*El mejor Nicolas Cage desde Adaptation

Todos conocemos los altibajos de la vida de Nicolas Cage. Su conversión a meme, su fandom irónico... todos nos entendemos. Sin embargo, en Dream Scenario el actor da vida a un anodino profesor universitario que sueña con escribir un libro. Cage clava su papel y da vida a un personaje perdedor, símbolo y metáfora del propio actor.

Han ido pasando los años y los proyectos de mala calidad en los que ha participado Nicolas Cage. Pero Dream Scenario ha conseguido devolver definitivamente a la palestra a un buen actor que se había transformado en parodia de si mismo. La actuación de Cage es sosegada, cumple con su papel y nos recuerda que es el mismo de Leaving Las Vegas (1995) y Adaptation (2002).

*Pesadillas contemporáneas

La productora A24 se ha convertido en el foco de atención para una gran parte del público. Su cine ha captado la atención de las generaciones jóvenes porque retrata los temores, anhelos y miedos contemporáneos en ocasiones con con capas de humor negro, ironía o posthumor.

Y Dream Scenario cumple todo lo anterior. Esta fantástica comedia negra disfruta con lo que cuenta y la propia película se gusta. Dream Scenario es una metáfora contemporánea acerca de la ya cuñadil cultura de la cancelación. A través de los sueños y lo que allí ocurre la gente percibe al protagonista tal como ocurre con las redes sociales. La realidad da igual porque lo que importa es lo que se aprecia subjetivamente.

*Noches en blanco

Dream Scenario es, ante todo, una película de A24 y la comedia oscura es bien visible en todo momento. Pese a que la metáfora funciona en todo momento, es cierto que hacía la segunda mitad pierde fuelle i el final, aunque remonta dando un giro de tuerca más a la cuestión de los sueños y el capitalismo salvaje, no consigue mantener el nivel.

La película presenta una serie de ideas bien trabajadas pero que no mantienen la fuerza inicial. A pesar de ello, Dream Scenario se disfruta y plantea ideas que no son especialmente brillantes, más bien un poco burdas por su poca sutileza, pero que impactan al espectador y provocan una reflexión posterior que vale la pena discutir.

*Conclusión

Dream Scenario es una joya en la que Nicolas Cage consigue brillar con luz propia. Esta comedia negra de A24 parte de una premisa interesante que no se mantiene a lo largo de toda la película. Aun así vale la pena disfrutar de Dream Scenario: para ver al mejor Cage desde Adaptation y luego discutir sobre las metáforas del film con amigos.

Escrito por Guillem Uceda i Oliver

*Trama y acción trepidantes

El argumento de Doctor Strange en el multiverso de la locura, no entraré en ningún detalle específico, pero puedo decir que se hace realmente entretenido. Aunque en algún que otro momento, me ha recordado al típico recurso de ir de un escenario a otro para que avance, sin justificar en demasía tanto movimiento. Pero siendo justos, me lo he pasado muy bien, y es lo que se le suele pedir a cintas de aventuras, acción y superhéroes.

Por mencionar aspectos concretos, la acción es una auténtica pasada. Con un uso magistral de efectos especiales; las coreografías acompañan a la maravilla, dejando momentos memorables.

Por haceros una idea, en cuanto a estilo y similitudes con respecto al mundo de Marvel, recuerda bastante a Loki, pero con elementos esotéricos que se introducen por primera vez con Sam Raimi.

*Un estilo visual sombrío y divergente

Hay una diferencia abismal entre la anterior entrega del superhéroe y esta nueva; en ese sentido la primera era mucho más brillante y deslumbrante. Todavía recordamos esa imaginación espacial para mostrar realidades paralelas con espejos, calles, edificios y habitaciones que se doblaban y retorcían; también esos viajes astrales de la mente y el alma.

Doctor Strange en el multiverso de la locura ha cogido un rumbo opuesto, no sorprende con estos efectos especiales tan particulares de la anterior, es bastante más oscura. Aunque he de reconocer, que si hace un gran uso de las localizaciones, espacios y lugares. Incluso sitios que ya habíamos visitado, ahora son mucho más tenebrosos como Kamar-Taj.

