Una película animada y colorida, que nos traslada a una aldea mágica donde los conejos son fluorescentes, las libélulas escupen fuego y las plantas lanzan besos. Los pitufos resultan entrañables, con texturas muy bien conseguidas en un gran trabajo de animación, que a pesar del 3D consiguen mantenerse fieles a los originales. Atención especial a la melena de Pitufina, envidia de cualquier actriz de carne y hueso.

La música sin embargo, nos traslada a otro lugar, exactamente a una discoteca. Canciones que acompañan los movimientos y el ritmo trepidante de estos pequeños seres azules, pero que seguramente no sea del agrado de la mayoría del público. Aunque, si recordamos a los pitufos maquineros, no nos resulte tan raro la banda sonora elegida para esta ocasión.

La película está dirigida principalmente para niños. El enfoque infantil de los comics de Peyo se observa en este nueva producción que choca y contrasta con el mensaje tan maduro que transmite. Y es que estamos ante un mensaje potente sobre la identidad personal. Pitufina no es capaz de definirse, no sabe en que es buena o en que puede destacar. La película nos llevará a un viaje al corazón de la voluntad, dejando claro que una persona no se puede describir con un único rasgo y sobre todo, que lo que realmente nos define somos nosotros mismos y nuestros actos.

La pregunta es, ¿hasta qué punto los niños serán de captar el mensaje, o solo se quedarán con lo colorido de la producción y los gifs de pitufos saltando y haciendo piruetas? Quizás haya sido una oportunidad desaprovechada teniendo un mensaje tan poderoso. Pero a pesar de ello, nunca está de más transmitir buenos valores, y si además los niños disfrutan con estos pequeños seres azules, no habrá sido todo en vano. Y ya sabéis, a pitufar.

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El director, Carlos Theron, y los guionistas Manuel Burque y Josep Gatell nos traen un comedia fresca y sencilla que no abusa de los tópicos españoles más de lo necesario. Y que caricaturiza sólo a nuestros protagonistas, actuando el resto del reparto de una forma tan natural como necesaria para la credibilidad del conjunto. Utilizando la diferencia generacional entre padres e hijas como un poderoso recurso a la hora de entender el por qué de las reacciones de unos y otros; dejando claro que tienen formas muy diferentes de entender el mundo, y de elegir su futuro.

El reparto cuenta con algunos de los mejores actores de nuestro cine. Protagonizada por tres ganadores de Goya como Roberto Álamo, Javier Cámara o José Coronado; y con numerosos secundarios y extras de lujo: Luis Callejo, Manolo Solo, Miki Esparbé, Pilar Castro, Carmen Ruiz, María Pujalte entre muchos otros. Y es que la comedia es una cosa muy seria; y no cualquier actor es capaz de hacer reír.

Estamos por lo tanto ante una comedia entretenida y divertida con pretensiones sencillas, que pasemos un rato agradable entre risas. Una producción que llega en un momento en el que la comedia española se había centrado en tramas y chistes comarcales. Donde todos y cada uno de los personajes estaban exagerados y escasamente desarrollados, y el argumento había derivado en situaciones ridículas y en ocasiones incómodas de ver.

De ahí que resulte más meritoria su incursión en las salas. Con tramas y situaciones más reales, pero no por ello menos divertidas. Unos personajes que evolucionan y cambian, sin dejar de ser ellos mismos. Y con un mensaje, que no cae en situaciones innecesariamente dramáticas, pero que sirve de lección . Una película para pasar un buen rato en el cine y dejarnos llevar por el carisma de sus personajes. Y sobre todo reír, que para eso es una comedia.

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Ya no se llevan los niños ricos de familia bien. Lo atractivo ahora son los emprendedores tecnológicos que han hecho fortuna con apps para el mvl o webs de éxito . Sillicon Valley es el nuevo Beberly Hills, los geeks son los gigolos del siglo XXI y el sueño americano está más presente que nunca. James Franco representa a esa sociedad; mientras que Bryan Cranston es el estereotipo de empresario familiar a la vieja usanza.

