Construir en silencio

“Soy un tipo duro” o “No hablo mucho” son frases que suelen acompañar a personajes estereotipados en cintas que carecen de profundización en el guión, la falta de ideas para presentar a los protagonistas a través de situaciones que involucren lenguaje en su forma no verbal, desata una disposición de la cinta a la obviedad absurda. Sería lindo que todo director/guionista decida intervenir en obras como la que hoy nos compete, un referente en la construcción de una persona y cómo describirla desde el lenguaje cinematográfico.

París, Texas cuenta una historia por demás curiosa, donde la conexión que establece público y protagonista es fundamental para aspirar a qué el siguiente fotograma sea cuestión de interés. El vínculo se logra haciendo al público adoptar una posición de oyente silencioso ante un protagonista que no habla, la paradoja está ahí, pero el cine y su magia generan el anhelado efecto de atención. Wenders sabía exactamente lo que hacía cuando dejaba entrever un poco más de Travis en la pantalla, siempre lo suficiente para que siguiéramos prestando atención a sus movimientos y actos.

Paris, Texas y el camino

La reconciliación y el perdón se han escapado a Travis, huyendo –literalmente- de la confrontación con su sombra y situándose en la comodidad de esperar respuestas del camino, mientras se niega a prestar su voz, por miedo a influir negativamente en este proceso de aceptación y posterior redención, que él supone debe alcanzarse a través de la penitencia y deambular hacia un horizonte que no muestra señal alguna.

Conforme avanza la trama, el espectador irá desvelando una serie de sucesos que parten en una ambigüedad severa la mirada hacia Travis e incluso hacia la misma Paris, Texas. Hablamos de una suerte de caso de Dr. Jekyll y Mr. Hide, pero en un tiempo pretérito que, sin embargo, sigue sistematizando y ordenando los comportamientos de los personajes a través del trauma y la cicatriz emocional.

Esta revelación no puntual (es salgo que se va cociendo, no que llega hecho) toma también al protagonista de la película para obligarlo a un cambio; tenemos un nuevo motor para continuar con París, Texas y el protagonista ha cambiado sus botas para apuntar en dirección a la búsqueda de un medio a través del camino. Travis ya no es más una piedra llevada por la corriente de un turbulento río de una claridad inexistente, ha evolucionado y busca algo en el horizonte: su pasado y un reencuentro.

No es una escena, es la escena

Si hay algo que cambiaría, sería jamás haber visto la más famosa de todas las escenas de Paris, Texas, así el impacto de un momento tan dramático, estilizado y excelentemente ejecutado habría podido ser muchísimo mayor. Sin embargo, me acerqué a la cinta de Wenders con una imagen preconcebida, la escena ya estaba en mi mente, mis ojos la deseaban y logró conmover, romper y reubicar muchos conceptos que había creado con respecto a la cinta.

Una escena organizada para que cada plano cuente la nueva relación planteada, con cada color examinando a sus protagonistas y cada reflejo bloqueando una comunicación anhelada, pero desprovista de presente, angustiosamente fundamentada en un pasado nada brillante que termina por apagar las luces de una habitación que es testigo de la confesión más terrible.

Conclusión

Paris, Texas es una película absolutamente obligatoria en el camino cinéfilo de toda persona, e incluso en el camino general de vida de todas las personas, ya que es un relato que sin complejizarse demasiado, cuenta una historia cifrada a través de la quietud y el silencio de su protagonista. La escena por el final de la película marcó su nombre en la historia del séptimo arte y poco más se puede decir de una de las grandes obras de Wim Wenders.

Escrito por Andrés Tejada
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¿Qué es Love death & Robots?

En total, esta “primera temporada” consta de 18 historias que, a modo de cortometrajes animados, nos cuentan fantasías futuristas, políticas, filosóficas y, sobre todo, de amor y muerte, en unos 5-15 minutos de duración.

Cada capítulo tiene una estética y animación diferente pero que en conjunto consiguen un estilo único. En ella encontrarás animación clásica en 2D, el fotorealismo del CGI, otras del estilo Disney o Pixar e incluso alguna hay con un tono de cómic viviente.

