Hacía mucho tiempo que mi placer por el cine de Miike me llevaba a preguntarme si sería capaz de acercarse al clasicismo más académico y ser capaz de no defraudarme. Por fin ha llegado ese momento. “Jûsan-nin no shikaku”, titulada en España como “13 Asesinos”, lo ha logrado y ha sido capaz de restaurar un género como el de los samuráis, del que Kurosawa y Kobayashi fueran padres y mentores intelectuales.

Con este re-make de la película homónima que Eichi Kudo realizara en 1963, el camaleónico director nacido en Yao, se consagra a una bella mezcla de ese clasicismo que veíamos en “Los siete samuráis”, “Yojimbo” o “Kagemusha”, sólo por citar tres de las más de diez que me pasaban por la mente mientras la veía y su despiadada habilidad para narrar cinematográficamente toda actividad incisivamente sanguinolenta.

Creo que da un repaso a la época clásica japonesa, por supuesto a Kurosawa y Kobayashi, pero hay decorados que remiten con agudeza al cine de Mizoguchi y escenas relacionadas con el juego, que me recuerdan de forma quizá subjetiva a Ozu, pero su visionado me hace pensar en una especie de collage, del maravilloso cine clásico japonés.

Estructuralmente dividida en tres partes, comienza presentándonos a los personajes con una escena premonitoria de lo que será su próximo estreno, mi esperadísimo re-make de Seppuku de Masaki Kobayashi. Con el uso de un necesario narrador, suple la ausencia de metraje necesaria para llegar al gran público y nos sitúa el relato en los últimos días de la era de los samuráis, en el año 1844, cuando el oficial Sir Doi contacta con el samurái Shinzaemon Shimada para tratar de acabar con el sanguinario Lord Naritsugu, recientemente ascendido al poder.

En las dos primeras partes, mientras presenta a los personajes y plantea su aventura, desde la admirable y particular honestidad del bushido, Miike deja por completo aislado su habitual estilo vanguardista, absurdo o como quiera el crítico pertinente catalogarlo, para emular con maestría la expresividad narrativa y visual clásica de Kurosawa, cuyo eco se ve rezumar en la cinta por los cuatro costados. Con similitudes fehacientes con “Los siete samuráis”, nos presenta a ese grupo de personajes en pos de la justicia y lo hace con claras intenciones de revivir a los personajes de Takashi Shimura y Toshiro Mifune, en el clásico de 1954, idea nada despreciable, pero a la que le falta una hora de celuloide dedicada a explorar y profundizar en los personajes si se hubiera deseado cerrar una revisión honesta y concienzuda de los clásicos, que a su vez le habría hecho perder la mitad de su público.

(sigue sin spoiler)

El secreto de sus ojos es una exuberante fábula ética, urdida en una oscura trama y envuelta en una intimista y esperanzada visión del amor.

Es muy compleja en cuanto al guión se refiere, mezclando varios puntos de vista o historias desde un mismo personaje, un personaje protragonista interpretado por Ricardo Darín al que el actor guía por parajes insondables, llega muy lejos. Habla de aquello que pudo haber sido, de amores que bien merecen una vida, de que nunca es tarde para amar. La metáfora de la máquina de escribir, es uno de los motivos que hacen pensar que estamos hablando de un clásico, adquiere una profundidad muy difícil de conseguir, esa magia que hace que una película sea muy buena, o simplemente buena.

Mezcla infinitud de géneros con una naturalidad pasmosa, es un thriller con sus debidas dosis de suspense e intriga, es cine negro con interesantísimos giros de guión y con diálogos magníficamente construídos, con una pareja de detectives muy al estilo clásico, interpretados por Darín y Francella, se mueve de la comedia al drama, del drama al negro y del negro al thriller con excelente soltura, siempre manteniendo la intriga. Aporta también con el personaje de Villamil, una femme fatal que bien podría haber interpretado por ejemplo Gloria Grahame. Es un amplio mosaico que lo hace todo, y lo hace bien.

Es una película muy eléctrica, las relaciones de sus personajes funcionan a la perfección, hay magnetismo, el guión esta muy bien construído y gratamente sorprende de verdad. En cierto modo va "in-crescendo" pero desde el principio es una narración fuerte y poderosa, que nos va llevando hasta un final magnífico, un final compuesto, para las dos historias que trata.

