Sumario:

Gran despliegue y entretenimiento en esta película bélica - prepocalíptica con viajes en el tiempo, algunos planteos interesantes que no explota del todo, varias referencias a filmes previos del género y el sempiterno eje puesto en el núcleo familiar.

Reseña:

https://impresionescinefilas.wordpress.com/2021/07/13/la-guerra-del-manana-the-tomorrow-war/

En el año 2052 la humanidad libra un batalla desigual y desesperada contra voraces invasores alienígenas. A través de una ventana temporal que logra establecerse con el 2022, son enviados pelotones desde el presente para participar durante un cierto periodo de tiempo en esa contienda. En uno de ellos es reclutado Dan Forester (Chris Pratt), quien, luego de un breve entrenamiento, se pone inmediatamente al frente de una misión bajo las órdenes de una coronel interpretada por Yvonne Strahovski.

Sí: es otra película sobre viajes en el tiempo, bélica y pre apocalíptica y con varias referencias a filmes previos del género (que no revelaré para no spoilear). Su desarrollo podría dividirse en tres partes: la primera, un vistazo a la vida familiar de Forester, con su esposa e hija y algún conflicto familiar que desemboca rápidamente en el reclutamiento y entrenamiento del protagonista; la segunda, la misión en el futuro y la tercera, las derivaciones de esa misión.

En cuanto al viaje en el tiempo, la película de Chris McKay hace algunas aclaraciones (y prevenciones) al respecto, que como siempre, suelen ser insuficientes en esta temática. En todo caso, podría decirse que no explota del todo las paradojas y hasta las inconsistencias que el guion propone. Como muchas otras de su género, orbita en torno a la preservación o restauración del núcleo familiar, con la obsesión norteamericana con la figura paterna en el centro. Uno de los aciertos del film es su caracterización del periodo de entrenamiento, que luce peculiar, urgente y como improvisado.

La producción es apabullante, y se alterna lo íntimo con escenas de acción con enfrentamientos librados en diferentes escalas y escenarios, desde acciones comando hasta batallas masivas. Las criaturas alienígenas son espantosas y logran presencia física. La musicalización no agobia.

Pratt es un actor ideal para encarnar a un personaje que “hace lo que hay que hacer” lo mejor que puede, a la vez sensible y resuelto, mientras que Strahovski también es la indicada para una científica y militar de alto rango distante, fría y melancólica que sabe que está jugando sus cartas decisivas. Ambos conforman un vínculo que desarrollado de otra manera… habría dado origen a otra película.

La acción transcurre en 1993 (década de la película Scream). Noche lluviosa en el Cine Ópera de Montevideo. Unos pocos espectadores ingresan a la gran sala de cine para ver una película de Frankenstein en la función nocturna, mientras la proyección de la película queda a cargo de la joven hija del proyectorista. Pero en la sala hay una psicópata que los irá asesinando...

Al morir la matiné es un film-homenaje al giallo italiano y su sucesor el slasher. En lo personal, confieso que nunca ninguno de los dos (en especial el segundo) me convencieron como cine de "terror". El slasher repite la fórmula de un asesino en serie con objeto punzante y asesinatos truculentos (con mucho gore), con víctimas generalmente jóvenes y en algún trámite sexual o drogón, una "final girl", heroína que enfrenta al monstruo y una dosis de autoconsciencia compartida por sus espectadores . Pero su principal problema para mí es el escaso desarrollo psicológico de todos su personajes (incluido el asesino). Si bien toda película de género se atiene a ciertas reglas, en éste en particular, todo se (me) torna muy previsible.

La película del uruguayo Maximiliano Contenti tiene algunos aciertos y ciertas limitaciones que en este género uno no sabe si atribuirlas al género o a la impericia (por ejemplo, las actuaciones).

En todo momento funciona cierto paralelismo entre la película que se proyecta y lo que va ocurriendo en la sala. Luego de una primera parte un tanto rutinaria y estática, cuando la acción se concentra en un grupo de personajes, la empatía funciona mejor y el interés por la trama se consolida, interés reforzado por la creciente truculencia de las escenas y un asesino que cobra más entidad. Algunas tomas son muy logradas (con homenajes al rojo del giallo) y merecen especial mención los asesinatos, con un gore muy analógico y real.

En definitiva, una película que seguramente disfrutarán los amantes del género y con efectivas dosis de gore.

Compitió en el Festival de Mar del Plata y se emitió por cinearplay.

Sumario

En su debut en la dirección, la actriz Manuela Martelli lleva adelante con un pulso inmejorable un relato clásico, lograda combinación de drama y thriller político, donde el clima de la película se vuelve más agobiante a medida que las actividades de su protagonista avanzan, con tensos momentos de un suspenso hitchcockeano. Apoyada en la extraordinaria actuación de su protagonista Aline Küppenheim el film es un contundente cuadro de época de la dictadura pinochetista en Chile.

Una película necesaria en un momento en que beligerantes derechas y neofascismos acechan a las democracias latinoamericanas.