Pero que no te engañe el término “animación”, pues ante todo es una serie para adultos, llena de sexo, violencia e imágenes desagradables.

Diferentes relatos, misma temática

Love death & Robots destaca por la gran variedad de relatos que van desde la magia y los espíritus, pasando por estaciones espaciales y monstruos, hasta historias bélicas o absurdas (en una de ellas un yogur inteligente conquista a los humanos).

Pero lo que hace especial a esta serie es lo que une a cada capítulo a pesar de no compartir una misma trama. Como su propio nombre indica, el nexo de unión es que todas son historias futuristas, de amor y de muerte, muy ligadas a la tecnología y su efecto en los humanos. Es decir, una especie de Black Mirror en animación.

Además, otro de sus puntos fuertes es la amplia sensación de emociones que te transmite. Hay capítulos que te harán reflexionar, otros te divertirán y otros (para los sensibles como yo) que te resultarán excesivamente gores.

Los mejores

Todas las historias que nos trae esta curiosa serie son dignas de ver, pero como en todo, hay algunas que destacan más que otras.

Capítulos como Noche de criaturas marinas o la Edad de hielo te dejan francamente indiferente en cuanto a guion, todo queda en una mera anécdota. Sin embargo, algunos relatos son sencillamente perfectos, ya sea por su guion o por su animación.

La testigo, el capítulo que más en común tiene con la aclamada Black Mirror. Una animación realista en la que una bailarina exótica se ve envuelta en un asesinato encerrándola en un bucle infinito.

Tres Robots, posiblemente el capítulo más divertido, basado en la historia de tres pequeños robots que deambulan por un mundo post-apocalíptico.

Devorador de almas, un relato que nos recuerda a La Momia, lleno de acción, sangre y toques de humor. Destaca un momento humorístico en particular que me recordó mucho a Nick Fury y Goosse en la reciente Capitana Marvel.

Yogur al poder, uno de los relatos más absurdos. En él vemos como un yogur inteligente acaba gobernando el mundo dada la inutilidad del presidente para hacerlo.

Más allá de Aquila, resalta por el realismo de su animación. Una historia misteriosa que se desarrolla en el espacio y cuyo guion te va desvelando poco a poco qué está pasando.

Buena Caza, con una bellísima animación que bien nos recuerda a Mulan. Un relato donde la magia y el amor tienen el protagonismo, sin renunciar a un claro mensaje social.

Conclusión

Sin duda, esta propuesta supone una forma diferente de presentar una serie que ya inauguró Black Mirror y que enamora a aquellos que no tienen demasiado tiempo para seguir largas tramas.

Lo mejor, las animaciones de todas y cada una de sus historias. La amplia variedad de formatos que nos presentan y que tal vez hagan cambiar de opinión a aquellos que nunca verían series animadas pues, ante todo, nos presentan historias adultas para todos los gustos.

Escrito por Estefanía Cifuentes
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Puntuación: 6,5

Dentro del Círculo

Me gustaría empezar solo con un apunte que pienso es importante, dentro del grupo nos encontramos con dos personas quizás más vulnerables que las demás; Una niña y una mujer en avanzado estado de gestación.

Tras la muerte de varias personas y casi por casualidad, se dan cuenta de que ellos mismos tienen en sus manos votar quién muere. Cuando nadie vota, alguien es seleccionado aleatoriamente. Y solo tienen dos minutos entre muerte y muerte. Pueden cerrar la mano e indicar a la persona que quieren eliminar del “juego mortal”.

En el fondo y como no podía ser de otra manera subyace el tema de la abducción, los alienígenas, experimentos extraterrestres, etc. También podría haber sido una nueva edición de Gran Hermano porque como anda Telecinco y el amigo Vasile ya todo es posible, pero bueno, no es el caso. Y aquí llega la madre del cordero, tan duro o más que la vida misma, ¿Cúal será el criterio de selección?

Las selecciones

Cada vez que alguien habla es un arma de doble filo, te puede salvar o te puede condenar, te puede ayudar o volverse totalmente en tu contra, alea jacta est.

