El documental muestra la vida, historia y los devenires de El Cholo; sus metas futbolísticas, sus logros como entrenador y algunas intrahistorias familiares. Es interesante, deportivamente hablando, porque hace un repaso por su faceta deportiva e incide también en su vida familiar, con sus hijos e hijas, y la vida con su mujer actual. Aparecen cracks del mundo del fútbol comentando su trascendencia, como Ronaldo, Beckham, Guardiola, Mourinho.

Pero todo es demasiado "bienqueda". Es un documental hecho para ensalzar la imagen de Simeone, que aparece como la de un ángel. El problema del documental es ese, que todo es tan exageradamente bueno y bonito que convierten a Simeone en un ser bendito, en un ser idealizado, perfecto con sus dos o tres desperfectos. Un lavado de imagen que a mí me parece poco creíble, ficcionado, demasiado guionizado. No hay una respuesta mala. No hay ninguna intervención negativa. No hay ningún atisbo del Simeone guerrero, clava tacos, del vulgar agarra huevos, del que no saluda a los entrenadores. No. Nada sale de la línea de lo correcto. Tampoco aparece su exmujer, ni El Mono Burgos, ni Julen Guerrero, o algunos enemigos de profesión. No hay nada que ponga al personaje y a la persona en aprieto. Y eso convierte el documental en algo plenamente parcial y subjetivo.

Es verdad que salen momentos duros de su carrera, como la sucia jugada de Julen Guerrero, y el propio Simeone comenta entre risas incómodas que estuvo mal, que era un mediocampista que pegaba y calentaba el ambiente, pero poco más.

El documental tira en varios momentos de lo emocional, pero siempre está presente la idea de que es un film para agrandar su imagen y para convertirlo, aún más, en el símbolo del Atlético de Madrid.

Demasiado bonito para ser real.

La película del gigante Warner, Joker, se ha convertido en el fenómeno fílmico del 2019. La obra audiovisual catalogada para mayores de dieciocho años más vista de la historia.

La apuesta de la productora Marvel toma las riendas de El caballero oscuro (The Dark Knight, 2008). Esta segunda parte de la trilogía del Batman de Christian Bale, con las claquetas directorales de Nolan, volvió a darle dignidad al personaje, que había sufrido deslices importantes, desenfoques ciclópeos, como el Batman paparruchero de Tim Burton, en que el magnífico Jack Nicholson vistió el traje del villano (sucumbiendo a los ceros, a la pasta).

En El caballero oscuro, Batman se enfrenta a su archienemigo más particular, redondo y original. Al, tremendamente hijo de puta, Joker. Fue encarnado por el actor Heath Andrew Ledger, que se salió. La pantalla se le quedó pequeña. Llevó al personaje a un registro inalcanzable, inigualable, con una maestría actoral impresionante. Borró la frontera entre el actor y el personaje.

El australiano dibujó al personaje con los exactos matices, con esa dualidad bamboleante entre psicótico siniestro y bromista áspero de humor negro. Un papelón que le valió, supongo que por unanimidad, el Óscar al Mejor Actor Secundario (2009). Su fama, como la de las grandes leyendas del rock que se fueron prematuramente, se elevó como las olas de un tsunami tras su expiración a los veintiocho años por sobredosis de "medicamentos" (según la versión "oficial"). La tragedia le sumó repercusión e interés a la secuela que se estrenaría semanas después. La malaventura se convirtió en la mejor campaña de márquetin.

Todo los revuelos, sumado a la importancia de la factoría multimillonaria de Batman, provocó que se planteara una precuela del Joker, donde el pintarrajeado estrafalario fuera el único protagonista. La dirección recaló en las manos de Todd Phillips. Por los motivos que fueran, el elegido para interpretarlo fue Joaquin Phoenix. Un actor, que para mí, particularmente, lleva muy bien los thrillers y la ciencia-ficción (realizó un trabajo impresionante en la futurista y sentimental Her), y que, a priori, el papel de loco-cómico estaba lejos de sus registros, de parecerse al Joker de Ledger.

Pero en el Joker, el universo Batman y el imaginario de cómic de Marvel desaparecen casi por completo. No es una película saturada de acción, carreras de coches inverosímiles, estallidos, sobresaltos cósmicos y efectos especiales. En El caballero oscuro, el Joker de Ledger es un genial loco. Un líder astuto, carismático. Sin embargo, en el Joker de Phoenix es un personaje imbuido en sí mismo, deprimido, triste, inseguro, narcotizado, angustiado, desequilibrado.

La película es un itinerario en primera persona por inacabables desdichas. Un eterno primer plano de Arthur Fleck, un don nadie de barrio marginal de Gotham City. Somos espectadores, por tanto, de su vida de cloaca y de los bajos fondos, de sus idas y venidas, del desamparo de una persona con problemas mentales que malvive y sobrevive con su madre incapacitada y enajenada. Y tras las cortinas de la miseria de su día a día, pared con pared, la sociedad que le da la espalda, que lo margina, mientras aparecen en la televisión imágenes en color de otras vidas, de los triunfadores de su ciudad, ricos y todopoderosos que reciben los aplausos y parabienes, que hacen sangrante el contraste entre la realidad de Fleck y la de los que flotan en el show business, el éxito, la política.