La banda sonora en manos de Danny Elfman es todo un acierto. Acompaña a la perfección tanto en las escenas de combate entre personajes, como en los instantes más tenebrosos y cercanos al terror, para aumentar esa sensación de pequeño desasosiego.

*El terror y Sam Raimi

Quizá no esté explotado a la perfección, pero los elementos de terror, brujería y espíritus tienen gran cabida en el argumento. No llega a dar miedo realmente, pero sí tiene elementos propios del género, con escenas que pueden llevar a algún sobresalto puntual.

Y para ello, Sam Raimi deja su impronta, y no solo hablo de un cameo muy particular (que lo hay). Se nota la mano del director en ciertas escenas, un uso creativo de nuevos elementos paranormales, fantásticos y embrujados.

Algo que me ha chocado y a la par agradado, es que es una cinta más violenta y explícita que casi cualquier otro producto de Marvel; abraza las muertes y los cadáveres de forma natural y extraña. Evidentemente al ser un producto de Marvel, no puede ser una experiencia desatada del director, pero se nota bastante su toque, más incluso de lo que podría haber anticipado.

El género de Doctor Strange en el multiverso de la locura se mueve entre el terror y la acción, sin embargo, tiene bastante más de lo segundo.

*Los superhéroes y quienes los interpretan

Benedict Cumberbatch vuelve a un papel que domina como anillo al dedo, como el que suele llevar para abrir y cerrar sus portales tan característicos. Le he encontrado bastante menos irónico de lo que acostumbraba, aunque todavía suelta algunas perlas; se nota cierta evolución en su personaje y una madurez propia de un héroe que es cada vez más poderoso y que tiene más responsabilidades y peso. Aunque posiblemente me gustara más antes, siendo más socarrón.

Elizabeth Olsen merece un capítulo aparte, está realmente magnífica interpretando a un personaje que se ha ido desarrollado enormemente en los diferentes productos de Marvel, sobre todo en la serie más cercana de Bruja Escarlata y Visión. Ese arco de personaje llega a su culmen en esta última entrega para deleitarnos y sorprendernos.

Rachel McAdams y el resto de secundarios escoltan a la perfección al protagonista. Hay apariciones de nuevos héroes muy celebrados, de las que no profundizaré porque no pierda ese factor de sorpresa tan recurrente en Marvel, pero que encandila a los seguidores. El universo de Marvel tiene mucho futuro, historias que contar y personajes que rescatar.

La introducción de nuevos superhéroes también es acertada, con América Chávez siendo tan protagonista como el propio Strange. Es un debut prometedor, me agrada el personaje, siendo una heroína inexperta pero de un inmenso potencial en cuanto a su poder y posibilidades; también me gusta la actriz, teniendo más peso del esperado y arropada de un experto Benedict Cumberbatch.

*Consideraciones para ver la película

Antes de ver Doctor Strange en el multiverso de la locura, recomiendo encarecidamente ver Bruja Escarlata y Visión, para entender mejor al personaje de Wanda y su evolución. Luego como secundario si os queréis enterar de todo al detalle, conviene ver la serie de ¿Qué pasaría si...? o por su título original, What If...? Y para ser más concretos, el primer y cuarto capítulo son los más relevantes en el devenir de los hechos.

Tras terminar Doctor Strange en el multiverso de la locura hay dos escenas post créditos, como suele acostumbrar Marvel; la primera es relevante para el futuro del personaje, la segunda funciona más como alivio cómico.

*Conclusión

Doctor Strange en el multiverso de la locura es un entretenimiento brutal, trepidante en su acción y con maravillosas escenas de lucha y efectos especiales imaginativos; genialmente asociados a su música. Los actores que vuelven a sus papeles están sensacionales, y los nuevos empiezan con pie firme.

El resultado final, más que una cinta de horror, es una aventura de demonios, brujas y hechizos, con el toque de Sam Raimi tanto en un estilo visual oscuro, como algunos nuevos elementos de la trama.

