Renovarse desde lo clásico. Esa parecer ser la premisa del director rumano Corneliu Porumboiu al filmar está intrigante película donde revitaliza el noir más clásico sin caer en la pesadez y el claroscuro constante.
Pero la renovación no se trata solamente de una actualización del género, sino que atañe al cine propio del director y por qué no, al producido en los países de Europa Oriental. Luego de la caída de la URSS ha sido díficil para el cine de aquellas latitudes huír de la carga emotiva, social y económica producida por las consecuencias de gobiernos totalitarios. Porumboiu y tantos otros han producido un buen número de films de calidad, pero siempre apuntando a exponer el sufrimiento social desde el lado más íntimo.
"La Gomera", por el contrario, se trata de un film que conjuga los elementos centrales del noir clásico. Mafias, policías corruptos, un botín suculento y por supuesto, una femme fatale irresistible como las de antaño.
El personaje principal sobre el que recaerá la historia será un policía corrupto llamado Crist, quien se verá enredado en la dificil misión de liberar de la carcel a uno de los criminales con los que suele colaborar. Esta línea argumental representará tan solo el puntapié de una historia que nos llevará a La Gomera (España, Islas Canarias) donde el protagonista tendrá que aprender a comunicarse con la mafia mediante un lenguaje de silbidos muy particular e indescifrable por la policía.
Este detalle tan pintoresco representa uno de los grandes aciertos de la película, ya que nos muestra la manera en que Porumboiu decide jugar con el género, descomprimiendo la tensión mediante situaciones hilarantes típicas del cine de Tarantino. El otro gran acierto será la elección de Catrinel Menghia en el rol de Gilda (guiño a la película de Rita Hayworth) quien encarnará a la esposa del líder mafioso y se posicionará como el principal deseo de nuestro protagonista.
Simple y compleja a la vez, 'La Gomera' es un ejercicio de cine refrescante que logra convertirse en una experiencia muy disfrutable.

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Con amplio reconocimiento en Festivales, esta película canadiense nos cuenta la historia de Katie, una joven de instituto que ha decidido simular un cáncer para obtener popularidad.

Directo al hueso, sin mediar, asistimos a un intenso thriller psicológico donde lo moral e inmoral se confunde a niveles increíbles. ¿Es Katie víctima o victimaria? nos preguntamos. ¿Hasta dónde puede llegar?. En tiempos de fake news, de donaciones a un solo click, de preocupaciones líquidas, y efímeras, esta película se vuelve tan incómoda como impactante. Cargada de complejidades, de relaciones y actitudes enfermizas, "White lie" pone a la mentira en el centro para interpelarnos socialmente.

Tensa y magnética a la vez, destaca la actuación de quien ocupa el rol de su novia y sobre todo la dirección de Lewis y Thomas, dos jóvenes de 35 años que le imponen una dinámica actual a estas problemáticas. Injustamente ausente en la premiación del BAFICI, este film canadiense fue la joya del Festival capitalino.

El cine de terror suele ser uno de los géneros malditos para la filmografía argentina, registrándose solo un modesto grupo de películas filmadas en toda la historia. Sostenido en los últimos años mayormente por producciones clase b, su vigencia ha permanecido más que nada alejada de los circuitos comerciales.
"Aterrados" (2017), "Muere, monstruo, muere" (2018) son algunas excepciones de los últimos años, a las que a partir de hoy se suma la ya galardonada en @mdqfilmfest , "Los que vuelven".
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Dirigida por Laura Casabé, nos traslada hacía principios del siglo XX a la imponente selva misionera. Allí, la ocupación del "hombre blanco" a costa de la sangre de los guaraníes parece haberse asentado y los conflictos parecen virar hacia lo agroeconomico. Sin embargo, los deseos de maternidad de Julia pondrán en jaque esta realidad, reavivando tensiones y cultos divinos muy peligrosos.
"Los que vuelven" logra sacarle provecho a una puesta en escena magnífica, configurando un escenario selvático completamente inmersivo. Cada vez que ingresamos a la selva la película logra sus mejores momentos y la dirección se luce.
Al retornar a la casa, sin embargo, el ritmo se aquieta demasiado, restando el interés de algunos pasajes de la historia. De todas formas, los elementos clave del film aparecen una y otra vez manteniendo el drama y la tensión. Como si estuviesen en sintonía con algo que caracteriza a la trama. Ese pasado que reclama lo que le pertenece y que no cesará hasta recuperarlo.
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El que busque una propuesta repleta de jump-scares y efectismo barato, seguramente se sentirá algo decepcionado. Este terror rural, dramático e intrigante es mucho más que eso. Ideas originales y frescas, que cada vez que aparecen, el cine nacional debería estar muy agradecido.

