literarios para disfrutar de la película. De todos modos me gustó la película; que considero es una obra poco reconocida de Bernardo Bertolucci, quién me pareció el director más indicado para adaptar la novela, ya que es una historia esencialmente sobre la sensualidad, no sólo en el ámbito sexual, sino en todos los ámbitos del ser humano que son receptivos a los estímulos del ambiente que los rodea. Y pocos cineastas han sabido transmitir al espectador, algo tan intangible como la sensualidad, como lo ha hecho éste cineasta italiano.
La película trata de como un matrimonio norteamericano, interpretado por Debra Winger en el personaje de Kit y John Malkovich como Port y un amigo de la misma nacionalidad Tunner (Campbell Scott) viajan en los años "40 a Marruecos, para encontrarle un nuevo sentido a sus vidas y revitalizar su matrimonio; suena bastante cliché, sin embargo, tanto Bowles como Bertolucci nos muestran como los personajes caen en una trampa, ya que no pueden buscar soluciones a sus problemas personales en medio de una cultura tan distinta y que jamás entenderán. El paisaje es demasiado abrumador y potenciará sus problemas en vez de ayudarlos; despertarán sus sentidos y les nublarán la razón. En esto se agradece que Bertolucci no muestre una visión paradisiaca de Marruecos y del Sáhara (como el desierto idílico y romántico de películas como "El paciente inglés") ni tampoco haga exotismo de tarjeta postal (como en su película posterior "El pequeño Buda"). Al contrario, hará sentir el desierto a los personajes y al espectador tal como es: lleno de moscas que se les pegan a la piel, el calor, la suciedad de las cuidades, la enfermedad; sin perjuicio, de la belleza del paisaje con sus dunas y atardeceres.
Formalmente destacaría la elegancia de los movimientos de cámara, que resaltan la geografía y la sensualidad del ambiente y además, la maravillosa pieza musical de Ryuichi Sakamoto, que es realmente hermosa y conmovedora (continúo en "spoiler").

Considero que "Romeo y Julieta" de Franco Zeffirelli es la mejor versión que se ha realizado de la obra de Shakespeare y, a la vez, la mejor película de éste director italiano (considerando que "Jesús de Nazaret" es en realidad una miniserie de tv).
En primer lugar, fue un acierto (y una polémica en su época) poner como protagonistas a dos actores adolescentes desconocidos, pero que se ajustaban a la edad de los personajes literarios; esto le dio mayor realismo y naturalidad a las interpretaciones. Leonard Whiting estuvo muy bien en su rol de Romeo: bello y apasionado; pero sin duda, la gran revelación fue Olivia Hussey con su arrebatadora belleza angelical y no por ello menos sexi. La escena donde ambos aparecen desnudos, resulta incluso hoy arriesgada (no hay que olvidar que eran menores de edad), pero Zeffirelli le da a la escena un aura de amor puro que quita todo morbo. El resto del elenco, en su mayoría actores británicos, también muy correctos en sus roles, destacando el actor que hace de Mercuccio, tal vez la mejor interpretación de la película.
En cuanto a la puesta en escena: grandiosa, es aquí donde Zeffirelli saca a relucir sus dotes de director de ópera: los suntuosos vestuarios y decorados se funden con el relato y no son un simple adorno; la fotografía de exteriores en Verona son de una belleza impagable.
En cuanto al estilo fílmico, aquí Zeffirelli mantiene el esteticismo de su maestro Visconti, pero con un estilo de cámara más cercano a Pasolini: con abundantes primeros planos, el uso del zoom y cámara en mano (cuando es necesario). Lo interesante del estilo de dirección de cámara de Zeffirelli, es que sigue cada gesto o expresión de los actores para amplificar la intensidad de los mismos y es así como logra crear la atmósfera de tensión trágica requerida.
Otro aspecto a destacar de la película, es la hermosa composición musical del maestro Nino Rota, realmente la pieza principal logra emocionar hasta las lágrimas.
Se podrían criticar ciertos excesos melodramático e histriónicos en las interpretaciones, cosa habitual en el cine de Zeffirelli, quién a veces olvida que no es lo mismo la interpretación en el teatro que frente a una cámara; pero son detalles dentro de los grandes méritos de la película.