Escrito por José Luis Arribas Gala

*Inicio y ascenso

Con la primera escena en la que aparece Napoleón (Joaquin Phoenix), Ridley Scott consigue llevar a cabo una impecable presentación de un personaje sobre el cual se han escrito ríos de tinta. En ese sentido, la labor de Joaquin Phoenix en la interpretación es maravillosa. Asimismo, Vanessa Kirby en el papel de Josephine deslumbra y la química entre los dos actores es uno de los mejores puntos de Napoleón.

De hecho, lo mejor de Napoleón es la historia de amor entre el militar francés y Josephine, narrada sin complejos y con cierto toque digno de comedia romántica.

*La épica de las batallas

Mucho se puede decir acerca de la falta de fidelidad histórica de Napoleón. Algunas escenas no tienen nada que ver con la realidad. Así pues, Napoleón no estaba presente cuando decapitaron a Maria Antonieta ni disparó contra las pirámides de Egipto en la conocida como Batalla de las pirámides.

Pese a todo, el debate acerca de la fidelidad del arte con la realidad es un debate para otro momento. Pese a todo es un asunto interesante así que me gustaría poder reflexionar acerca de ello en otro artículo.

Volviendo a Napoleón y dejando a un lado la polémica acerca de la fidelidad histórica, las batallas se convierten en un escenario artístico inmejorable para el ojo de Ridley Scott, que disecciona la imagen para narrar visualmente de manera ejemplar.

*Una ambición desmedida

El gran fallo de Napoleón, igual que el personaje real, es su ambición desmedida. Ridley Scott diseña un maravilloso estudio de personaje que funciona de maravilla, con un reparto brillante y unas escenas bélicas que funcionan en todo momento. Sin embargo parece que no termina de encontrar el tono de la película en ningún momento.

A lo largo de sus poco más de dos horas y media, surcamos momentos que parecen salidos de una comedia, de un drama bélico, con saltos temporales que no terminan de funcionar del todo y que solo salva el hecho de conocer mínimamente la figura del militar francés que se convirtió en emperador y terminó exiliado (dos veces).

*Conclusión

Napoleón es una película sorprendente. Las geniales interpretaciones, junto con una ambientación deliciosa, una fotografía muy bien cuidada y unas batallas épicas que demuestran el talento de Ridley Scott con la cámara, son lo mejor de esta ambiciosa ficción histórica. Sin embargo, el conjunto desfallece en ocasiones y no termina de emocionar. Igual que el militar francés, Napoleón no termina de conquistar.

Escrito por Guillem Uceda i Oliver

*El mejor Bond

Cuando pasen los años y se mire hacía atrás se dirá con más soltura, pero un servidor ya piensa que Daniel Craig ha sido el agente 007 definitivo. Cinco películas y quince años a la espalda han valido para construir un James Bond que pasará a la historia, si no lo ha hecho ya.

En Sin tiempo para morir vemos a un Bond más humano que nunca, que cierra una historia que va más allá de un agente del MI6 que dispara a los malos. Este Bond ha dejado de lado su vida como espía. Hay vida más allá de la licencia para matar. Se ha convertido en una persona real que quiere vivir dejando de lado sus fantasmas y trabajo.

Además, el 007 que vemos en esta entrega es seguramente el que cuente con un mayor componente emocional. Se nota desde el primer momento que estamos ante el fin de una era. La de uno de los grandes personajes de la historia del cine. Y desde luego que Sin tiempo para morir cumple con su cometido de cerrarla a la altura.

*El 007 más romántico

De las cinco entregas que forman la saga de Daniel Craig, Sin tiempo para morir se alza como la más romántica de las cinco. Incluso por encima de la magnífica Casino Royale, donde James Bond queda marcado para siempre debido a la aparición en su vida de Vesper (Eva Green).

En Spectre dejamos a Bond junto a la doctora Madeleine Swann, donde comenzaron una relación amorosa. En esta nueva entrega la pareja formada por unos espléndidos Daniel Craig y Lea Seydoux se comen la pantalla. Será una de los romances más recordados de la saga del agente 007. Tanto por sus actores, como por los giros y secretos que esconde la relación.