Cuando se reversionan películas tan relevantes para la historia del cine, se vuelve muy difícil evitar las comparaciones con la versión original. Más aún cuando la adaptación de la obra de Daphne du Maurier fue filmada nada más y nada menos que por Alfred Hitchcock. Pero a casi 80 años de aquella producción, había expectativa acerca de una actualización que pudiera acercar elementos nuevos. Lamentablemente, este nuevo acercamiento a la historia de Rebeca y los De Winter no es más que una sucesión de errores continuos durante casi 2 horas.
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Hay dos inconvenientes graves en esta nueva 'Rebeca' que prácticamente se palpan durante toda la película. El primero es una suerte de falta de sincronía entre los personajes y el devenir del guión. Por momentos parece como si cada uno de los protagonistas de la historia estuviesen diseñados para otra clase de argumento y no para el que son convocados. Como dos calles en paralelo que jamás alcanzan un punto en común. El segundo eje fallido tiene que ver con la amalgama de géneros utilizados en el desarrollo de la trama. No suele ser una tarea fácil lograr una configuración prolija entre géneros tan diversos como el romance, el suspenso, la comedia o incluso el terror. La dirección tiene que ser precisa y el guión debe acompañar los cambios paulatinamente. De más está decir que eso no sucede en la película de Ben Wheatley. Cuesta muchísimo entender lo que nos quieren decir en cada una de las escenas. La falta de correspondencia, por momentos, es total.
Quizás el mejor ejemplo sea lo sucedido en el reconocido "Baile de máscaras", la escena más esperada, y por supuesto, peor ejecutada de toda la película. Nada de lo que debería pasar allí para combustionar la historia termina de suceder y el lastre en el resto del metraje resulta terrible.
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No hay dudas que el riesgo que conlleva este tipo de aventuras suele ser gigante. Cierto rastro de audacia parece indiscutible. Pero más allá de la comparación con la obra de Hitchcock, esta nueva "Rebeca" no funciona. No funciona desde su propia singularidad.

Al calor del fenómeno Parasite, el cine coreano ha comenzado a encontrar hueco en las plataformas globales sin depender de sus directores famosos para alcanzar audiencias variadas. Ya no es necesario de un Kim Ki-Duk o de un Park Chan-Wook, ni mucho menos de Bong Joon-Ho, para que los espectadores se sientan confiados a la hora de visualizar las películas de este país asiático. @netflixlat lo sabe y empieza a aprovecharlo para enriquecer un catálogo cinematográfico que no pasa de la mediocridad.
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"El teléfono" es la ópera prima de Lee Choong Hyun, joven director, que elige contarnos la historia de dos mujeres que se conectan en temporalidades diferentes, a través del teléfono de la casa donde viven. Quien haga un poco de memoria podrá recordar un clásico como "Frequency" con Dennis Quaid y hallar unas cuantas similitudes en esta propuesta. Aquí la radio se sustituye por un teléfono y si bien las mujeres son desconocidas, el rol de la familia tiene un lugar preponderante. Por fuera de esta referencia, "El teléfono" consigue desarrollar de forma inteligente un relato de paradojas temporales, donde lo que en un comienzo parece algo lúdico, empieza a convertirse en un relato oscuro, trágico y de consecuencias espeluznantes.
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El inconveniente con el thriller y sobre todo con el que involucra viajes en el tiempo, es que llega un momento en el que la narración debe ir refinándose para establecer un cierre que concluya la historia. Los giros de guion son válidos, siempre y cuando no hieran la propia película ni en su verosimilitud ni en su desarrollo. Y es justamente en ese aspecto donde Lee Choong Hyun falla. Se enamora tanto de su obra que es como que no quisiese que termine. Continúa enviándonos información -incluso entre créditos- que no hace más que ir agriando una sensación que en el transcurso había sido placentera.
Error de principiante tal vez, excusable aunque no por ello menos criticable, termina transformando un producto sólido y entretenido en una película demasiado despareja.