Técnicamente es una maravilla, por esa mezcla de géneros, por esa dualidad en la historia cuyas vertientes se compaginan a la perfección, por unas interpretaciones de libro, pero también es compleja en el aspecto temporal, con la utilización contínua de flashbacks, está narrada en dos tiempos y los saltos temporales están perfectamente justificados en el guión, es de una solidez rotunda.

En cuanto a lo narrativo, la historia policial está tratada de una forma muy consistente, como un drama moral donde todo cambia de lugar, que te hace dudar y que se hace preguntas muy acertadas sobre la justicia. Me trae a la memoria películas tan variadas y variopintas como "Ciudadano Kane", "Seven" o "El halcón Maltés" y todas al mismo tiempo. La otra parte de la narración, en este caso la sentimental, recuerda bastante a otras películas del director como "El hijo de la novia", con esa sensibilidad y sentimentalismo tan profundos y arraigados, conmueve y te hace identificarte aún más con los personajes.

Como punto negativo decir que deja cierto poso de cuento, que le hace perder dramatismo. Es una sensación personal sobre el tono general de la película.

Gran película.

Eso es "Million Dollar Baby", respeto, respeto por el cine y por el noble arte del boxeo.

Por todos es sabido que Eastwood ha protagonizado y dirigido multitud de grandes obras, y me atrevo a decir que quizá dos o tres obras maestras. Pero lo que ha ocurrido con esta película es algo muy especial, después de una gran cinta como "Mystic River", creo que el Sr. Eastwood encontró una historia deliciosa y muy adecuada a su sensibilidad como persona y habilidad como director de cine. Esta película ha sido un nuevo impulso a su carrera para convertirse en, como alguien escribe por ahí, "el último de los clásicos"

La historia se basa en un relato llamado "Rope Burns" de F.X. O´Toole, seudónimo del entrenador de boxeo Jerry Boyd (1930-2002), y cuenta varios años de la vida de un entrenador machista y con malas "pulgas", al que la vida ha roto el corazón, un ex-boxeador que lo perdió todo en el cuadrilátero y una joven boxeadora que ha decidido dejarlo todo por un sueño.

A partir de esos personajes, el maestro teje su tela dramática en una historia conmovedora, honesta, sencilla e impecable, con un realismo exquisito en lo narrativo y con una técnica deliciosa. La cámara está siempre en el lugar indicado, colocando al espectador en el punto de vista óptimo, la utilización del narrador también es perfecta, ese narrador omnipresente tan importante en el cine clásico, y todo el tono de la película que inevitablemente me recuerda a gente como Capra e incluso Ford.

Una parte muy importante de la obra son los diálogos, aquí esa simbiósis artítica entre Eastwood y Freeman hace que parezcan mejores de lo que son y son de obra maestra.

La música del propio Eastwood aporta la misma delicadeza y sutilidad que el guión, la cámara y los personajes, muy apropiada para la historia y además muy bella.

Eastwood como protagonista está soberbio el mejor sentido de la palabra, Frankie es un tipo con las cosas claras, pero con un escudo de hierro en el corazón, que gracias a dios veremos como se derrumba. Creo que es la base del protagonista de Gran Torino.

Swank consigue con este personaje, protagonistas para diez años. Decir que aunque por lo general no recibe grandes papeles, aquí demuestra que es parte del futuro de Hollywood.

Freeman, papel tras papel, sigue siendo uno de los grandes, Scrapp, ese boxeador que perdió la vista en un ojo y ahora se dedica a limpiar el sudor de otros, estará siempre en un rinconcito de mi memoria como apasionado espectador de cine. A parte como narrador tiene magia, mucha magia.

Me encanta Jay Baruchel en su papel de "Peligro".

Imprescindible para entender el cine.

Predators fué estrenada en España el 27 de Agosto de 2010, se rodó en localizaciones de Texas, Hawaii y los Troublemarker Studios de Texas durante este mismo año y no es más que un nuevo re-make palomitero tan en boga en este verano de 2010. La 20th Century Fox y los Troublemarker Studios han hecho taquilla estrenando su producto entre otras revisiones de calidad claramente dudosa como el "El Equipo A" o "Los Mercenarios".

Producida e impulsada por Robert Rodriguez que retoma el guión que escribiera en 1994, a petición de la FOX, nos revela una cinta de acción ambientada en el planeta de los "Predators", con multitud de efectos especiales y bellos paisajes, pero sin ninguna tensión dramática ni suspense. Plantea la idea de que tanto los humanos como los aliens son depredadores y nos vuelve a llevar a la típica y manida historia de "no sabemos quienes somos, ni porqué nos han traido aqui". Es una de las películas menos originales que he visto en mi vida, cada escéna recuerda mucho a alguna escena de multitud de películas de ciencia ficción, ya sea "Lost", "Cube", "Alien" y en un momento dado no pude dejar de pensar con cierta sorna en "Los Goonies". El resultado final es bello, los efectos especiales funcionan, pero no hay historia, no hay guión y no hay personajes.

