June, una adolescente que solo tiene a su madre, intenta descubrir por qué ésta no vuelve a casa tras un viaje con su pareja. A pesar de no poder trasladarse hasta el supuesto lugar de la desaparición, logra, mediante todos los dispositivos que tiene a su alcance, ir encajando las piezas del puzle.

La película, que ya tuvo una entrega en 2018 llamada Searching, narra una historia totalmente diferente a la anterior. Aunque conserva la misma tendencia de provocar una inmersión digital en el espectador. Es decir, sucede enteramente a través de las webcams, cámaras de seguridad y otros dispositivos con imagen a los que nos va conectando y desconectando durante el transcurso de la trama. Este recurso hace sentir a la audiencia integrada en las pistas que va encontrando la protagonista. De igual modo, esta elección puede hacer que cierto público más veterano, rechace el formato debido a la gran cantidad de datos, conversaciones y elementos visuales que encontramos en pantalla, ya que, si no se siguen bien, se puede perder el hilo del relato.

Además, la cinta genera cierto conflicto que no acaba de ser realista. ¿Cómo es posible que una adolescente, mediante su ordenador y un desconocido, logre recabar más información que las propias autoridades que están buscando a su madre? Es sobrecogedor pensar que hoy en día se pueda encontrar cualquier dato sobre una persona en Internet. Y, sin embargo, uno se da cuenta de que la información personal está cada vez más desprotegida en la red.

Por otro lado, la crónica crea unas expectativas iniciales y plantea unos giros narrativos efectivos que poco a poco se van deteriorando. Intenta mezclar varios conceptos que no resultan innovadores y acaban dejando un final previsible a la vez que malamente rebuscado.

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Una herencia de muerte funciona como comedia, no de la forma más eficaz, pero funciona. Los mejores chascarrillos que ofrece la obra de Dean Craig son los chistes fáciles, que parecen estancados en la década anterior, y las situaciones extremadamente forzadas e incómodas que viven los propios actores.

El elenco protagonista, aunque tampoco es que haya una gran cantidad de roles, hace lo que puede con lo que tiene. La temática no es la más original, pero daba pie a hacer una comedia en condiciones donde el humor intrafamiliar y las típicas broncas entre parientes están más que presentes. Aunque ambas premisas se cumplen, no se desarrollan de la manera esperada. Los gags entre Richard y Macey se centran en propuestas incestuosas del primero, que se supone que deben ser graciosas, pero que quedan muy fuera de lugar. Los personajes son bastante planos a la vez que arquetípicos, incluso se puede llegar a pensar que Anna Faris no está interpretando ningún papel, sino que es ella misma. Por otra parte, puede chocar un poco ver a Toni Colette en un papel que deja tanto que desear, después de haber visto sus actuaciones anteriores.

Y aun con todos estos aspectos negativos, Una herencia de muerte es ligera, sencilla y entretenida. Cumple con su función distrayendo al espectador sin argumentos complejos, acercándolo más a un estilo similar a las sitcoms que puede ver uno a la hora de merendar.

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Carla es una adolescente de 14 años en riesgo de exclusión social, hija de una madre soltera con debilidad por el alcohol, con la cual tiene una relación complicada. La asistenta social de la familia descubre que Carla está embarazada de 5 meses y la envía a un centro de acogida para jóvenes como ella. Allí es acompañada durante el embarazo, el parto y los primeros meses del bebé. A este dificilísimo reto se suma la necesidad de aprender a convivir con sus compañeras y de sanar, poco a poco, la relación con su madre.

Tras obtener cuatro Goya por Las niñas el año pasado, Pilar Palomero regresa con una crónica dura en la que no faltan momentos de luz. Están, por supuesto, las noches sin dormir a causa de los llantos, la inestabilidad emocional de las jóvenes madres y las dificultades económicas. Pero también está la camaradería entre las chicas –que acaban siendo hermanas, más que compañeras–, el vínculo de amor irrompible entre bebés y madres, y la figura luminosa de los trabajadores sociales que, con su justa y difícil mezcla de cariño y exigencia, se alzan como los verdaderos héroes de la cinta.

La maternal nos hace pensar en la paradoja que supone hacerse cargo de un niño cuando aún se es una niña. Esto se manifiesta de forma especial en algunas secuencias, como la del viernes noche en el que Carla, deseosa de salir a divertirse, no entiende por qué debe quedarse en casa cuidando de su bebé con fiebre. La película nos deja también el temor de “si la historia se repetirá”, o bien Carla –hija y nieta de madres solteras– conseguirá romper el círculo vicioso de la precariedad laboral y las relaciones tóxicas en el seno de la familia.

Los personajes derrochan naturalidad, algo esperable en las madres de la casa de acogida (que, de hecho, no son actrices profesionales) pero que en el caso de la joven Carla Quílez, la protagonista, resulta encantador y desgarrador al mismo tiempo. A esto contribuye también el lenguaje vulgar –en consonancia con el marco del relato– y una tensión que se construye a base de diálogos (algunos duros sobre abusos), sin más música que el reggaeton que a Carla le apasiona bailar y que utiliza para evadirse.

En definitiva, es un film de luces y sombras que hace reflexionar al espectador sobre dos temas en los que quizá no se detiene a menudo: la maternidad adolescente y las familias que viven en el umbral de la pobreza.

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Como si fuera una obra de teatro, Toscana se desarrolla en un único escenario, durante un metraje comedido. Ahí se cruzan las vidas de varias personas –algunas de las cuales han llegado por casualidad– y Pau Durà se encarga de enredarlas de manera eficaz para provocar la risa del público.

La comedia es sencilla y tiene algún diálogo vulgar y sexual, pero, en general, se abstiene de bromas ofensivas, propagandas de ningún tipo y conversaciones desagradables. En medio de los disparates que se suceden, el director aprovecha para hablar de las crisis adultas, ya sean laborales, de pareja o con los hijos.

El guion es ingenioso y sus personajes están construidos de manera que cada espectador pueda identificarse con alguna faceta. Además, el film cumple su único objetivo de provocar una sonrisa.

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Bernard Campan dirige junto a Alexandre Jollien una emotiva y vitalista película que amplía los horizontes del espectador y le aporta una nueva mirada hacia la discapacidad. Con mucho ingenio y delicadeza, el director crea dos personajes que se ven abocados a múltiples situaciones disparatadas y divertidas (quizá también previsibles) de las que se desprenden grandes reflexiones.

Louis es el director de una funeraria y vive prácticamente para el trabajo. En cambio, Igor, quien tiene parálisis cerebral, es repartidor de fruta y en sus ratos libres lee a conocidos filósofos. Estas dos personalidades tan distintas se unen gracias a un desafortunado –o afortunado– accidente y emprenden un viaje en coche.

Así, el film pronto se convierte en una road movie llena de sentido del humor, que es también un elogio a la vida y a la amistad. Además, sus protagonistas están bien definidos y los actores los interpretan con una naturalidad asombrosa que transmite verosimilitud, de manera que es fácil conectar con su mensaje.

Por otro lado, contiene diálogos consistentes y no moralinas básicas, y sus bromas son finas, siempre desde el respeto. De este modo, la historia –cuyo tono es optimista en casi todo momento– construye poco a poco una amistad poderosa, de esas que surgen donde uno menos espera y que ayudan a destruir los prejuicios y querer evitarlos.

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