Descubrimos y penetramos en el Joker antes de ser Joker. Desenmascaramos al fracasado payaso de poca monta que mendigaba míseras actuaciones. Es evidente, que la película va más allá de la encorsetada etiqueta del antihéroe, porque encontramos profundas reflexiones, lecturas subversivas. La desigualdad, el tabú de los problemas mentales, cómo la sociedad dual de ricos y pobres entablilla a los pobres a la marginación y al abandono..., provoca el colapso de Arthur Fleck, el descenso a la locura y a la liberación. Así nace el Joker, el antihéroe agitante que defiende la revolución del caos.

De ahí, que los espectadores hayan aplaudido las venganzas, los ajustes de cuenta, los tiros, que el payaso se tome la ley por su mano. Una venganza que tiene una lectura social; el levantamiento del más grande de los oprimidos. Porque si la sociedad te deja defenestrado, te arrincona, la única salida que ves abierta es la rebelión. Un rebelión que no busca un objetivo. Una rebelión incendiaria que a ojos del espectador está justificada. La antirrevolución. La insurgencia que pugna por dejar la ciudad en llamas.

Es una película lograda. Yo, particularmente, después de rumiarla, no la considero una obra maestra. La crítica la ha inflado y le ha impregnado una trascendencia de la que carece, porque como le ocurre a tantas películas, a tantas novelas, a tantas canciones, se ha convertido en un motivo viral. En estos casos, habitualmente, se suele perder el norte de la crítica y suele confundirse éxito con calidad. Si bien, es una muy buena película que merece ser vista. No faltan los mares de tintas que apuntan a que J. Phoenix se llevará el máximo galardón dorado, la estatuilla del caballero que aguarda con una espada, de calle, por su interpretación.

Como apunte final, me gustaría destacar un último acierto: la banda sonora. Una track-list que funciona por contraste. Canciones guitarreras y jazzeras, melódicas, alegres y vitalistas, que aparecen en las situaciones más crudas, en escenas, visualmente hablando, de hipotermia e infarto. Curiosamente, encaja a la perfección. Se nota que el tipo que ha estado agazapado con los temas posee un gusto musical curtido.

BS
https://lanuberojalibre.blogspot.com/2019/12/la-revolucion-del-caos.html

Me ha parecido una de las mejores películas de los últimos tiempos de Pixar. La historia es fresca, divertida, animada, original. Visualmente es una delicia y la historia mantiene varios frentes abiertos hasta el final, dejando varias lecturas importantes, predominantes; la familia es la raíz y el bastón de lo que somos; el destino se elige; y si te quitas la venda de los prejuicios, la vida, el amor y la esperanza, florece.

La historia no tiene desperdicio. El documental hace valer la archiconocida frase de que la realidad supera la ficción. La producción es muy americana, con mucha narración y muchas entrevistas individualizadas de los implicados. Poco a poco vas conociendo la trama y vas descubriendo cómo ha sido el suceso. Los giros son constantes y se te queda la cabeza llena de incredulidad.
Un suceso que nos enseña que hay seres despreciables por el mundo y que algunos de ellos tienen una maldad y una inteligencia "a prueba de bombas".

Se trata de una película canadiense que contiene mucha literatura, y también, mucho surrealismo. El periodista Pablo Kurt la definió con adecuado acierto como “insólita, cruda y violenta poesía cinematográfica”. Y todo esto a pesar de que, el propio director y guionista, comentó que fue una película con mucha improvisación, que se fue construyendo y solidificando a medida que se rodaba, que germinó a partir de unas ideas humeantes, extravagantes, básicas, escuetas, con unos exiguos argumentos enmarañados.

Pero el cine no es literatura. Igual que puede hacerse un estropicio de una gran obra literaria, puede darse la paradoja de que ocurra todo lo contrario en la inversión; que el buen hacer de actores, productor/es y director, consigan hilvanar una película espléndida. Literatura y cine son dos lugares bien diferenciados, que pueden vincularse. Pero en esencia, difieren tanto en sus metas como en sus propósitos. La literatura solo puede recurrir a la palabra, y parte de ella, es intelecto puro. El cine juega con un amasijo mucho más amplio de posibilidades.

Del director y guionista, Jean-Cluod Lauzon, poco se sabe. Aparte de Léolo, intervino en un par de trabajos audiovisuales sin repercusión. Y rebuscando en los devenires de los actores que trabajaron en la película, más de lo mismo. Léolo es un grata rareza en el universo del séptimo arte.

Hay en Léolo mucho imaginario ingenuo también, propia de otras ficciones que somete a los personajes a un clima recargado con demasiada fantasía. A veces llega a lo ridículo, a lo caricaturesco. Una sobredosis de ficción que no desentona, como ocurre en Amelie, o como puede apreciarse en Matilde, por ejemplo, que son dos grandes películas con las que Léolo comparte universo cinematográfico. Aunque en Léolo se respira un aire más cínico y enrevesado.

Las escenas tienen un tratamiento excepcional. La película engancha y entretiene. Se trata de una ficción que nos trae la vida y la mirada de un niño que vive en una familia atípica y gris. Una familia de la que quiere fugarse y que provoca que Léolo se escude en su imaginación; una imaginación desbordante, una imaginación que le da refugio, que le ayuda a huir de una vida sin registro, desmoralizante.

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