Reseña

Carmen es una señora “bien” que está dirigiendo la remodelación de su casa veraniega frente al mar, a la espera de la visita de su marido, hijos y nietos. A partir del momento en que el sacerdote amigo de la familia le pide que asista a un joven herido refugiado en su parroquia, la vida de Carmen tomará un rumbo impensado.

Corre el año 1976, tercer año de la dictadura de Pinochet en Chile. Y no hace falta aclarar que Carmen casi enseguida se da cuenta de que el herido es un militante opositor al régimen y se involucra de diversas maneras para ayudar al joven.

Esta notable ópera prima de la también actriz Manuela Martelli cruza de manera magistral la pintura psicológica de su protagonista y el clima de época, es decir, el drama y el thriller político. De entrada, el relato da indicios de que esa señora paqueta ya acarreaba un cierto malestar; al mismo tiempo el clima represivo de la dictadura y sus hechos se manifiestan de manera “lateral”, como un telón de fondo, situación que describe muy bien la percepción de quienes hemos vivido bajo dictaduras militares (reflejado también en películas como Rojo); un clima vagamente persecutorio y amenazante donde se solapan lo subjetivo y lo objetivo. Frente al joven herido, Carmen asume con audacia (y con miedo, a la vez) un compromiso que implica también un ajuste de cuentas con el malestar que venía acarreando y sus causas.

Martelli lleva adelante un relato clásico con un pulso inmejorable y el clima de la película se vuelve más agobiante a medida que las actividades de Carmen avanzan, con logrados momentos de un suspenso hitchcockeano.

Pero 1976 no funcionaría del todo sin la extraordinaria actuación de Aline Küppenheim, una actriz magnética permanentemente en escena que va modulando maravillosamente y con gran economía de recursos la evolución de su personaje.

Con algunos puntos en común con la romántica y queer Tengo miedo, torero, de Santiago Sepúlveda, el sobrio realismo de 1976 y la riqueza psicológica de su protagonista resultan en un film de resultados mucho más contundentes como pintura de una época.

Suzanne (Suzanne Lindon) es una chica de 16 años, retraída y tranquila, que vive armoniosamente con su hermana y sus padres en un departamento parisino. En sus idas y vueltas al colegio comienza a observar a Raphaël (Arnaud Valois), un apuesto actor de teatro veinte años mayo que ella que frecuenta un bar y ensaya y actúa en un teatro de la zona. Finalmente se producirá un encuentro que dará pie a un romance entre ambos.

La protagonista, hija de los reconocidos actores Vincente Lindon y Sandrine Kiberlain (ésta interpretó notablemente a Simone de Beauvoir en la película Juliette) es también la directora y guionista (a los 20 años) de esta delicada historia de iniciación y de amor entre dos seres sensibles y aburridos con sus entornos y actividades.

A pesar de tratarse de un tema problemático, Lindon plantea, claramente desde su punto de vista, un desarrollo donde priman la espontaneidad y la dulzura y sorprende con el empleo de algunas originales escenas que bien podrían tomarse como sublimaciones o metáforas.

Suzanne es una película que se asoma a la poesía pero que nunca peca de ingenua, como su protagonista.


Mención Especial Premio SIGNIS 35 del Festival de Mar del Plata

Un grupo de alumnas toma un colegio católico de Santiago de Chile por la desaparición de la líder de su centro de estudiantes, Blanca Ibarra y por las repetidas denuncias de abuso contra su profesor de teatro. Se hacen cargo de la investigación la comisaria Olivia Fernández (una notable Antonia Zegers) y la subcomisaria Carla Farías (María Gracia Olmegna) a quienes luego se agregará la comisaria Elisa Murillo (Daniela Vega).

La jauría es un extraordinario policial en clave feminista. Ya su cortina musical de apertura constituye todo un manifiesto al respecto. La trama combina habilmente y pone en escena en forma elocuente la multitud de dimensiones y factores que configuran el machismo jerárquico, héteropatriarcal y blanco de la sociedad chilena (y de tantas otras): la educación religiosa, la persistente influencia de los militares, el rugby, las prerrogativas de clase e incluso juegos online con sus trampas aspiracionales (y varios elementos más que no menciono para no espoilear), con los crímenes que prohija y/o encubre . Padeciendo y enfrentando todo esto, las jóvenes estudiantes y las mujeres adultas de esta historia, casi solas.

Como policial, La jauría es efectivo, apasionante y honesto: todo lo que muestra es relevante para la historia; no hay pistas falsas, ni agregados sin sentido, ni engaños ni estiramientos de la trama. Todo es sustancioso, sustancial y además coherente con su enfoque. No hay bajada de línea retórica sino a través del discurso (incluidos sus silencios) y los actos de sus personajes.

Sus planteos y las acciones de algunos personajes femeninos tampoco están exentos de polémica: la serie pretende instalar esos componentes polémicos e incómodos frente a los síntomas y signos de una radicalización del machismo de corte supremacista que plantea la serie.

Las actuaciones, el guión, el pulso narrativo, la fotografía... son de primer orden en esta gran serie cuya dirección general y "guión supervisado" es de la siempre interesante Lucía Puenzo.