Evidentemente os voy a comentar los temas que salen a colación en la famosa cámara de la muerte pero nunca el resultado al que lleva tal o cual opinión, así os obligo a visionar Círculo y deducir por vosotros mismos.

Un universitario sugiere votar a los ancianos porque son a los que menos vida le queda pero, ¿a partir de qué edad consideramos el concepto anciano? Una mujer de mediana edad se presenta como una superviviente de un cáncer de mama, lo que lleva a algunos a determinar que va a morir en poco tiempo y hay que elegirla.

Círculo

Hay también un matrimonio, un policía que identifica a un maltratador que asesinó a su mujer, un par de personas que quizás se conozcan un poco más de la cuenta… Tras unas primera eliminaciones llega ¿cómo no? la acusación de un afroamericano de una votación racista pero cuando el policía habla de manera racista…

Alguien vota por la mujer embarazada y la gente reacciona, varios se ofrecen para morir, un ateísta es salvado en el último momento pero cuando acusa a una atractiva joven de ser una actriz porno ¿?, para colmo una lesbiana se convierte en el blanco de un homófobo pero… Siguen las eliminaciones y surgen dos bandos; los que quieren proteger a la mujer embarazada y a la niña, y un banquero rico que sostiene que todos deben ser tratados por el mismo rasero.

Un hombre mutilado, un militar y Eric (querido Eric), que también fueron cuestionados por su invalidez, su profesión y su … argumentan que deben sacrificarse para salvar a la niña y a la mujer embarazada pero un azar del destino en un matrimonio sobre el que surgen dudas vuelve a igualar los bandos.

Finalmente solo quedaran cuatro; un hombre apagado que nunca ha votado y ha logrado llegar hasta ahí, un elemento del grupo defensor de la niña y la mujer embarazada y las mismas. Y hasta aquí puedo leer, les aseguro que el final de la votación es de traca, del otro final del que hablaré en el spoiler tengo mis dudas y les deseo que disfruten del espectáculo.

Conclusión

Círculo, no confundir con The Circle (2017) protagonizada por Tom Hanks, es una interesante cinta que comparada con las dos/tres obras maestras citadas y alguna más bien es verdad que se podría venir abajo casi irremisiblemente, pero viéndola desde cero, sin comparaciones ni prejuicios se puede disfrutar y bastante de ella.

87 minutos (85+2 mejor) en el que no se deja títere con cabeza y en los cuales se tocan en el espacio ínfimo de dos minutos casi todos los temas fundamentales que asolan a la sociedad.

Los ancianos (la vejez), la enfermedad (el cáncer), la violencia machista, el racismo, la religión, el ateísmo, la homofobia (la lesbiana), los mutilados, la invalidez, el derecho a ser madre sin pareja, la lapidación (actriz porno), y hasta un banquero rico cuya causa para salvarse es que gracias a que él presta el dinero la gente puede vivir ¿ Y porqué no ?, todo con tal de salvarnos.

Quizás por ello, por tratar tantos temas (ojo, aun excelentemente cortos), no se empatiza con nadie, yo diría que ni incluso con la mujer embarazada, salvo el tema de la niña por razones obvias.

Esto produce que sinceramente al espectador le de igual que le de lo mismo si muere el número uno o el número 49, aunque a lo largo de Círculo bien es verdad que antes las reacciones que va encontrando en uno u otro personaje no le quede más remedio que ir tomando un pequeño partido que sabe que posiblemente no durará más de dos minutos.

En fin, espero que la visionen, para los Netflixnianos es gratis y corta (si os tragáis las series de 24 capítulos en un par de días esto es solo un pequeño aperitivo) y para los que no disponen de Netflix, si queda ya alguien en el planeta, a esperar amigos, a esperar.

Escrito por Miguel Ángel Santos Isidoro
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Hasta el encuentro con Rita

Secuestrada es cualquier cosa salvo una película tramposa, desde el minuto uno sabemos perfectamente que el psicópata secuestrador e ignoramos si algo más, es un profesor de química Barney (Jeff Bridges), típico padre de la familia perfecta.

Mientras rehabilita su antigua cabaña, se entiende que para sus menesteres, donante de torpeza, entrena una y otra vez la manera de llevar a cabo su presunta fechoría. Y la lleva, en la piel de la inocente Diana (bellísima la Bullock en su breve pero intenso debut para el cine).

