Desde su primer fotograma te das cuenta de que "Gravity" son palabras mayores. Se podría afirmar que esta última película de Cuaron es de las mejores películas realizadas en este Siglo XXI. Y no estoy exagerando. Técnicamente es IMPRESIONANTE. Sí, con mayúsculas. El despliegue de efectos especiales, sonido, etc... quita el hipo... y que decir del 3D, que junto a "Avatar", y si me apuras, también podría citar "La Vida de Pi", es la mejor filmada en esa tecnología; potenciando aun más, si cabe, la experiencia del espectador al visionarla. Porque Gravity es, sin lugar a dudas, toda una experiencia sensorial para el espectador. Un viaje a través del espacio, en la inmensa nada, con ese peligro constante y desconocido, por la supervivencia de los personajes y superación de sus traumas... y hasta aquí puedo llegar, sin destripar nada de este pedazo de obra maestra, por si el que está leyendo no la ha podido ver todavía.

Al verla tienes la sensación de que el director mexicano ha subido a la estación espacial, ataviado con su traje y cámara en mano, para rodar semejante película. El nivel de realismo es abismal. Viéndola he podido comprobar de primera mano lo mismo que debe haber sentido James Cameron cuando la vio, quedándome atónito y sin palabras también.

A nivel interpretativo, Sandra Bullock está titánica. Su desgaste tanto físico como emocional es brutal. Es un personaje que le hace estar expuesta prácticamente en todo momento. Posiblemente esta sea la mejor interpretación de su carrera. En menor medida podemos destacar la labor de Clooney, contrapunto perfecto para el personaje de Bullock y que le da empaque al filme.

En definitiva, "Gravity" es una apabullante y espectacular obra maestra, la mejor realizada por su director, que supera con creces a su anterior película, la notable "Hijos de los Hombres" (2006). Sin lugar a dudas, es una de las películas del año, y de las mejores de la historia en el género de la ciencia ficción. Dentro de quince o veinte años, será todo un clásico referente en su género, junto a otras tantas como "2001 Una odisea en el espacio", "Alien, el octavo pasajero", "Blade Runner", etc... tiempo al tiempo.

Imprescindible verla en pantalla grande, y muy recomendable disfrutarla en 3D.

De acuerdo con el autor Paul O'Shea, el Negacionismo es el rechazo a aceptar una realidad empíricamente verificable. Este termino aplicado al Holocausto, sigue la doctrina según la cual el genocidio perpetrado por la Alemania Nazi contra los judíos no existió; sino que afirman que es producto de la fabulación, el mito y el fraude. Estos negacionistas, o también conocidos como revisionistas históricos, se mueven principalmente por su antisemitismo y la voluntad de defender al régimen Nazi y sus colaboradores (incluso negando la realidad de los hechos).

Sin lugar a dudas, el caso más famoso en torno al Negacionismo del Holocausto es el de David Irving, que llevó a los tribunales a Deborah Lipstadt por difamación. Un proceso que puso en tela de juicio los crímenes del Holocausto, negando la existencia de las cámaras de gas en los campos de concentración (como en Auschwitz, por ejemplo), en el que también se afirmó que Hitler no tenía conocimiento (ni responsabilidad) sobre las ejecuciones en masa, en el que además, el señor Irving tuvo la desfachatez de manifestar (en palabras textuales) que "No se debía sentir lástima por unos pocos muertos de tifus"; asimismo, dicho litigio tuvo la particularidad de contar solamente con el testimonio de expertos en el ámbito académico, es decir, sin llamar a declarar a un sólo superviviente de la Shoah, siendo (a decir verdad) un dato bastante curioso.

La película que nos ocupa, titulada "Negación" ("Denial" en su título original en inglés), nos relata la querella entre Irving contra Lipstadt, que tuvo lugar en los tribunales del Reino Unido a principios del año 2000. Para llevarla a cabo, su director Mick Jackson (conocido por "El Guardaespaldas" y "Fuego sobre Bagdad", entre otras), toma como punto de partida el libro escrito por Deborah Lipstadt "La negación del Holocausto", misma obra que inició la célebre denuncia por difamación de Irving contra su autora, a mediados de los años noventa.

Lo más destacable de esta propuesta, aparte de la interesante historia que nos refiere, es que cuenta con un elenco de actores en estado de gracia, encabezado por la ganadora del premio Oscar Rachel Weisz, que encarna a la historiadora estadounidense, y que personalmente me ha recordado a otros personajes bastante parejos, como la brillante astrónoma Hypatia de la película de Alejandro Amenabar "Ágora" (Id., 2009) y también a la intrépida Marlee del notable drama judicial basado en la novela homónima de John Grisham "El jurado" (Runaway Jury, Gary Fleder, 2003), salvando las distancias evidentemente. De manera análoga, podemos distinguir a Timothy Spall, que brilla magistralmente dando vida a David Irving, en un personaje digamos literalmente odioso, así como un maravilloso (como siempre) Tom Wilkinson, que se mete en la piel de uno de los expertos académicos llevados al estrado por Lipstadt y su abogado, interpretado también de forma pertinente por Andrew Scott.