Esta relación, además de los años en el papel de Craig como Bond, hacen que el cierre de la película sea aún más emotivo y deje huella tras el fundido a negro.

*Aprendiendo de los errores

Si bien Casino Royale y Skyfall habían dejado el listón muy alto, la última entrega de la saga, Spectre, resultó decepcionante en varios sentidos. De hecho, la relación de Bond y Madeleine no me convenció del todo en la cinta dirigida por Sam Mendes. Tampoco lo hizo su villano principal, interpretado por Cristoph Waltz.

Sin embargo, en Sin tiempo para morir se solucionan estos errores. La relación amorosa es mucho más creíble, la breve aparición de Waltz es mejor que todas sus escenas en Spectre y definitivamente se cierra la trama que comenzó en Casino Royale.

Aun así, la película es imperfecta. Era de esperar que en su extenso metraje hubiera momentos que podrían haberse hecho más cortos. En todo caso, las épicas escenas de acción filmadas por Fukunaga, con algún plano secuencia por ahí, siempre son efectivas y nos mantienen dentro de la historia en todo momento.

Seguramente la parte que se llevará más críticas sea la correspondiente al villano interpretado por Rami Malek. Es cierto que no está a la altura de los papeles de anteriores antagonistas como Javier Bardem o Mads Mikkelsen. Tampoco resulta la mayor amenaza a la que se ha enfrentado James Bond. Aun así, la cinta nos deja una gran escena entre villano y héroe en el clímax.

*Conclusión

La era de Daniel Craig como el espía más célebre de la historia del cine acaba por todo lo alto. Sin tiempo para morir (No Time to Die) es una despedida a la altura del James Bond más humano, romántico y épico que se ha enfundado el traje de 007.

Y aunque la película dirigida por Cary Joji Fukunaga puede resultar demasiado larga para algunos y haya algunas flaquezas en el villano, la película lo compensa con todos sus aciertos. Al final, cuando se mire hacía atrás se recordará a esta película como el gran final del Bond de Craig, el James Bond definitivo.

Escrito por Víctor Pérez Cañete

*Por ellas

Neus Català (1915-2019) dedicó la mayor parte de su vida a la lucha por la memoria histórica. Y la reivindicación de la memoria es, precisamente, la esencia de la ópera prima de Miquel Romans. Cenizas en el cielo nos obliga, durante sus 100 minutos de metraje, a mirarnos larga y concienzudamente en el espejo. Se trata de un homenaje sentido no sólo a Català, sino también a todas las mujeres invisibilizadas que lucharon por los mismos objetivos.

*La comunidad como refugio

Cenizas en el cielo está menos interesada en exhibir los horrores de Holleischen, y más en mostrar la comunión forjada entre las prisioneras. Asimismo, el film de Romans evidencia el contraste entre la conexión que se establece entre individuos sometidos a situaciones extremas, y el inevitable choque emocional entre sendos individuos y aquellos que no las han sufrido. “De hecho, la vemos sonreír menos cuando vuelve a casa,” apunta Nausicaa Bonnín.

*Bonnín (con)vence

Nausicaa Bonnín resuelve esta tarea hercúlea con solvencia. Ya sea con rostro impenetrable frente a sus carceleros, firme, organizando el sabotaje en la fábrica de armamento, o finalmente vulnerable en el momento de la liberación, la Neus Català de Bonnín cumple todas las expectativas. Le acompaña un elenco de nivel, que cuenta con caras conocidas por el seguidor de las series más populares de la televisión pública catalana (que coproduce el film). Entre ellos, Rachel Lascar, Roger Batalla, Iria del Rio, Natalia Barrientos, Paula Vélez o Laura Conejero.

*Conclusión

La figura de Neus Català se erige como ejemplo de compromiso con la lucha antifascista y referente imprescindible. Cuatro años después de su muerte a los 103 años de edad, Cenizas en el cielo sirve como un potente vehículo para mantener vivo su legado y, a la vez, para transmitirlo a las generaciones más jóvenes.

Escrito por Laura Sala