Tiene buenos actores pero no está bien interpretada, Adrien Brody en el papel protagonista no convence ni a sus incondicionales, personalmente me parece un buen actor, pero no es un actor válido para este género, su pretendido mercenario no me causa ningún tipo de respeto. Danny Trejo hace una corta aparición, que no es más que una especie de spot para su esperado "Machete", ésta sí dirigida por Robert Rodiguez. El Sr. Laurence Fishburne, nos hace un amplio cameo emulando según algunos críticos al mismísimo Coronel Kurtz, estoy de acuerdo con esta idea, pero ni Laurence Fishburne es Marlon Brando ni Noland es el Coronel Kurtz, me parece buena idea recordar personajes como el que hablamos, pero hay que hacerlo con respeto y habilidad, aquí no hay ninguna de las dos. Todos los personajes siguen un patrón determinado sin nada original que les de algún tipo de esencia o individualidad, tenemos al soldado, al samurai, la chica dura, el ruso asesino despiadado etc, etc, pero ninguno aporta nada como personaje, todos son patrones.

De Nimród Antal sólo he tenido el gusto de ver "Habitación sin salida" y me da la impresión de que es el primer director que pasó por allí el día que decidieron producir este "Predators".

Si tenemos en cuenta la insípida saga de Alien VS Predator, esta sería la quinta entrega de estos Alienígenas melenudos, de la cual sólo podríamos salvar su primera parte, que aunque interpretada por el abominable Schwarzenegger, tenía esa esencia de serie B y cierta calidad.

Se deja ver, si no eres exigente te puedes entretener y sobre todo comer... palomitas.

Si me hablaran de una película sobre un rockero y sus problemas con el alcohol y las mujeres, no sentiría ningún interés por verla.

No tengo especial predilección por las películas cuyo tema es la estrella de rock, con sus problemas con el alcohol y las drogas, amén de sus relaciones personales. Pero si me transformas eso en una cinta con cariz independiente, sobre un cincuentón, estrella del country, venido a menos y me pones de protagonista al mítico Bridges, iré preparando una copa de buen vino y me sentaré relajado a disfrutar de la sesión.

No me canso de pensar que el buen cine en la mayoría de las ocasiones se alimenta de una historia de amor y de unos personajes creados con consciente responsabilidad e interpretados con maestría. En este caso tenemos cubiertas de forma excelente esas dos premisas. La cinta es una historia de amor y Jeff Bridges le da forma y vida a este magnífico “Bad Blake”, que en manos de cualquier otro actor, se habría convertido posiblemente en un personaje mediocre.

Es obvio que este largo sería del montón si no lo protagonizara el actor que lo protagoniza. La primera vez que me emocionó Jeff Bridges fue viendo en TVE la escasamente carismática versión de “King Kong” de Guillermin, junto a la amazona Jessica Lange, mi edad preadolescente no me privaba de disfrutar de la actuación del carismático intérprete.

También es obvio que esta película no nos plantea comparaciones interesantes que aclaren las diferencias entre el country más puro y el más vulgar mainstream, sirvan de ejemplo Van Zandt y Tom Petty. Esto es claramente una historia de amor, del amor perdido y de la maravillosa esperanza que tenemos todos nosotros de ser felices. De las oportunidades perdidas y de las segundas, terceras y cuartas oportunidades que a veces te ofrece la vida.

La abominable lluvia de lugares comunes, ideas preconcebidas y prejuicios que atesora, simplemente me aburren. Pero su idea de libertad y de búsqueda de la felicidad me atrae insoslayablemente.

Esa historia de amor entre el perdedor viejo y borracho y la joven cuyo corazón late cansado y herido, interpretado por una muy seductora Maggie Gyllenhaal, me resulta del todo atrayente, porque cualquiera de nosotros podría ser cualquiera de ellos, incluso sin haber escuchado una maldita canción country en nuestra vida. Es una historia sobre hacerse adulto, sobre la responsabilidad de amar y ser amado, sobre la maternidad y la paternidad y sobre todo sobre saber aprovechar las increíbles casualidades que nos depara el destino.