En resumidas cuentas, aunque su desarrollo de la trama peque de ser un tanto convencional y no arriesgue prácticamente nada (exponiendo los hechos tal cual sucedieron), la importancia y calado de la historia junto con las magistrales interpretaciones perfilan una película más que interesante, y por supuesto, recomendable.

Siempre he sido fan confeso de Clint Eastwood en todas sus facetas, debido al buen gusto y tablas que demuestra en cada una de sus películas. Su nivel interpretativo ha sido relativamente notable; sin embargo, es en su faceta de director donde más y mejor se ha prodigado, siendo responsable de verdaderas obras maestras, tales como: "Sin Perdón" (Unforgiven, 1992), "Los puentes de Madison" (The bridges of Madison County, 1995), "Mystic River" (Id., 2003) o "Million Dollar Baby" (Id., 2004), por citar algunas. Desde que realizó "Gran Torino" (Id., 2008), que posiblemente sea su última obra maestra, su filmografía ha sufrido bastantes altibajos, alternando buenos filmes interesantes, y otros tantos de corte menor.

La película que nos concierne, titulada "El francotirador" (American Sniper), viene avalada por las seis nominaciones a los premios Oscar (incluyendo la de mejor película y actor protagonista), y nos trae la autobiografía del marine Chris Kyle, un tejano que batió el récord de muertes como francotirador del ejército norteamericano. Kyle fue enviado a Irak con la misión de proteger a sus compañeros. Su precisión milimétrica salvó incontables vidas en el campo de batalla, por lo que se ganó el apodo de 'Leyenda', pero la noticia de sus hazañas llegó hasta las filas enemigas, propiciando que se le pusiera precio a su cabeza, y convirtiéndose en objetivo prioritario de los insurgentes. En Irak, Chris participó en cuatro peligrosas misiones, aplicando el principal lema de los marines Seal: "no dejar a ningún hombre atrás".

Esta última cinta de Clint Eastwood (hasta la fecha), posee los argumentos suficientes para ser tenida en cuenta, como una película más que interesante; no obstante, contiene algunos altibajos importantes que merman su resultado final. Me explico. Por una parte, su gran virtud reside en la portentosa interpretación de su actor protagonista, Bradley Cooper, que se ha involucrado tanto en su rol que hasta incluso ha aumentado su masa muscular, para otorgarle una mayor credibilidad al personaje, siendo posiblemente la mejor que ha realizado en su excelente filmografía. De hecho, con ésta es su tercera nominación consecutiva en los premios Oscar, que atestigua el gran momento por el que atraviesa. La evolución de Kyle es muy interesante, ver como le afecta psicológicamente arrebatar vidas humanas en el transcurso de su experiencia en el campo de batalla, llegando a quedar totalmente insensibilizado (siendo un retrato bastante escalofriante); además, es digno de mención algunas de sus grandes secuencias: como aquella en la cual el marine mata a su primera víctima (siendo muy impactante), o la secuencia de la tormenta de arena, realizada de forma realmente magnífica.

Aunque, por contra se puede decir que la dirección de Eastwood es bastante mecánica, marcando en demasía los tempos narrativos, dando la sensación de que se ha limitado a poner la cámara en su sitio y filmar la cinta con el piloto automático. Ese desarrollo un tanto encorsetado hace que el filme sea repetitivo, dejando patente que le sobra metraje, y haciendo también, que el personaje de la esposa de Kyle (llevado a cabo por Sienna Miller) esté bastante desdibujado. Cabe decir también, que es sorprendente lo desapercibida que pasa la banda sonora de un maestro del talante de Ennio Morricone, en la cual aporta más bien poco (solamente en momentos puntuales).

En definitiva, "El francotirador" es una película interesante, que contiene algunos puntos a favor a tener en cuenta, aunque, cabe decir que sigue en la misma linea de filme menor que por desgracia nos tiene acostumbrados últimamente el gran Clint Eastwood, siendo una pena, porque había material suficiente para construir un gran filme.

A principios de la década de los noventa, el director estadounidense Richard Linklater escribió y dirigió la película "Danzed and Confused", que narraba el último día de clases de un grupo de alumnos de secundaria en 1976. Con ello, pretendía realizar un fiel retrato del sentimiento de los jóvenes de la época, en la que se podía ver el libre consumo de drogas y la falta de guía que desemboca en que cada quién tiene y practica sus valores de manera independiente; algo similar a lo que hizo George Lucas con su filme "American Graffity". Por consiguiente, cogiendo tal referente se podría decir que Linklater se ha superado a si mismo con la película que nos concierne, "Boyhood (Momentos de una vida), ya que en ella relata el devenir de un chico y su familia a lo largo de poco más de una década, mostrando como van cambiando sus sentimientos e inquietudes, y al mismo tiempo, como evoluciona la sociedad. Linklater incide y reflexiona sobre la vida, planteando y respondiendo de forma sutil e inteligente cuestiones al respecto, potenciadas con lo expuesto en el transcurso del metraje.