Estamos ante una típica comedia americana; que si por algo se caracteriza, es por el reparto que aparece. Ya sabemos la estrecha relación de James Franco con la comedia de este tipo; quizás la mayor sorpresa haya sido ver en una producción por el estilo a Bryan Cranston. Y sin duda ambos son lo mejor de la película. Pero se dejan llevar en un mar de clichés y situaciones recurrentes, que no sorprende ni destaca. Se abusa de los recursos fáciles llegando a presenta escenas incómodas de ver. Todo en la película es demasiado exagerado.

“¿Tenía que ser él?” es una producción excesivamente larga, que deja minutos innecesarios de “gags” muchas veces vistos. Si te gustan las comedias americanas más típicas, y las referencias actuales de tv, series y tecnología, puede llegar a entretener. En caso contrario, te encontrarás ante una producción prescindible con una o dos escenas memorables.

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La película se sirve de su particular estilo narrativo para dar originalidad a una historia que, de otra forma, resultaría demasiado tópica y previsible. Alternando entre la vida actual de Ove, y los recuerdos de su vida. Con los que da explicación a todas las manías de este particular personaje, interpretado magníficamente por Rolf Lassgård.

A través de estos recuerdos, iremos conociendo más en profundidad a Ove. Un pasado cargado de vivencias, que nos hacen empatizar y querer a un personaje que, a primera vista, no era más que un puro cliché.

“Un hombre llamado Ove” se mueve con bastante éxito entre la comedia y el drama. Sin llegar a caer en el exceso en ninguno de los dos ámbitos. Con sus saltos entre pasado y presente, logra cambiar el tono de la cinta, y salvarla en aquellos momentos en los que el sentimentalismo parece que va a resultar exagerado.

Nos encontramos ante una historia que no sorprende, pero que ni mucho menos defrauda por ello. Pese a su previsibilidad no hay duda de que logra emocionar. Y nos hace sentir una gran simpatía por sus personajes. Planteándonos hasta qué punto, los defectos que nos hacen odiar a alguien, pueden tener su raíz en un suceso de su vida con el que podemos empatizar. Comprendiendo así que, a veces, hace falta conocer el pasado de una persona antes de poder juzgarla.

Y esto es lo que consigue “Un hombre llamado Ove”. Coger a un personaje que es un viejo odioso. Alguien al que no podríamos aguantar ni cinco minutos como vecino, y lograr que salgamos de la película sintiendo un especial cariño por él. Ese es su mayor mérito, lograr dejarnos a todos con un buen sabor de boca.

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Un hipster, una pija, un camarero, un vagabundo y una ludópata serán los protagonistas de esta amarga lucha por la supervivencia. Todos caricaturas de la sociedad española actual, donde clases sociales y culturales diferentes se encuentran atrapados en una situación extrema. “Cuando la vida está en juego, las clases sociales no importan”. La crítica a los medios de comunicación también es patente, siendo la televisión el enemigo en la sombra.

Una película estructurada y repartida en tres partes, que nos llevan a las zonas más oscuras y siniestras del propio ser humano. Y es que, ¿hasta dónde serías capaz de llegar si tu vida corriese peligro? ¿Actuaríamos como valientes o cobardes? A través de los personajes vemos el instinto de supervivencia florecer. Aquí no hay héroes ni villanos, sólo vivos o muertos.

Si bien la primera parte de ‘El Bar’ es la más original y atractiva, se disfruta de principio a fin, resultando entretenida en todo momento. Vuelve el Alex de la Iglesia más trepidante, con una comedia negra donde las situaciones ridículas e incómodas se entremezclan como marca de la casa.

En un reparto correcto y sobre todo reconocido como Mario Casas, Carmen Machi o Blanca Suárez; destaca Jaime Odoñez haciendo de Israel. El vagabundo loco y borracho es sin duda la estrella del largometraje. Con una caracterización que lo aleja por completo del actor, y una actuación tan complicada como brillante. Con la biblia por diálogos, la cordura como ilusión y un físico sorprendente, Jaime nos obsequia con los mejores momentos de la producción.

‘El Bar’ es una película de contrastes, como sus propios personajes, y un reencuentro con el mejor cine de Alex de la Iglesia. Divertida, alocada, agobiante y con un final acorde al resto de la trama que nos trae una visión pesimista de la sociedad. Una película destinada a los aficionados del director bilbaíno , y por qué no, también para los aficionados a los bares más castizos y tradicionales. Y recordad, la próxima ronda se sirve en el cine.