Jeff, tres años buscando como un poseso, arruinado y con pinta de haber salido de un botellón, sigue de bar en bar poniendo carteles, incluso en televisiones locales con el único objetivo de averiguar el paradero de Diana.

Incluso el profesor psicópata admira la perseverancia de Jeff, sobre todo después de tres largos años, y entiende que ya Jeff ni siquiera busca a Diana por ¿ cuestiones sentimentales ? sino por el mero alivio vital que significaría para él saber si ella está viva, muerta o ha rehecho su vida en otro lugar.

Pues bien amigos, en esta búsqueda sin retorno, conoce a Rita (Nancy Travis), una camarera que le ofrece ayuda y que se convierte de posada de paso a residencia habitual. Comienzan una relación en casa de él, recibe el encargo de una novela, parece estar enamorado de Rita y la búsqueda de Diana parece pasar a un tercer o cuarto plano con el único objeto de seguir viviendo, de seguir respirando.

Barney, el profesor chiflado

Todo parece mejorar en la vida de Jeff, que algunos fines de semana asiste a una reunión de reservistas del ejército dejando sola a Rita. Pero y si Jeff siguiera llevando una doble vida, no fuese a ninguna reunión sino a seguir buscando a Diana, siguiera enamorado de ella e incluso el libro de encargo que está escribiendo no es sino su propia historia de búsqueda sin descanso, y si además Rita lo descubriese y lo abandonara.

Pues en este punto interviene el bueno de Barney, y tras contactar con Jeff y recibir una buena paliza del mismo, le ofrece como única posibilidad para saber lo que le ocurrió a Diana seguir el mismo proceso que ella, drogándose a través de una taza de café.

Y Jeff, evidentemente, acepta el reto………………..y hasta aquí puedo leer. Eso sí, hoy habrá spoiler pero más breve que el vocabulario del Correcaminos.

The bad teacher

Jeff Bridges (el profesor psicópata), ¿Y qué os digo?

Nominado varias veces al Óscar y ganador del mismo por Corazón Rebelde (2009), para muchos será siempre El Nota y para mí el profesor (qué casualidad) que enamora a La Streisand en la impecable El amor tiene dos caras (1996).

En fin, repasar su filmografía no me parece serio, en Secuestrada literalmente se come la pantalla, con ese aire de Bridges imposible de subsanar ni falta que hace; descuidado, bohemio, despistado, incluso torpe pero a eso hay que añadirle el de uno de los mayores cabestros de la historia del cine de secuestros y cia.

Sabemos que es un psicópata secuestrador desde el primer minuto pero no sabemos si es un violador, un asesino en serie, o incluso un caníbal y él por supuesto con su interpretación ayuda a eso (¿incluso un inocente aficionado sin más motivación que un pasado confuso en su mente?). ¿Y si secuestra y libera a la victima en una galaxia no muy lejana?

Kiefer and Nancy (Bullock)

Kiefer Sutherland (¿les suena el apellido?), Jack Bauer para la mayoría, conocido mundialmente por 24 (2001-2010), pero con joyas como Jóvenes ocultos (1987), Algunos hombres buenos (1992) , Tiempo de matar (1996) u Ojo por ojo (1996).

Muy bien el inglés en su papel de perseverante buscador, esta vez no hace de malo sino de incauto y perfectamente complementado por La Bullock (lo bueno si breve, dos veces bueno) en su debut y por Nancy Travis como Rita (la camarera enamorada).

De La Bullock para el que tenga dudas que visione Un sueño imposible (2009) Óscar incluido (y ya en otra crítica hablaremos ampliamente sobre ella y la animadversión de los críticos antes sus jugosas taquillas haga lo que haga; comedía, acción, drama o Crash (2004)).

De Nancy, en un papel delicado como segunda de a bordo y como pieza clave de la cinta, solo decir que está correctísimamente correcta, lástima que se decantara por el mundo televisivo con obras como esta o las anteriores Tres hombres y un bebé (1985) o Asuntos internos (1985) junto a Richard Gere.