Para llevarla a cabo, Linklater contrató al entonces niño de 7 años Ellar Coltrane para meterlo en el centro de la historia; además de su amigo y actor fetiche Ethan Hawke, Patricia Arquette, y su propia hija, Lorelei Linklater. Lo verdaderamente increíble de "Boyhood" es la convicción que ha mostrado su director a lo largo de 12 años para sobrellevar un proyecto de esta envergadura, manteniendo enchufados tanto al elenco actoral como al equipo técnico en ese largo periodo de tiempo, y una vez terminado todo, comprobar que el resultado final es más que satisfactorio... sin lugar a dudas, una labor muy meritoria y encomiable que evidencia la certera visión del director.

Al estar rodada en ese largo periodo de tiempo, huelga decir que la evolución "natural" de los personajes es impresionante; sin embargo, aparte de eso, se puede destacar la excelente banda sonora, repleta de canciones country, rock y pop, debido a que están muy bien integradas en el contexto de la historia.

En conclusión, "Boyhood" es una obra maestra, un verdadero ejercicio de estilo realizado por su director, Richard Linklater, que ha demostrado entereza, fe, y una visión insólita; a pesar de que su argumento sea muy sencillo, el cual se puede resumir en una frase... pero en este caso, no es lo que cuenta, sino como lo cuenta.

Muy Recomendable.

En los últimos años, al amparo de una regulación legal ambigua, han proliferado en España las asociaciones de consumidores de cannabis, unos clubes sociales que se abastecen y la distribuyen entre sus socios, todos mayores de edad y en un ámbito privado, reduciendo los riesgos asociados al mercado negro o a su cultivo indiscriminado. De hecho, solo el año pasado 2016, en una ciudad como Barcelona se registraban más de 150 clubes y asociaciones cannábicas, donde sus socios podían acceder con plena libertad a disfrutar (solos o en compañía) de ese momento de armonía cósmica que solo proporciona un buen canuto. Este tipo de clubes, cada vez más numerosos, han sido enormemente criticados en los últimos años, no solo por el hecho de que en su interior los socios y socias tengan la posibilidad de fumar marihuana de forma totalmente legal, sino porque, al mismo tiempo, se han visto relacionados con un nuevo modelo de turismo que, hasta ahora, solo tenían cabida en ciudades como Ámsterdam.

En relación al auge de los clubes cannábicos en España, el director Alberto Utrera con su opera prima titulada "Smoking Club (129 normas)", nos sumerge de pleno en uno de esos clubes, situado en Madrid, a través del cual, siempre en clave de comedia, quiere hacer llegar al espectador una interesantísima reflexión alrededor de la libertad del ser humano y, por supuesto, la legalidad de la hierba. La premisa se centra en Óscar, un hombre cerca de los cuarenta años que, tras una crisis vital, deja su trabajo de funcionario y a su novia para montar un club de fumadores de cannabis junto a un amigo de la universidad, el abogado Danny, con una solo norma básica: "El club es un espacio de libertad, un lugar donde refugiarse del mundo y sentirse libre"... Esta norma resulta ser algo incierta, por lo que tienen que incluir 128 más que garanticen la libertad que tanto quieren ofrecer a sus clientes. El problema viene cuando desaparecen 3 kilos de marihuana que no debían estar allí.

Conviene subrayar que a pesar de ser el primer trabajo de su director, y de haber contado con bajísimo presupuesto, la película atesora una gran calidad técnica, dejando ver una producción mimada al detalle; y que además, se nutre de un elenco coral en estado de gracia, sobre todo de un Rodrigo Poisón, Jimmy Castro y Natalia Mateo maravillosos. La enrevesada premisa de "Smoking Club" nos presenta unos personajes pintorescos, como el jefe que atraviesa la crisis de los 40, así como la anciana facha y racista, pasando por la pija con pocas luces, el 'chulito' que quiere impresionar a la chica guapa, hasta el nerd 'sabelotodo' y acomplejado. Al mismo tiempo, apuesta por la mezcla de géneros aparentemente contradictorios, sirva como muestra evidente el hecho de imbuir más de un centenar de normas a un espacio que se autodenomina de "libertad"; asimismo, juega con elementos de la tradición española del esperpento, conjugados ingeniosamente con acción deudora del cine 'guyritchiano', con puntos en común con el ya considerado clásico moderno "Lock & Stock" (Lock, Stock and Two Smoking Barrels, 1998), y en el que también puede recordar vagamente al estilo que siempre imprime Alex de la Iglesia en todas sus películas.

Aunque quizás le falte algo de desparpajo y desfase en su conjunto; los flashbacks y los continuos cambios de perspectiva; junto con los maravillosos recursos gráficos, los cuales incluyen un fantástico 'mannequin challenge' de aire oriental; así como los genuinos guiños cinéfilos, como el de "Casablanca" (Michael Curtiz, 1942), conforman una cinta de lo más simpática e interesante.