El holandés errante
George Sluizer, el director, holandés, fallecido en 2014.

Lo lamento pero no tengo referencias conocidas salvo el original y su remake de la cinta comentada. Solo puedo decir que dirige este remake con pulso firme pasando casi de puntillas de la intriga y la curiosidad a una angustia irrefrenable con un final totalmente inesperado (por lo macabro o por lo insólito) que ya ustedes definirán.

Conclusión

Les aconsejo que vean Secuestrada, es un buen thriller, aunque pueda parecer lineal no lo es en absoluto, aunque desde el primer minuto sepamos la identidad del secuestrador no le quita ni un ápice de intriga, es más en este caso suma.

Pocos personajes pero muy bien trabajados incluso los muy secundarios como el de la hija y la esposa del profesor, todos aportan su granito de arena a la eficacia de la cinta.

El angustioso final de la cinta, rememorado años después con mucho más detenimiento por un famoso cineasta español, no defraudará a nadie, el porqué quizás sí.

Escrito por Miguel Ángel Santos Isidoro
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Una ‘rara avis’ entre españoladas

El cine español no es muy dado a producir películas de culto, pero si hay que confeccionar una lista, no podría faltar Amanece que no es poco (1989). Esta comedia absurda de José Luis Cuerda fue acogida en su momento con frialdad, al nacer en el seno de una industria que tenía a las películas de Esteso y Pajares como su máximo exponente humorístico, pero con el paso de los años fue ganando más y más apasionados adeptos que la han reivindicado como lo que es: una de las mejores y más lúcidas comedias de la cinematografía patria. Casi 30 años después de su estreno, llega Tiempo después, una especie de secuela en la que Cuerda pretende recuperar el espíritu surrealista, crítico y absurdo de aquel film.

Limón y circo

Lejos queda aquel pueblecito de las montañas cuyos habitantes sentían auténtica devoción por Faulker, pues nos encontramos en un distante futuro en el que toda la civilización se encuentra concentrada en un lujoso y aséptico rascacielos. Se trata de una distopía similar a la mostrada en High-Rise (2015), pero a diferencia de ésta, los pobres/parados ni siquiera habitan en las plantas más bajas, sino en un asentamiento de chabolas a las afueras. Todo sigue el curso prestablecido hasta que uno de los pobres se presenta en la recepción del edificio para intentar ganar algo de dinero vendiendo limonada, algo a lo que se oponen firmemente el rey, el alcalde, la guardia civil mundial y la iglesia, al no querer que el parado se “desnaturalice”.

Arranca así la sátira con la que Cuerda se ríe por no llorar de la lucha de clases, la coexistencia de las instituciones españolas más poderosas y de la historia del propio país, fundamentada en una lucha constante entre dos bandos.

Un sindiós sin chispa

Los principales ingredientes de Amanece, que no es poco siguen formando parte de la ecuación: reparto coral, subtramas ridículas, diálogos engolados, costumbrismo surrealista… Sin embargo, hay algo por lo que no termina de funcionar. Quizás sea un elenco al que le falta espontaneidad y naturalidad, pese a contar con comediantes de largo recorrido entre sus filas, o puede que se trate de la ausencia de un repertorio de citas tan célebres y memorables como su precedente. O simple y llanamente, lo que ocurre es que Amanece, que no es poco fue un pequeño milagro incapaz de reproducirse, pero lo que está claro es que Tiempo después carece de la chispa alucinógena de aquella, y en consecuencia, no es tan brillante ni divertida.

Conclusiones

Puede que Tiempo después envejezca bien, y nos encontramos ante una futura obra de culto, pues en absoluto resulta desdeñable. Pero si eso llega a ocurrir no será por la ejecución de unos chistes que no siempre logran despegar, ni por el carisma renqueante de su pareja protagonista (Roberto Álamo y Blanca Suárez), sino por la forma tan caricaturesca como acertada en la que José Luis Cuerda retrata el modus operandi de la clase política, social y religiosa de España, dentro de una parábola futurista que se aplica a la España de ayer, de hoy y, horror, de mañana, si no espabilamos de una vez por todas.

Escrito por Jorge Blanch
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